Siniestras granjas situadas en las montañas, pequeños pueblos rodeados de tétricos bosques y tierras pantanosas, misteriosas apariciones, plagas de origen bíblico, mutantes antropófagos, jóvenes estudiantes acosadas por un brutal asesino... Estos son algunos de los ingredientes que podemos encontrar en las numerosas películas de terror que asolan la cartelera nacional. Varias ya se han estrenado (Los abandonados, La cosecha, The messengers, The Host), otras llegarán próximamente (El retorno de los malditos, Hostel 2), e incluso podemos sumar al fenómeno algunos thrillers que sin responder exactamente al terror, sí que juegan con ciertos elementos del género (El número 23, Premonición: siete días). El terror engancha, está de moda, funciona entre el público joven, pero también entre legiones de seguidores que asumen su devoción por lo escabroso como un auténtico culto. Para esos devotos del susto y el alarido, los últimos años han sido de clara celebración, ya que no se puede negar que vivimos una época de clara bonanza para el genero. La buena salud del cine de terror se comprueba cuando, observando el listado de películas mencionado anteriormente, se aprecia la interesante diversidad de orígenes y modelos del terror que triunfan hoy en día. Analicemos el fenómeno a vista de pájaro.

De entre las diferentes olas de cine de terror de los últimos tiempos, cabría empezar destacando la aparición de una activa cantera de realizadores españoles que se han dedicado a darle vidilla al género a nivel nacional, aunque en ocasiones, y como parte de una estrategia de producción pensada para crear productos para la exportación, las películas se han rodado en inglés. El cabecilla de este grupo sería Jaume Balagueró, al que habría que sumar a otros como Paco Plaza o más recientemente Koldo Serra, que estrenó hace pocas semanas Bosque de Sombras, thriller con altas dosis de terror psicológico. El último en sumarse al club ha sido Nacho Cerdá, que acaba de estrenar Los abandonados (coproducción entre España, Reino Unido y Bulgaria), en la que pone en juego elementos arquetípicos del género como la granja en mitad del bosque, las maldiciones y las apariciones. No se le puede negar a este grupete de adictos al terror nacional que no se conozcan al dedillo las reglas del juego.

Luego tenemos dos muestras del terror venido de Asia, auténtica fuente de renovación estilística y formal del género en los últimos años. Una ola de terror asiático que nos sigue demostrando su efectividad con productos tan solventes como The Host, magnífica película con monstruo, en la que su director (Joon Bong-ho) demuestra su maestría a la hora de mezclar géneros: puro terror, comedia, drama social. Un cóctel genérico que se ha convertido en la marca de fábrica del mejor cine venido de Corea. Por otra parte, tenemos un interesante caso de apropiación por parte de la industria de Hollywood de talentos asiáticos. Como ya pasara con el japonés Hideo Nakata, que fue fichado por los norteamericanos para filmar el remake yanki de su propia película Ringu 2, que se transformaría en La señal 2, con Naomi Watts, ahora teneos el caso de los hermanos de Hong Kong Danny y Oxide Pang. Luego de alcanzar fama mundial gracias a The Eye, ahora tenemos en las pantallas nacionales su primer proyecto americano: The Messengers, en la que someten a unos jóvenes hermanos, Jess de 16 años y Ben de 3, al capricho de unas siniestras apariciones no demasiado pacíficas.

Y claro, no podemos pasar por alto los proyectos llegados directamente de la meca del cine. De algún modo, al final siempre acaba siendo Hollywood la encargada de marcar el paso del cine mundial. Y no cabe duda de que esta decidida a mantener en pleno rendimiento la fabricación de películas de terror. Recientemente sufrimos más de un escalofría con La cosecha, en la que Hillary Swank debía recorrer la delgada línea entre la fe y la superstición en un pueblo aislado en Lousiana en el que parecía estarse dando una reedición de las diez plagas bíblicas. También de Estados Unidos nos llegarán próximamente dos estrenos genuinamente terroríficos. Por una parte, El retorno de los malditos, cuyo título en castellano oculta el hecho de que se trata de una secuela de Las colinas tienen ojos, película del 2006 de Alexandre Aja, que de hecho era un remake de la película homónima de Wes Craven de 1977. Luego tendremos otra secuela, algo bastante habitual en el cine de terror, siempre propenso a las sagas. Será Hostel 2, que volverá a contar con la dirección y el guión de Eli Roth y el apadrinamiento del gran Quentin Tarantino.

Como hemos visto, el género de terror parece estar en plena forma. Ahora nos gustaría saber cuál es vuestro perfil de película de terror favorito. ¿La cantera nacional, la ola asiática, los nuevos valores de Hollywood? ¿Cuál es vuestra peli de terror favorita de los últimos tiempos?

Hay filones que parecen no tener fin. Objetos mediáticos cuyo brillo parece destinado al resplandor infinito. Uno de esos objetos lo componen sin duda el legado de los Beatles. Sus canciones no dejan de sonar en emisoras y reproductores personales de todo el mundo. Su imagen y su música son iconos que trascienden las modas y su explotación comercial de las más variopintas maneras es el pan de cada día del mundillo cultural. Esta vez, nos fijamos desde aquí porque la noticia tiene relación con el cine. El hecho es que se está terminando de montar un musical basado en canciones de los Beatles que combina acción real, animación y efectos surrealistas. Según informa Variety, la película en cuestión, que responde al título de Across the Universe, desafía cualquier categorización. Un proyecto excéntrico dirigido por la no menos extravagante Julie Taymor, la directora de las iconoclastas y extrañas Titus y Frida.

La película, que cuenta con un presupuesto de 45 millones de dólares, relata una historia de amor que se desarrolla sobre el trasfondo de la guerra del Vietnam y que se narra a través de las canciones de la mítica banda de Liverpool. El reparto, formado en su mayor arte por jóvenes promesas, cuenta con la presencia de Evan Rachel Wood (Recortes de mi vida, Más allá del odio), y con la aparición estelar de un buen grupo de estrellas que se interpretarán a ellos mismos: Bono, Eddie Izzard, Joe Cocker y Salma Hayek, entre otros.

