Según ha anunciado oficialmente George Lucas, será en mayo de este año, casi veinte años después de su última aparición, cuando Indiana Jones regrese por cuarta vez a la gran pantalla, encarnado nuevamente por Harrison Ford y bajo la dirección de Steven Spielberg. Con dicho anuncio parece cerrarse definitivamente uno de los culebrones más extensos del Hollywood reciente. Ha tenido que pasar más de una década para que el trío de padrinos del bueno de Indi (Lucas-Ford-Spielberg) se pusieran de acuerdo entorno a un guión definitivo, que ha sido escrito por David Koepp (responsable de Jurassic Park y Spiderman). En el camino se quedaron montones de intentos a medio camino e incluso un guión terminado por Frank Darabont (director de Cadena Perpetua) que fue tirado a la basura y que casi arruinó la posibilidad de ver la esperadísima cuarta parte de Indiana Jones.

La película, que empezó a rodarse en junio del año pasado, tiene  como título 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal'.  De la trama, Lucas ha declarado, que “se trata de un filme más bien de personajes, con unos cuantos misterios interesantes”. Animado con la nueva empresa y pensando seguramente en la cantidad de billetes verdes que ingresará gracias a la resurrección del mítico arqueólogo, Lucas ha comentado eufórico: “será fantástica, va a ser la mejor de todas”. Igualmente entusiasta se muestra Spielberg, “George, Harrison y yo estamos muy emocionados por el guión y creemos que ha valido la pena la larga espera. Esperamos entregarle al público todo lo que un filme de Indiana Jones debería tener”. Lo que cabe preguntarse es si es realmente posible recuperar el aura y espíritu de un héroe que parece ya de otro tiempo. ¿Conseguirán que esta nueva entrega de la saga no parezca un pegote añadido? Casi dos décadas después, ¿no será un poco triste ver al abuelo Indi (Ford tiene ya 64 años) intentar emular las atléticas peripecias de las películas anteriores?

A pesar de su avanzada edad y todavía activo en películas exigentes físicamente (Firewall), Ford, conocido por utilizar siempre dobles en todas las escenas de acción, ha declarado: “estoy encantado de volver al negocio con mis viejos amigos” y añade, “no sé si los pantalones aún me irán bien, pero seguro que el sombrero sí”.

Entre los rumores que circulan sobre el nuevo proyecto, se comenta que, al parecer, se ha previsto que el padre de Indi, interpretado en la tercera película de la saga por Sean Connery, vuelva a aparecer en la cuarta. El deseo de Lucas y Ford es que el actor escocés vuelva a encarnar a Henry Jones. Lo único claro es que hasta que la nueva entrega de la saga no vea la luz en 2008, va a concentrar toda la atención que rodea a la meca del cine. Las preguntas ya sobrevuelan el proyecto: ¿Es acertada la decisión de revivir al mito o hubiese valido más la pena conservar su reluciente recuerdo intacto? ¿Conseguirán el triunvirato Lucas-Spielberg-Ford reproducir el encanto de la trilogía original? ¿Corre el peligro el nuevo film de convertirse en un festival impersonal de efectos especiales en la línea de la nueva trilogía de Star Wars? Y a todo esto, en plan nostálgico: ¿Cuál es vuestra película favorita de las tres originales: el arca perdida, el templo maldito o la última cruzada?

¿Cuál es la noticia en realidad? ¿Qué ya se ha anunciado la fecha de estreno del nuevo Terminator o que estamos ante una de las campañas de marketing más elaboradas (y desquiciantes) de los últimos tiempos? Sí, vale, ahora sabemos que la película se estrenará el 22 de mayo de 2009, ¡pero quedan tantas incógnitas por resolver! La verdad es que los responsables de publicitar la cuarta entrega de la saga apocalíptica han llevado hasta el extremo una técnica promocional que podríamos denominar “del cuentagotas”. Poquito a poco, anuncio a anuncio, hemos ido conociendo detalles de la película y, finalmente, hemos sido víctimas del plan. Han jugado con nuestro fanatismo y han doblegado nuestra voluntad: ¡ahora estamos desesperados por saber más! ¡Y queremos ver la película ya!