En declaraciones a Variety, la directora del filme se mostraba entusiasmada con la idea de situar la acción de la película en Nueva York. “Siento que para los mismos Beatles, Nueva York fue una ciudad muy importante. En los 60, era el centro de la sicodelia hippie y de los movimientos artísticos y bohemios. Se sentían como en casa en el Lower East Side, junto a los movimientos políticos pacifistas”. En cuanto al tratamiento de las canciones del grupo en la película, Taymor explica: “Vamos desde las primeras canciones de los Beatles – All My Loving, I Want to Hold Your Hand – que tienen ese toque inocente de los 60, hasta canciones como Revolution, que sin ser completamente políticas, tienen un toque de conciencia”.

Aunque las palabras de Taymor puedan sonar encantadas, la realidad pone al descubierto ciertos trapos sucios. El tema es que la película, que tiene fecha de estreno prevista para el 28 de septiembre, ha desatado un conflicto entre la personalidad radical y experimental del trabajo de Taymor y los intereses económicos de los productores de la película, que se rumorea que le han recortado un buen pedazo a la versión que presentó la directora, de 2 horas y 25 minutos. Según la gente relacionada con la película, a estas alturas no se sabe cuál de las dos versiones acabará viendo la luz. Finalmente, pase lo que pase, se podrá sumar un nuevo objeto a la colección de los enfermos beatlemaníacos que pueblan el mundo.

No podía pasar mucho tiempo más antes de que a un iluminado se le ocurriera trasladar el concepto del reality triunfito (estilo Operación Triunfo) al mundillo del cine. Y ese listillo ha sido, nada más y nada menos, que Steven Spielberg. Según anuncia Variety, el rey midas de Hollywood, desde su productora Dreamworks, ha decidido poner en marcha el concurso On the lot para la televisión norteamericana. Un concurso en el que los participantes en vez de ser aprendices de cantante (como en el American Idol yanki, el programa número uno en USA) serán aspirantes a cineastas.

Como es bien sabido, uno de los puntos fuertes de esta clase de concurso son los jurados que deben poner a prueba y valorar el trabajo de los participantes. Para esa ardua tarea, Spielberg ha convencido a cuatro veteranos de la escena de Hollywood. En primer lugar, Carrie Fisher, la mítica y olvidada princesa Leia de La guerra de las galaxias. Una elección, como mínimo, curiosa, cuando no dudosa. Luego vienen el realizador Brett Ratner (director de Hora Punta, El dragón rojo y X-Men 3) y el capo de la comedia romántica Garry Marshall (Pret Woman, Novia a la fuga, Princesa por sorpresa). Y para redondear la nómina, Jon Avnet, el director de Tomates verdes fritos e Intimo y personal. Cuatro personajes respetados (si olvidamos los extraños escarceos pasados de la Fisher con el alcohol y las drogas), que deberán juzgar el trabajo de los 50 aspirantes a director de cine que participarán en On the lot.

Los 50 aspirantes serán enviados a Los Ángeles, cuna de la industria, al Hollywood Boot Camp (campo de entrenamiento de Hollywood), donde mostrarán sus trabajos de presentación a los jurados. Luego tendrán que rodar y montar un cortometraje en 24 horas y después rodar una página de un guión en una hora. Todos contra las cuerdas, con la presión que caracteriza el frenético mundo hollywoodiense. De esos 50, sólo 18 quedarán como finalistas, que pasarán a lo que será el concurso-taller-escuela, que dará comienzo el 28 de mayo. ¿Sustituirá este concurso televisivo a las prestigiosas escuelas de Nueva York y Los Ángeles en la formación de triunfitos cineastas? ¿Será un programa televisivo la reencarnación de lo que fue el Festival de Sundance en su día? Lo que es seguro es que el ganador de On the Lot tendrá la oportunidad de trabajar en el desarrollo de un proyecto en Dreamworks con un presupuesto de trabajo inicial de 1 millón de dólares, ahí es nada. Será interesante ver qué les inculcan a estos niños afortunados. En un mundillo tan apresado por patrones industriales, ¿quedará algo de sitio para que los chicos puedan expresarse con libertad e independencia? ¿O sólo saldrán Bisbales del cine: gente capaz de fabricar insustanciales productos de éxito, víctimas de la moda?

Pues sí, los fanáticos del pequeño (aunque ya no tanto) mago están de enhorabuena, ya que se acaba de anunciar (a través de Variety) que la siguiente entrega de la saga de Harry Potter contará con un tratamiento especial 3-D. Harry Potter y la orden del Fénix, que tiene previsto su estreno para el próximo verano, contará, en su proyección Imax, con 20 minutos de escenas en tres dimensiones. Ya saben, tocará ponerse las sicodélicas gafas de colorines para poder gozar del espectáculo tridimensional. La única duda es saber si el show del niño brujo en 3-D llegará a los cines Imax de España (situados en Madrid, Barcelona, Valencia, Oviedo, Málaga y Baracaldo).

Harry Potter y la orden del Fénix se convertirá en la segunda película de acción real en recibir un tratamiento tridimensional para proyección Imax. La primera fue Superman Returns, que se convirtió en un importante éxito de taquilla en su presentación en 3-D en Estados Unidos, llegando a ingresar 31 millones de dólares en ese concepto. Aún así, la experiencia de Superman dejó algunas lecciones aprendidas. Por ejemplo, explican que durante la proyección era necesario estar constantemente poniendo y sacándose las dichosas gafitas, algo que terminaba desconcertando al público. Para el caso de Harry Potter, los encargados de su transformación en 3-D han decidido tratar únicamente 20 minutos de película. Según comentan, se tratará de los minutos finales del filme, en los que se podrá gozar en todo su esplendor del gran combate final.

La proyección Imax en 3-D en Estados Unidos es ya casi una costumbre en lo que atañe a películas de animación (como es el caso de Polar Express o Ant Bully, bienvenido al hormiguero), sin embargo, la tecnología todavía no está tan perfeccionada para las películas de acción real. Por eso, la gente de Imax trabaja con los cineastas para identificar las escenas que mejor se pueden beneficiar del tratamiento. “La gente no necesita ver en 3-D a tipos charlando. Lo que quieren es ver cómo Harry Potter le pega una tunda a los malos”.

Harry Potter y la orden del Fénix será la tercera película de la saga en proyectarse en cines Imax, pero la primera en recibir tratamiento 3-D. De hecho, la distribución de películas en cines Imax en USA está mucho más extendida que en el resto del mundo. Así, películas como 300 o Noche en el museo han gozado de estreno en Imax (eso sí, siempre en 2-D), algo que también pasará con la esperadísima Spider-Man 3.

¿Os animaríais a ir a ver la peli de Harry Potter con esos minutos finales en 3-D? ¿Porqué no ha acabado de triunfar el formato Imax en España?

Brad Pitt y George Clooney parecen haber descubierto que funcionan a la perfección como pareja artística. Nadie se atrevería a poner en duda la rentabilidad de su unión, son dos de los pesos pesados de la industria, sin embargo, esta fusión de glamurosos talentos se intuye como algo más que estratégica. La química que desprende el dúo se aventura realmente genuina, me refiero a ese buen rollito que emana de la pantalla cuando ambos la comparten. Un buen rollito fundamental para el éxito de la nueva saga de los Ocean’s Eleven, rememoración del mítico rat pack que formaron Sinatra, Dean Martín, Sammy Davies Jr. y demás. De momento, con dos entregas a sus espaldas, Pitt y Clooney acaban de rodar la tercera parte del invento nostálgico, Ocean’s Thirteen, que presentarán por todo lo alto en el próximo Festival de Cannes, que se celebra entre el 16 y el 27 de mayo. Aunque la gran novedad es que se acaba de anunciar que el dúo volverá a compartir campaña en la próxima película de los hermanos Joel y Ethan Coen, Burn After Reading. La conexión continúa.

Hollywood Reporter ha anunciado que Burn After Reading (algo así como Quemar después de leer), será una comedia negra sobre un agente de la CIA que extravía el disco con las memorias que estaba escribiendo. Un disco que irá pasando de mano en mano provocando toda clase de disparatadas situaciones. Será la tercera vez que George Clooney colabore con los Coen. Primero fue en O’Brother! (2000), en la que el actor realizaba una autoparodia de su condición de galán, y luego en Crueldad Intolerable (2003), en la que compartió cartel y lucha de sexos con Catherine Zeta Jones. Sin embargo, para Brad Pitt será el primer encuentro con el excéntrico mundo de los responsables de películas como Fargo, Barton Fink, Muerte entre las flores o El gran Lebowski. Se ha informado también de que el reparto de la película incluirá a la habitual de las películas de los Coen, Frances McDormand, esposa de Joel.

El proyecto contiene todos los ingredientes para resultar en un gran éxito. De hecho, todos los involucrados en el mismo se hayan en una auténtica fiebre laboral. Los Coen, que presentarán No Country for Old Men también en Cannes (con Javier Bardem en el reparto), tienen 4 proyectos en preparación. George Clooney pasó por el Festival de Berlín con El buen alemán e irá a Cannes con Ocean’s Thirteen, además de acumular cinco proyectos en cartera. Y mientras, Pitt, encantado con su relación con Angelina Jolie, estrenará próximamente The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, de Andrew Dominik, para Warner Bros, y está a punto de terminar The Curious Case of Benjamin Button a las órdenes de David Fincher. No tiene pinta de que Pitt vaya a acompañar a Angelina en su anunciado periodo de descanso para dedicarse a sus hijos.

¿Qué os parece la reunión de talentos formada por Pitt y Clooney? ¿Os parece auténtica, genuina, o un dúo formado para reventar taquillas? ¿Es auténtico el buen rollito que parecen tener en pantalla?

Es bien sabido que en Hollywood lo único importante es que hablen de ti. Si es a favor o en contra poco importa. Lo relevante es llamar la atención y aparecer en los medios. En ese sentido, una película se acaba jugando una parte de su posible futuro éxito en una buena campaña de promoción, y parte del tinglado lo compone la inevitable presentación social del filme. Todo tiene que estar perfectamente calculado: lugar, fecha, decoración, pero sobretodo los invitados. La aparición de una Paris Hilton o un Brad Pitt en la presentación de una película garantiza una cobertura a gran escala. Sin embargo, la pequeñas producciones tienen que inventar nuevas maneras de llamar la atención. La última locura al respecto la han inventado el matrimonio formado por David Arquette y Courtney Cox (el hermano de Patricia y la Monica de Friends, pareja desde que se conocieron en el rodaje de Scream), que, para promocionar su nueva película, The Tripper, han escogido como lugar de ceremonias nada más y nada menos que el cementerio de Hollywood (el Hollywood Forever Cemetery).

La cosa podría parecer una idea psicótica si no fuera porque hay truco tras el dato. La lógica del asunto recae en el hecho de que The Tripper es una película de terror slasher (peli gore con asesino en serie) en la que un chiflado enmascarado con una careta de Ronald Reagan se dedica a cargarse a una pandilla de hippies colgados que celebran una fiesta en los bosques de California. Dirigida y escrito por el propio Arquette y protagonizada por el acaramelado matrimonio, la película se estrena el 20 de abril en USA. En la fiesta fúnebre de presentación de la película, se dieron cita varios miembros del reparto (Lucas Haas, Paul Reubens y Thomas Jane) y contó con la siempre espléndida presencia de Jennifer Aniston (Rachel acudió a hacerle compañía a su friend Monica). Para rematar el asunto, Arquette explicó que la elección del cementerio como escenario festivo no sólo correspondía a una estrategia de marketing, sino que también escondía un componente sentimental: “mi familia creció en la escquina de Melrose Place con Gower, y este era nuestro cementerio local. Solíamos pasear por aquí cuando necesitábamos reflexionar con tranquilidad”. Lo que hay que oir.