Primero fue el anuncio de que Christian Bale encarnaría a un adulto John Connor, luego los primeros rumores que apuntaban a Vin Diesel como el nuevo Terminator. Después, se dio a conocer el título de la película: Terminator Salvation: The Future Begins. Siguieron adelante desvelando el nombre del director, un tipo con nombre de super-héroe: McG (directro de la versión fílmica de Los ángeles de Charlie). Y remataron el asunto hace menos de una semana con nuevos rumores sobre la cara del próximo Terminator: ¿Josh Brolin, Russel Crowe o Eric Bana?. Para que la cosa no decaiga, acabamos de conocer la fecha de estreno de la película en Estados Unidos (22 de Mayo de 2009) y algún que otro pequeño detalle relacionado con la producción del filme. Por ejemplo, que el rodaje de la película empezará en México el 5 de Mayo de este año y que durará aproximadamente dos meses.

Lo curioso es que a pesar del arsenal de informaciones que hemos ido recibiendo sobre la película, siguen existiendo un montón de enigmas a su alrededor. ¡Esto es peor que un capítulo de Perdidos! Bueno, al menos tenemos el alivio de conocer la fecha en la que se terminarán todos los rumores, elucubraciones e informaciones falsas respecto al proyecto. Aunque por el camino habremos sido víctimas de algo mucho más temible que la máquina Skynet (la que en la saga pretende acabar con la raza humana) y que el mismo Terminator: me refiero a los departamentos de marketing de los grandes estudios de Hollywood.

A continuación, presentamos un análisis de los ganadores de la noche de los Oscar, seguido de la lista completa de todos los vencedores de la velada.

La noche de Javier Bardem (y los hermanos Coen)

El hecho de que fuera algo casi cantado no deslució ni quitó emotividad al gran momento de la noche de los premios de la Academia de Hollywood de 2008: la consecución por parte de Javier Bardem del primer Oscar que gana un actor de nacionalidad española. Arrollador, como un vendaval en plena explosión, Bardem subió al escenario para recoger su Oscar al mejor actor secundario por su interpretación en No es país para viejos y, al mismo tiempo que hacía historia, rompió con el protocolo de la gala para dedicar en castellano el premio a su madre (Pilar Bardem, presente en la ceremonia) a toda la estirpe de intérpretes que han dignificado el cine español, y finalmente, a toda España. La intensidad del mensaje de agradecimiento de Bardem fue la cota emocional más alta de una gala bastante deslucida, aburrida y poco espectacular para los estándares de la meca del cine, a pesar de la lucidez e ingenio de un correcto Jon Stewart. Y así, la euforia por la colosal victoria de nuestro actor más internacional sirvió de bálsamo para encarar la derrota de nuestro segundo representante en la gala, Alberto Iglesias, que vio como su candidatura a la mejor banda sonora por Cometas en el cielo era superada por la de Dario Marianelli por Expiación: más allá de la pasión.

A la par con la victoria de Javier Bardem, los otros grandes protagonistas de la noche fueron justamente los directores que le han llevado a la gloria: Joel y Ethan Coen, cuya adaptación de la novela homónima de Cormac McCarthy, No es país para viejos, les ha otorgado el reconocimiento definitivo de la Academia de Hollywood, que los ha compensado de forma triple, como guionistas, directores y productores. Seis estatuillas para los dos hermanos. Una noche que no olvidarán jamás. De este modo, con los premios a la mejor película, director y guión adaptado, junto al conseguido por Javier Bardem, No es país para viejos se alzó como la vencedora de la noche, en una ceremonia que repartió suerte entre casi todos los participantes.