A este paso, ¿dónde será la próxima fiesta de presentación? ¿En la morgue de Hollywood? Y si la peli va de médicos, ¿será la fiesta en un hospital? ¿en un sanatorio mental? ¿en una clínica de desintoxicación (de esas hay varias y bien pobladas por allí)? La meca del cine parece cada día más pirada. ¿A alguien le parece normal celebrar el estreno de tu película en un cementerio comiendo hamburguesas? Made in Hollywood.

Lo curioso es que parece que la peli de Arquette puede tener algún interés más allá de su chasquería gore. Algunos críticos que ya la han visto, han comentado que el filme se termina erigiendo como una suerte de metáfora sobre la demencia conservadora, republicana, que parece azotar Norteamérica hoy en día. Realmente, la imagen de un tipo con la máscara del ex-presidente Reagan cortando cabezas puede tener su punto. Esperaremos a ver el resultado.

El Internet Global Congress de Barcelona ha acogido hoy la presentación del primer festival de España de cortometrajes rodados con teléfono móvil, Movilfilmfest, que premiará las cinco propuestas más originales grabadas con móviles y que no superen el minuto de duración.

Este certamen, organizado por la productora Public Frame, especializada en eventos culturales que aúnan la dimensión virtual y la de la telefonía móvil, cuenta con el apoyo de Nokia, que está previsto que distribuya por diversas escuelas de cine teléfonos móviles modelo N93, que permiten la grabación en vídeo, para promocionar la participación de los estudiantes en el festival.

Según ha explicado el director de Movilfilmfest, Alberto Tognazzi -sobrino del icono del cine italiano de los años 60 Ugo Tognazzi- en una rueda de prensa celebrada hoy, ‘cualquiera puede participar; este festival no está dirigido a profesionales, sino a todo aquel que no tenga miedo de coger el móvil y rodar una idea que le surja’.

El objetivo del festival es ‘fomentar la creatividad y la iniciativa de jóvenes realizadores y favorecer la exhibición de las nuevas tendencias audiovisuales, a la vez que invita a la reflexión sobre la evolución de la producción audiovisual’, ha explicado Tognazzi.

Por su parte, el director del Internet Global Congress, Vicenc Gasulla, ha descrito el Movilfilmfest como ‘la prueba de la creciente importancia que tiene la telefonía móvil como canal de contenidos multimedia de ocio’.

Con todo, la iniciativa no ha obtenido respuesta por parte de las principales operadoras de telefonía móvil, ‘quizá porque tampoco les hemos presentado nuestro proyecto y lo hemos discutido’, ha aclarado a Efe Maite Costea, responsable de comunicación del festival.

‘Queremos que nos sorprendan, que nos emocionen’, ha explicado por su parte el director del certamen, Alberto Tognazzi, sobre sus expectativas acerca del carácter de los proyectos, que los participantes pueden enviar hasta el 13 de mayo a través de la web del festival o bien mediante un mensaje de móvil.

Los cortos, que por limitaciones del soporte en el que están rodados no pueden superar el minuto, serán evaluados por un jurado compuesto por profesionales del mundo cinematográfico y audiovisual español, como Elías Querejeta, productor de varias películas de Fernando León de Aranoa, y Javier Aguirresarrobe, director de fotografía en varios filmes de Woody Allen.

‘Se valorará sobre todo la creatividad y la innovación’, ha puntualizado Tognazzi, quien ha explicado que el jurado concederá cuatro premios en las categorías de mejor película, mejor idea original, mejor plano secuencia, y mejor fotografía, y el quinto galardón lo decidirá el público, que valorará los proyectos y emitirá su voto a través de mensajes de móvil.

Los ganadores recibirán su premio -un teléfono Nokia modelo N93- en un acto que tendrá lugar el 7 de junio en Madrid, en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, y tendrán ocasión de proyectar sus propuestas en varias galerías de arte españolas.

Todo apuntaba a que la realización de Grindhouse, proyecto conjunto con Quentin Tarantino, iba a ser una fiesta para Robert Rodríguez. Poco podía imaginarse el director tejano que el tiro le saldría por la culata, estallándole en la cara en mil pedazos. Finalmente, los excesos y excentricidades parecen haberle pasado factura tanto en lo laboral como en lo personal. En resumen, Grindhouse no ha sido sólo un fracaso absoluto de taquilla, sino que el pobre Rodríguez ha tenido que ver cómo su matrimonio se iba a pique, bajo rumores de infidelidad, y a su ex-mujer montándole un pollo tremendo en la reciente gala de presentación de la película.

Pero vayamos por partes. Aunque Rodríguez lo ha negado rotundamente, los rumores sobre la infidelidad que el director podría haber cometido con la estrella de su capítulo en Grindhouse (Planet Terror), la actriz de origen italiano Rode McGowan, podrían haber sido el motivo final de su divorcio de la venezolana Elizabeth Avellán, de 47 años (él tiene 38), con la que compartió 16 años de su vida y con la que tuvo 5 hijos. Pero al parecer, todos esos precedentes no pudieron con el encanto de la actriz de 33 años, que impresionó a Rodríguez hasta el punto de cambiar el guión para incluirla en su parte de la película. Sobre la actriz, que en su historial cuenta haber conseguido escapar de la secta de los “Hijos de Dios”, Rodríguez explica orgulloso: "Me pareció maravillosa y quise hacer un personaje como ella, divertida, sexy y muy torpe, alguien que debería ser humorista y llena de talentos desaprovechados. Por eso tomé nota de su manera de ser hasta que le puse una metralleta por pierna".

La ruptura del matrimonio Rodríguez podría acabar también con el equipo de trabajo de las películas del director, ya que su mujer trabajaba como productora de los filmes. Aún así, Rodríguez ha declarado que ambos “seguimos siendo amigos y socios” y que Avellán trabajará como productora de la secuela de Sin City que se está preparando. Veremos si es verdad.

Para acabar de rematar los escándalos que incumben a Rodríguez, tenemos que hacer referencia a las hermanas gemelas Avellán, Elise y Electra, ambas de 20 años y sobrinas de Elizabeth. Las hermanitas fueron las últimas en sumarse al carro de familiares que participaron en la última película del director (su hijo de nueve años aparece brevemente hasta que lo matan de un disparo en pleno rostro, sic). Y las chicas han causado auténtica sensación en el mundillo del cine, aunque metieron la pata a fondo al presentarse vestidas de rojo en la reciente gala de presentación de Grindhouse. Al parecer, Elizabeth la ya ex de Rodríguez, le había pedido al director ser la única mujer en ir vestida de rojo en la fiesta, y claro, las jovencitas de 20 años le quitaron el protagonismo. Un dolor de cabeza más para Rodríguez, que ahora ya no sabe por qué sufrir más, si por sus conflictos y escándalos personales o por los pésimos resultados de taquilla que ha tenido la película. De hecho, Rodríguez y Tarantino que soñaban con alcanzar la cifra de los 20 millones de dólares en el primer fin de semana, tuvieron que quedarse helados al descubrir que sólo consiguieron 11,5. Unos resultados catastróficos que ponen en la cuerda floja su buena relación con su produtores de toda la vida, los temidos hermanos Weinstein.

¿Conseguirá Rodríguez salir del pozo de mala suerte en el que parece estar hundido? ¿Conseguirá con Sin City 2 resarcirse de sus cenizas? Veremos.

En el actual panorama cinematográfico de Hollywood, el reciclaje de ideas se ha convertido en el pan de cada día de la industria. Eso sí, un reciclaje que adapta antiguas ideas a nuevos modelos. Así, la película Disturbia (protagonizada por Shia LaBeouf, una de las jóvenes estrellas del momento, y David Morse, un veterano de solvencia contrastada) se nos presenta como una suerte de actualización de La ventana indiscreta, la mítica película de Alfred Hitchcock, llevada al terreno del mundo adolescente. Al menos así lo ha detectado de forma generalizada la crítica norteamericana. El crítico Michael Sragow del Baltimore Sun ha aventurado que Disturbia es: “Un cruce entre El club de los cinco y La ventana indiscreta. El resultado debería satisfacer a parejas de todas las edades”. Otro entusiasta de la película es el crítico David Edelstein, del New York Magazine, que afirma que “el momento en el que te das cuenta de que D.J. Caruso es un director con recursos es cuando consigue asustarte con una mínima violencia y unas pocas manchas de sangre”.

Y de hecho, la comparación con Hitchcock parece a todas luces acertada simplemente atendiendo a la sinopsis de la película, que explica que tras la muerte de su padre, Kale (Shia LaBeouf) se convierte en un chico silencioso, huraño, retraído y perturbado hasta el punto de que el juez ordena su arresto domiciliario. Su madre Julie (Carrie-Anne Moss) trabaja día y noche para mantener la casa, pero su único agradecimiento es la indiferencia y el letargo. Las paredes de la casa empiezan a oprimir a Kale, que acaba convirtiéndose en un mirón a medida que empiezan a interesarle los pequeños acontecimientos que puede seguir desde las ventanas de su casa de la periferia. Sospecha que uno de sus vecinos (David Morse) es un asesino en serie. ¿Será verdad o son imaginaciones creadas por su encierro forzoso?

A priori, lo más llamativo de la película, junto a la figura de Morse, es volver a encontrarnos con Shia Labeouf, excelente actor juvenil, cuyo caché explotó súbitamente el año pasado cuando encadenó dos interpretaciones soberbias, primero como chico de suburbio italo-americano en A guide to recognizing your saints (Una guía para reconocer a tus santos), y luego como joven comprometido políticamente en Bobby de Emilio Estévez. Dos películas corales en las que su naturalidad y espontaneidad hicieron sombra a más de una estrella consagrada. Pero, ¿de dónde ha salido este chico de apellido impronunciable? Repasando su currículum, realmente extenso para tener sólo veinte años, vemos que su carrera arrancó de forma dubitativa entre pequeños proyectos para el cine e intervenciones puntuales en series televisivas de éxito como Urgencias o Expediente X, sin embargo su biografía nos aclara que antes de lanzarse como actor, LaBeouf se formó como comediante de monólogos en pequeños locales de Los Ángeles, su ciudad natal.

Luego, poco a poco se fue haciendo un lugar, como secundario en producciones de mayor entidad como la segunda entrega de la saga de Los ángeles de Charlie o Yo, robot, sin embargo, como apuntábamos anteriormente, no fue hasta el año pasado que el joven actor se convirtió en estrella al desarrollar por completo su talento. Por otra parte, el actor tiene una faceta escondida: su pasión por la escritura y dirección cinematográfica. Un deseo al que pudo dar rienda suelta en 2004, cuando dirigió y escribió, junto a Lorenzo Eduardo, el cortometraje Let’s Love Hate (Amemos el odio).

De cualquier manera, está claro que LaBeouf tiene mucha más carrera por recorrer que la recorrida. El futuro cercano lo dibuja como la estrella de la película Transformers de Michael Bay, uno de los éxitos asegurados de la próxima temporada de verano, y, como guinda del pastel, hace poco se anunció que el joven actor formará parte del casting de la cuarta entrega de la saga de Indiana Jones que preparan Lucas y Spielberg. Este chico promete.

Cuando empezaron a popularizarse las cámaras de video digital, muy pocos pensaron que aquella tecnología acabaría calando de manera profunda en la manera en que se hace cine hoy en día. Finalmente, el digital en el cine se ha extendido por todas sus vertientes y perfiles, desde las producciones más amateurs hasta las películas de George Lucas. Con la consagración de esta tecnología como válida para la creación audiovisual se ha hablado mucho de la democratización del cine. Ya no se necesita una gran maquinaria de producción para hacer una película, puede hacerse con una pequeña cámara digital. Ese camino parece no tener marcha atrás, y para confirmarlo, ahora surgen nuevas posibilidades asociadas, como lo es la realización de cortometrajes contando sólo con un teléfono móvil. Todo esto viene a cuento porque hoy se ha presentado el primer festival de España de cortometrajes rodados con teléfono móvil, Movilfilmfest, que se celebrará del 15 de mayo al 7 de junio, y que premiará las cinco propuestas más originales grabadas con móviles y que no superen el minuto de duración.