Ninguna de las cinco películas nominadas al mejor filme se fue de vacío. There Will Be Blood (Pozos de ambición) se alzó con las estatuillas al mejor actor, para Daniel Day-Lewis, y a la mejor fotografía, algo que puede saber a poco teniendo en cuenta las ocho candidaturas a las que aspiraba la cinta, sobretodo si se atiende a que Paul Thomas Anderson, su director, no consiguió ninguna de las tres distinciones a las que aspiraba. Expiación: más allá de la pasión, se llevó como única recompensa el premio a su banda sonora. La comedia Juno se llevo el premio al mejor guión original (para Diablo Cody) y Michael Clayton se hizo por sorpresa con el premio a la mejor actriz secundaria, que fue a parar a las manos de Tilda Swinton.

La otra sorpresa relativa de la noche fue la entrega del premio a la mejor actriz a Marion Cotillard por su papel de Edith Piaf en La Vie en Rose, un premio que ejemplifica una de las tónicas de la premiación: los premios a artistas europeos de todas las disciplinas. En el bando de los perdedores, cabe destacar la doble derrota de Cate Blanchett que aspiraba a los premios de mejor actriz principal (por Elizabeth: la edad de oro) y secundaria (por I’m Not There) y que se fue de vacío de la gala.

Otras películas que recibieron sendos reconocimientos en la repartida premiación fueron El ultimátum de Bourne que se alzó con tres premios técnicos (mejor montaje, sonido y edición de sonido), Ratatouille (mejor película de animación), La brújula dorada (efectos especiales), Elizabeth: la edad de oro (mejor vestuario), Sweeney Todd (mejor dirección artística) o Once (mejor canción).

Y así, la ceremonia, marcada por el más bien cansino recuerdo a los antiguos ganadores del Oscar, repartió fortuna entre varios títulos, aunque su sentencia fue clara, al condecorar a No es país para viejos como la gran vencedora, e histórica, en lo referente a la trascendente victoria de Bardem, que desde hoy, es ya uno más en la exclusiva, romántica y eterna galaxia de la meca del cine. Desde hoy, Javier Bardem ya no es sólo Javier Bardem, sino que cuando se lo mencione en Hollywood, siempre será “el ganador del Oscar, Javier Bardem”.     

Lista completa de ganadores de la edición 80 de los Oscar de Hollywood:

Mejor película

No es país para viejos (Scott Rudin, Ethan Coen, Joel Coen)

Mejor director

Joel Coen, Ethan Coen - No es país para viejos

Mejor actor

Daniel Day-Lewis - There Will Be Blood (Pozos de ambición)

Mejor actriz

Marion Cotillard - La Vie en Rose

Mejor actor secundario

Javier Bardem - No es país para viejos

Mejor actriz secundaria

Tilda Swinton - Michael Clayton

Mejor guión original

Juno - Diablo Cody

Mejor guión adaptado

No es país para viejos (Joel Coen & Ethan Coen) 

Mejor canción original

"Falling Slowly" - Once - Glen Hansard and Marketa Irglova

Mejor banda sonora

Expiación: más allá de la pasión (Dario Marianelli)

Mejor montaje

El ultimátum de Bourne (Christopher Rouse)

Mejor fotografía

There Will Be Blood (Pozos de ambición) – (Robert Elswit)

Mejor dirección artística

Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo)

Mejor diseño de vestuario

Elizabeth: La edad de oro (Alexandra Byrne)

Mejor maquillaje

La Vie en Rose (Didier Lavergne, Jan Archibald)

Mejor mezcla de sonido

El ultimátum de Bourne (Scott Millan, David Parker, Kirk Francis)

Mejor edición de sonido

El ultimátum de Bourne (Karen Baker Landers, Per Hallberg)

Mejores efectos especiales

La brújula dorada (Michael Fink, Bill Westenhofer, Ben Morris, Trevor Word)

Mejor película de animación

Ratatouille - Brad Bird

Mejor película extranjera

The Counterfeiters (Austria)