Confirmando la idea de que la grabación con móviles debe acercar la creación audiovisual a cualquier persona, el director del festival, Alberto Tognazzi (sobrino del icono del cine italiano de los años 60 Ugo Tognazzi), ha explicado que “cualquiera puede participar; este festival no está dirigido a profesionales, sino a todo aquel que no tenga miedo de coger el móvil y rodar una idea que le surja”, a lo que añadió que el objetivo del festival es “fomentar la creatividad y la iniciativa de jóvenes realizadores y favorecer la exhibición de las nuevas tendencias audiovisuales, a la vez que invita a la reflexión sobre la evolución de la producción audiovisual”.

El certamen, organizado por la productora Public Frame, cuenta con el apoyo de Nokia, que está previsto que distribuya por diversas escuelas de cine teléfonos móviles modelo N93, que permiten la grabación en vídeo, para promocionar la participación de los estudiantes en el festival.

¿Qué posibilidades reales ofrece esta tecnología? ¿Cuánta creatividad cabe en un minuto? ¿Qué condiciones debe reunir un buen creador audiovisual? Aunque las respuestas a estas preguntas son todavía inciertas (responderlas es parte del objetivo del proyecto) Tognazzi explicó: “Queremos que los participantes nos sorprendan, que nos emocionen. Se valorará sobre todo la creatividad y la innovación’”. Para participar en el festival sólo hace falta seguir las bases que se encuentran en la página web del certamen: www.movilfilmfest.es

Los cortos, que por limitaciones del soporte en el que están rodados no pueden superar el minuto, serán evaluados por un jurado compuesto por profesionales del mundo cinematográfico y audiovisual español, como Elías Querejeta, productor de varias películas de Fernando León de Aranoa, y Javier Aguirresarobe, director de fotografía en varios filmes de Amenábar y Almodóvar, que concederán cuatro premios: a la mejor película, mejor idea original, mejor plano secuencia y mejor fotografía. El quinto galardón lo decidirá el público, que valorará los proyectos y emitirá su voto a través de mensajes de móvil. Los ganadores recibirán su premio -un teléfono Nokia modelo N93- en un acto que tendrá lugar el 7 de junio en Madrid, en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, y tendrán ocasión de proyectar sus propuestas en varias galerías de arte españolas.

Después de mucha rumorología al respecto, parece que por fin se van conociendo datos fiables acerca del proyecto de la secuela de Hulk. Hasta el momento, se habían barajado como posibles candidatos para el papel los nombres de Eric Bana, que ya encarnó al irascible gigante verde en la primera entrega de la saga en 2003 (a las órdenes de Ang Lee), de Dominic Pucell (Prison Break) y, sobretodo, Adrien Brody. Sin embargo, finalmente, el papel ha recaído en el actor Edward Norton, todo un veterano en lo que se refiere a interpretar personajes con doble personalidad. De hecho, el del apacible científico que cuando se enfada se convierte en el “increíble” Hulk será su tercera incursión en el mundo de las personalidades múltiples, después de sus excelentes, aunque un tanto manieristas, trabajos en El club de la lucha (1999) junto a Brad Pitt y a las órdenes de David Fincher, y La otra cara de la verdad (1996), que protagonizó junto a Richard Gere.

El anuncio se ha conocido a través de la página web de los estudios Marvel, la mítica editora de cómics que originó al popular gigante verde con temible genio y gran corazón. En el anuncio, la editora explica que el proyecto se llevará a cabo con la colaboración de la productora Universal, que además distribuirá la película. Se prevé que el rodaje de comienzo dentro de pocos meses en Toronto (Canadá), y que el largometraje se pueda estrenar en las pantallas de todo el mundo el 13 de junio de 2008. Además del nombre del protagonista, Norton, también se ha anunciado el del guionista, Zak Penn (guionista de otras películas de super-héroes, como Electra, Los cuatro fantásticos o la tercera entrega de los X-Man), y el del director, Louis Leterrier (que ya se encargó de comandar las dos entregas de Transporter y Danny, The Dog). Con un equipo con mucha experiencia en el tratamiento de la acción heroica, Marvel y Universal esperan proyectar hacia el futuro una saga que alcanzó interesantes cotas de inventiva visual en su primera entrega. ¿Será Norton un buen sustituto de Bana? Es cierto que el amplio registro actoral de Norton puede dar bastante juego a la hora de enfrentar un personaje contradictorio y complejo como el de Bruce Banner-Hulk, sin embargo se va a hacer difícil olvidar el estupendo precedente que erigió Bana.

De lo que no cabe duda es de que este papel devolverá a Norton al primer plano del firmamento de Hollywood. Aunque recientemente ha probado suerte con interesantes propuestas como El velo pintado (2007) y El ilusionista (2006), el actor estaba atravesando una etapa un tanto titubeante, sobretodo teniendo en cuenta la cotización crítica y popular que llegó a alcanzar a finales de los noventa gracias a El club de la lucha y American History X, por la que consiguió su segunda nominación al Oscar en 1998. La primera, la había obtenido como mejor actor de reparto por su trabajo en La otra cara de la verdad. 

Norton será el cuarto actor en interpretar a la dupla Banner-Hulk, ya que antes de que Eric Bana le diera vida en la película de Ang Lee, existió la delirante serie de televisión de finales de los 70, principios de los 80, en la que diferentes actores se encargaban de las diferentes personalidades del científico-monstruo: el cultutrista Lou Ferrigno hacía de Hulk y Bill Bixby se encargaba de encarnar a Banner.

¿Qué imagen se nos viene a la cabeza cuando pensamos en Bruce Willis? Sí atendemos a esa pregunta y probamos con el ejercicio, es probable que nos demos cuenta de que Willis es un actor más polifacético y versátil de lo que solemos pensar. De entrada, es muy probable que nuestra mente respondiera a la pregunta anterior devolviéndonos la imagen icónica de John McClane, el duro y atormentado protagonista de la saga de La jungla de cristal. Sin embargo, no es menos probable que nuestro primer impulso fuese pensar en el vulnerable y confundido doctor Malcolm Crowe de El sexto sentido. Remitiéndonos a esos dos personajes, es fácil comprender que Willis maneja unos registros interpretativos bastante amplios que, además, han servido para engalanar películas correspondientes a muy diversas áreas del panorama cinematográfico norteamericano. Gran figura del cine blockbuster, el más comercial, pero también héroe del cine independiente, Willis parece haber decidido convertirse en una figura omnipresente en la cartelera del 2007. Entre Alpha Dog y Seduciendo a un extraño, que ya están en cartel, y Grindhouse y la cuarta entrega de las aventuras de McClaine (Live Free or Die Hard) vamos a encontrar a Willis hasta en la sopa.

Mientras en Alpha Dog, Willis aparece sólo como un personaje secundario, interpretando a Sonny Truelove, en Seduciendo a un extraño se codea como protagonista con Halle Berry, interpretando al multimillonario Harrison Hill, un hombre con hambre de poder y debilidad por las mujeres. Ambos son papeles en los que el actor pone en escena su característica mezcla de elegancia, presencia y un particular deje irónico que siempre introduce un punto más de densidad e interés a sus personajes. Ese punto casi sarcástico que a veces estalla en el rostro de Willis le ha permitido trabajar en varios registros, en particular la comedia: desde la inolvidable serie Luz de luna, con la grandiosa lucha de sexos con Cybill Shepherd, hasta su breve intervención en Fast Food Nation, en la que interpreta a un comerciante de ganado sin escrúpulos (película también pendiente de estreno).

En los próximos meses veremos a Willis en dos películas de acción de naturaleza bien diferente. Por una parte, Grindhouse, el homenaje de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez al cine de acción de serie B. Willis aparece en el segmento Planet Terror, dirigido por Rodríguez. Por otra parte, Willis se volverá a enfundar la piel de John McClaine en la cuarta película de la saga de La jungla de cristal, en la que le tocará enfrentarse a una organización terrorista que trabaja a través de internet y que intenta atacar Estados Unidos. Esta dupla de películas nos acerca a la variedad de proyectos en los que ha trabajado Willis a lo largo de su carrera. El actor es un asiduo del puente que separa el cine más comercial del independiente. Y aunque la última película de Tarantino y Rodríguez no puede considerarse como 100% indie, sí que conserva un cierto espíritu trasgresor, y, aunque de forma indirecta, extiende la fructífera colaboración de Willis con Tarantino, que ya nos dio al inolvidable Butch de Pulp Fiction.

Otra colaboración con un director de fuerte personalidad fílmica, M. Night Shyamalan, nos permitió descubrir el perfil más vulnerable de Willis, tanto en El sexto sentido como en la aún mejor El protegido. Y, de hecho, antes ya había trabajado con el loco Terry Gilliam en la interesante Doce Monos. Hay títulos de autor realmente interesantes en la carrera de Willis, sin embargo, sería un engaño no reconocer la condición de estrella del cine más comercial que encarna Willis. Sólo cabe pensar en títulos como El quinto elemento, Chacal, El último Boy Scout o Armaggedon para comprobarlo.

¿Cuál es vuestro Willis favorito? ¿El héroe de acción o el hombre atormentado? ¿Cuál es vuestra película favorita de su carrera?

La carretera como pasadizo al interior del alma humana, como abismo asfaltado en el que, ante la visión del horizonte, cabe encontrar la verdad, si la hay, de la propia identidad. Sobre esta premisa poética se construyeron las bases de uno de los géneros cinematográficos más genuinamente americanos: la road movie. La películas de carretera dan lo que prometen: asfalto, movimiento motorizado y figuras humanas que hallan en ese tránsito, tan físico como espiritual, una forma de revelación acerca de sí mismas. En particular, la road movie, a través de sus referentes icónicos (Easy Rider el primero), ha servido para retratar, en diferentes momentos de la historia, diferentes conflictos sociales, siempre reducidos hasta la abstracción y convertidos en puro movimiento sobre ruedas. Espacio para la rebeldía y la contracultura, la carretera ha sido en muchas ocasiones un refugio privilegiado para seres marginados. La carretera como patria de los desplazados, de los que no encuentran el sentido de la vida en sociedad, de los que prefieren vagar por la jungla de asfalto antes que someterse a las leyes de una sociedad que no los comprende.

Y las carreteras más recorridas por el género han sido, como no, las norteamericanas, casi siempre rodeados por desérticos paisajes y pueblos de mala muerte. En ese espacio desértico, en el que las figuras humanas se reducen a diminutos perfiles esculpidos en la inmensidad del paisaje, emerge la naturaleza primitiva y genuina de la existencia humana. Así son los individuos y paisajes que habitan la película Paris, Texas del alemán Wim Wenders, fascinado durante años con el desierto norteamericano. También hay mucha carretera en películas del periodo clásico como Las uvas de la ira de John Ford, aunque no suele ser considerada una road movie en un sentido estricto. De hecho, el género se conformó definitivamente como tal cuando, en los años sesenta, surgieron las dos películas que definirían sus reglas de funcionamiento: Easy Rider de Dennis Hopper, con Peter Fonda y Jack Nicholson, y Bonnie and Clyde de Arthur Penn, con Warren Beatty y Faye Dunaway.

A partir de ahí, como en todo gran género, fueron apareciendo diversas variaciones, aunque siempre conservando el punto de rebeldía y el proceso de autoconocimiento que conllevan los viajes motorizados de estas películas. Así, encontramos grandes clásicos como Carretera Asfaltada en dos direcciones (1971) de Monte Hellman, en el que el género tocó el cenit de su vertiente más fetichista y nihilista. Mientras en un periodo más moderno, la carretera sirvió para que Oliver Stone cargara tintas contra los medios de comunicación en Asesinos Natos, o para que David Lynch se entregara a sus impulsos más oníricos (en Corazón Salvaje) y clásicos (en Una historia verdadera).