Mejor documental

Taxi to the Dark Side - Alex Gibney, Eva Orner

Mejor corto documental

Freeheld - Cynthia Wade, Vanessa Roth

Mejor corto animado

Peter & The Wolf - Suzie Templeton, Hugh Welchman

Mejor corto

Le Mozart des Pickpockets - Philippe Pollet-Villard

La mayoría de las películas que uno ve actualmente, algunas de ellas muy buenas, permanecen en la periferia de nuestro sistema sensorial y emocional. No es país para viejos, en cambio, lo vulnera, lo franquea, se nos aloja en la boca del estómago. Cómo lo hace y qué sensación provoca con ello son preguntas que desafían respuestas al uso. Sobre el papel, se trata de una meditación acerca de la violencia en América y de la naturaleza del mal, pero es mucho más que eso. Verla es como toparse de frente con alguna verdad elemental que todos conocemos pero que nos negamos a afrontar. La película nos agarra con fuerza de la cabeza y nos obliga a mirar. Y nos obliga a sentirnos inquietos, desconcertados, aterrorizados. No trata de ser entretenida sin más, sino que, no te quepa duda, lo que ves en No es país para viejos va a permanecer en tu retina durante días, no como se te quedan grabados un rostro bello o un momento festivo, sino más bien como las secuelas de una enfermedad, solo que aquí, en lugar de de fiebres y mareos, hablamos de tantas buenas líneas de guión y buenas interpretaciones y tanta maravillosa puesta en escena que se conjugan para contar la historia de un maletín lleno de dinero.

Que esté ambientada en 1980 es perfecto, porque esa época en Estados Unidos estaba asolada por un aura de pesimismo, por las miserias de una cultura en declive, en la que todo, incluso el dinero, perdía rápidamente valor y el crimen era una plaga. Es como si las cosas nunca pudieran arreglarse y, en cambio, solo pudieran ir a peor, y si existe forma alguna de personificar la palabra peor, ésa es el psicópata asesino que aquí interpreta Javier Bardem. La primera señal de que No es país para viejos es una película extraordinaria se nos revela en sus primeros minutos, cuando ese psicópata, Anton Chirgurd, estrangula a alguien con un par de esposas. Hay que fijarse en la cara de Bardem. Parece sentirse transportado, estimulado y satisfecho, pero no de una forma sexual --eso habría sido un cliché-- sino de otra forma extraña, casi alienígena para cualquier otro de los mortales, como si se acercara la mano a una de las paredes del infierno. Solo parece sentirse vivo en esos momentos, y eso lo convierte en alguien con quien no se puede hablar. De hecho, no es exactamente humano en el sentido habitual del término.

Si una de las imágenes más extendidas de la última noche de los Goya fue la de Maribel Verdú posando sonriente al lado de su muy merecido y esperado galardón, una de las imágenes ocultas fue la de la derrota de otra actriz de gran talento, Belén Rueda, que ha maravillado a millones de espectadores con su papel de madre entregada en El orfanato. Pues bien, la suerte ha decidido ofrecerle a Belén una segunda oportunidad, en cuanto a estatuillas se refiere. Y además, esta vez se trata de un premio internacional, una primera división en la que la actriz se enfrentará a algunas de las estrellas más fulgurantes del panorama mundial. Los premios en cuestión son los Saturn Awards, reconocimientos que entrega la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror desde 1972 y cuya gala se celebra el próximo 24 de Junio en Universal City, California. Nuestra Belén aparece nominada como mejor interpretación femenina, reconocimiento que comparte con, ojo a la alineación: Helena Bonham Carter por Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet, Naomi Watts por Promesas del Este, Carice van Houten por El libro negro, Ashley Judd por Bug y Amy Adams por Encantada. La historia de Giselle. ¿Merece Belén alzarse con la estatuilla? ¿La veis al nivel de sus contrincantes?

Ahí estará nuestra Belén, que además estará bien acompañada por otros de nuestros compatriotas más célebres. Junto a ella, estará su último director, J.A.Bayona, que defenderá la candidatura de El orfanato como mejor película extranjera, espléndidamente alineada junto a filmes de la talla de Promesas del Este, La huella y Los fantasmas de Goya, la rusa Guardianes del día y la holandesa El libro negro. A ver quién le iba a decir hace un año al joven Bayona que se encontraría en un duelo cara a cara con maestros como David Cronnenberg, Paul Verhoeven o Keneth Brannagh. ¿Veis a El orfanato con auténticas posibilidades de imponerse a unos adversarios de tanto nivel y renombre?

Y bueno, lo que ya no es ninguna noticia es la enésima nominación que recibe Javier Bardem. Lo curioso quizás es que la película No es país para viejos haya sido considerada como un filme de “ciencia ficción, fantasía o terror”. En cualquier caso, el terror de la película responde principalmente al siniestro e impávido rostro de nuestro Javier al que más que adorarle, van a empezar a tenerle manía, ya que el chico se está llevando todos los premios de la temporada, teniendo este domingo la oportunidad de alzarse con el galardón más preciado de todos, el ansiado Oscar de Hollywood. En esta ocasión, Bardem se enfrentará por el premio al mejor actor secundario con James Franco por Spiderman 3, Ben Foster, nominado por 3:10 to Yuma, Justin Long por La Jungla 4.0, Alan Rickman por Sweeney Todd y David Wenham por 300. Justamente está última, película que ha llevado la épica fílmica a un nuevo grado de espectacularidad es la gran favorita de los Saturn Awards. 300 cuenta con 10 nominaciones y le siguen con 9 candidaturas Harry Potter y la Orden del Fénix y con 8, Sweeney Todd de Tim Burton.

Está claro que la industria del cine español y nuestras estrellas juegan un papel cada vez más protagonista en el escenario internacional. Los Saturn Awards, premios que miden la vitalidad del género fantástico en el mundo, son la demostración de que los talentos nacionales apuntan cada vez más alto (no hubiese sido ninguna sorpresa que películas como Rec o Nocturna se hubieran alzado también con alguna nominación).

Parece que ahora todo el mundo se ha puesto de acuerdo en llevar a la acción real grandes hitos de la animación japonesa. Primero se anunció que los hermanos Wachowsky, los cerebros detrás de Matrix, llevarían a la gran pantalla las aventuras de Meteoro y compañía en la versión fílmica de Speed Racer. Luego se supo que se estaba preparando la versión en “carne y hueso” de las aventuras de Dragon Ball (Bola de dragón). Y ahora, para rematar el revival del mejor anime, acabamos de saber que Leonardo DiCaprio y Warner Bros han decidido poner en marcha un proyecto largamente esperado: la versión en acción real de la película de culto de 1988, Akira, el filme que aniquiló definitivamente la distancia entre oriente y occidente en lo que animación se refiere. Akira fue la primera película de Anime japonés que consiguió un gran éxito internacional y expandió a todo el mundo los temas recurrentes de la mejor animación japonesa: la distopía, el futuro dominado por la tecnología y el declive moral de la humanidad.

En realidad, antes de la película de 1988, dirigida por el maestro Katsuhiro Otomo, Akira fue un manga (un cómic) de seis volúmenes en los que se relataba la épica lucha de personajes míticos como el valeroso Kaneda, el poderoso Tetsuo y la heroica Kai por contener la fuerza nuclear desplegada por un peligroso experimento gubernamental. Pues bien, a diferencia de a película animada, y según anuncias fuentes como Variety y Hollywood Reporter, la película de acción real que se está preparando constará de dos partes, cada una de ellas dedicada a tres volúmenes del manga original. Este planteamiento abre las puertas a una adaptación aún más fiel del cómic, lo que podría añadir todavía más espectacularidad y contenido al proyecto.   