Todavía en los noventa, la chicas se apoderaron del género gracias a Thelma y Louise de Ridley Scott, mientras que el Hollywood más ñoño también se lanzaba a la carretera con Rain Man. Para encontrar resquicios de la antigua rebeldía que caracterizó al género hay que bucear hasta encontrar propuestas travestidas como Priscilla, reina del desierto. Más recientemente, la road movie ha regresado a través de varias películas muy heterogéneas. Desde la adolescente Y tu mamá también hasta la madura Flores rotas, pasando por The Brown Bunny de Vincent Gallo, quizás la única que aún conserva el signo contracultural de los orígenes del género. Ahora llega a nuestras pantallas Cerdos Salvajes, en la que John Travolta se lanza a la carretera con un grupete de colegas, que descubrirán ser ya un tanto veteranos para la vida motera. La road movie revisitada en clave de comedia.

No cabe duda de que Leo DiCaprio es el chico de moda en el firmamento de Hollywood. Todos los focos mediáticos registran cada uno de sus pasos y el mundo parece fascinado con asistir a su transformación de cara bonita a actor de Oscar, de icono adolescente a adulto comprometido. Y así, no hay semana que no aparezca un nuevo proyecto en la agenda de Leo, que a este ritmo va a tener que contratar un doble para que le sustituya en alguno de sus múltiples rodajes previstos. El último en sumarse a la lista es Body of Lies, proyecto en el que DiCaprio encarnaría un periodista captado como agente de la CIA, para atrapar a un líder de Al Qaeda que desde Jordania prepara un ataque terrorista contra los Estados Unidos.

La nota de color del proyecto la pone el que se supone que será su realizador, el otrora infalible Ridley Scott, que tras encadenar los éxitos de Gladiator, Hannibal y Black Hawk Derribado a principios de la década se haya actualmente sumido en un pozo negro en el que lo acabó de soterrar el sonado fracaso de El buen año, con Russel Crowe. Es sabido que el valor de los nombres en la industria de Hollywood basculan a la velocidad de la bolsa de Wall Street, y Scott se aferra claramente a la posibilidad de que sus acciones suban como la espuma al colaborar con el chico de oro del momento, DiCaprio. Y el contexto elegido para la reunión será este "thriller" de actividades encubiertas antiterroristas, un género que Scott ya exploró en la ya lejana Black Rain y que volverá a visitar en otro proyecto que está a punto de finalizar: American Gangster, interpretada de nuevo por Crowe, esta vez junto a Denzel Washington en el papel de un narcotraficante de Harlem. Además, Body of Lies reunirá a Scott y DiCaprio con un viejo conocido de ambos, el guionista ganador del Oscar este año William Monahan, que con el primero hizo El reino de los cielos y con el segundo Infiltrados. 

Si Ridley Scott es el necesitado del dúo, DiCaprio es claramente el que va sobrado. Mientras para Scott, Body of Lies será una jugada de “todo o nada”, para Leo no es más que un pequeño escalón más en su camino de rosas por el panteón del éxito. De hecho, DiCaprio tiene en cartera varios proyectos realmente jugosos que prometen despertar la máxima atención. Ahí está por ejemplo Revolutionary Roads, que marcará el reencuentro de Leo con su compañera en Titanic, Kate Winslet, o también The Rise of Theodore Roosvelt, que será su cuarta colaboración con el recientemente galardonado Martín Scorsese. Lo único que cabe preguntarse respecto a DiCaprio es: ¿Cuánto tiempo tardará en recibir su anhelado Oscar? De momento, ya van tres candidaturas en blanco, una dinámica realmente peligrosa. Sino que le pregunten a su amigo Scorsese (que tuvo que esperar hasta la séptima nominación).

Es bien sabido que en el mundillo del cine el que no corre vuela. La consigna es cazar los escándalos al vuelo y exprimir cualquier resquicio de atención mediática que se pueda conquistar. Y ya no se trata sólo de la industria de Hollywood, sino de cualquiera de las variantes industriales que pueblan el Planeta Cine. El último rastro de flagrante oportunismo lo encontramos en el anuncio, publicado en Variety, de que ya está en marcha el primer biopic de la vida de la modelo Anna Nicole Smith, fallecida hace sólo dos meses (el 8 de febrero) de una sobredosis de medicamentos. Con el cadáver de la pobre Anna Nicole recién enterrado, los productores independientes Jack y Joseph Nasser han decidido lanzarse a explotar el filón mediático generado tras la muerte de la voluptuosa ex-conejita Playboy.

Y lo cierto es que tanto la vida como la muerte de Anna Nicole es una auténtica mina de escándalos, perfecta para engalanar una de esas producciones independientes yankis lacrimógenas a la par que mediocres. Y claro, uno de los requerimientos fundamentales de dichas películas es contar con una actriz protagonista que pueda ofrecer otro plus mediático. En este caso, los productores se han decantado por la cantante, bailarina y modelo Willa Ford, que comparte con Smith no sólo el haber protagonizado una portada de Playboy, sino también el haber pasado más de una vez por quirófano para ampliar su ya de por sí espectacular delantera. Willa Ford es conocida principalmente en Estados Unidos por su éxito I Wanna Be Bad, perteneciente a su primer album, Willa Was Here.

La película, que responderá al simple y obvio título de Anna Nicole, estará dirigida por el desconocido Keoni Waxman y seguirá la trayectoria de Smith desde los 17 años hasta su muerte, deteniendose en su éxito como modelo erótica, su matrimonio con el anciano millonario J. Howard Marshall II, el fallecimiento de su primer hijo y su propio suicidio o muerte accidental en un hotel de Florida. El anuncio del proyecto llega cuando se van resolviendo los diferentes flecos que dejó abierta la muerte de la modelo. De hecho, desde su fallecimiento, las casas de justicia norteamericanas se han convertido en auténticos campos de batalla para hacerse con la cuantiosa fortuna que poseía Smith. La pelea más sonada ha sido la protagonizada por varios novios de la actriz que reclamaban la paternidad de su hija, Dannielyn, que finalmente fue concedida a una antigua pareja de Smith, Larry Birkhead.

Las vidas escandalosas suelen generar, a la larga, más de un proyecto cinematográfico. Y las circunstancias vitales de Smith nos hacen prever más de un biopic de la modelo en el horizonte. Veremos si alguno de ellos consigue atravesar la barrera del oportunismo y presentar algún valor artístico.