Los fans del manga pueden empezar a descontar días del calendario. Según ha anunciado el estudio Warner, está previsto estrenar la primera de las dos partes de la saga en 2009. Por otra parte, de lo poco que se sabe de la nueva adaptación del cómic es que la acción pasará de estar ambientada en “Nuevo Tokio” a situarse en una ciudad futurista conocida como “Nuevo Manhattan”, una ciudad reconstruida con dinero japonés. En cuanto a los nombres involucrados en el proyecto, se sabe que la película será dirigida por Ruairi Robinson, que fue nominado en 2001 al Oscar al mejor corto de animación por Fifty Percent Gray, el guión será escrito por Gary Whitta y la producción correrá a cargo de Leonardo DiCaprio a traves de su productora Appian Way y por el estudio Warner.

Akira fue un referente icónico de la década de los noventa, ¿veis opciones de que la fiebre Akira vuelva a despertar el interés del público en el presente?  

Si uno piensa en la saga Bond, los ingredientes que le vienen a la cabeza son, sin lugar a dudas, la acción, la belleza (de las chicas Bond), la sofisticación, la elegancia, el glamour, y el aroma de las grandes estrellas. Hasta el momento, la nueva entrega de la serie, Quantum of Solance, parecía reunir todos esos elementos, sin embargo, en el reverso oscuro de la película (el bando de los villanos), estaba claro que hacía falta una figura estelar que rematara la fórmula. Mathieu Amalric, que fue presentado como el principal “malo” de la película es un gran actor (para algunos el mejor europeo del momento), pero no se puede afirmar que sea una figura consagrada. En este contexto, la llegada de una super-estrella como Al Pacino al reparto de la película, para interpretar a uno de los villanos del filme, se antoja como una gran noticia, que revitalizará, aún más si cabe, la atención que ha generado el nuevo Bond, la segunda entrega con Daniel Craig asumiendo la encarnación del agente secreto más popular de la historia del cine.

Pues sí, según ha anunciado el periódico Daily Mirror, Al Pacino acompañará a Craig, Amalric, Giancarlo Gianinni y a las “chicas guapas” Gemma Arterton y Olga Kurilenko, en el reparto de Quantum of Solance. En la cinta, Pacino interpretará al cabecilla de una banda que se enfrenta a Bond. El periódico ha anunciado que el papel de Pacino será más bien secundario, algo así como una aparición especial, aunque el alcance final del personaje está aún por confirmar. En cualquier caso la noticia viene a reforzar la atención despertada por la película y hace olvidar momentáneamente los problemas que ha sufrido el rodaje del filme en su paso por Panamá. Según se hicieron eco varios medios internacionales, el inicio de la filmación de la película en el país panameño, luego de unas semanas de rodaje en Londres (en el plató que lleva el nombre del personaje), se vio sacudido por la irrupción en la zona en la que estaba previsto rodar de un grupo de manifestantes representantes del Sindicato Único de la Construcción de Panamá que protestaban por la muerte de un líder sindical en ciudad Colón, a 80 kilómetros al norte de la capital panameña a manos de la policía. La manifestación generó algunos disturbios que obligaron a postergar el rodaje planificado para ese día. De todos modos, ya se ha confirmado que el rodaje de la película continuará como estaba previsto. 

¡Últimas noticias des del universo de Paris Hilton! La pija más famosa, glamourosa e infame del momento, que se las pintaba muy felices gracias al reciente lanzamiento de su última película como actriz (la primera en la que interpreta el papel principal), se acaba de topar con un severo varapalo. Y no han sido los críticos sesudos los que le han dado la espalda al último engendro de la heredera más desastrosa de la historia reciente, sino que ha sido el público, la gente de la calle, que ha decidido valorar The Hottie and the Nottie (así se llama la película) como la peor de toda la historia del cine. Dicha sentencia ha sido emitida por una de las fuentes de información cinematográfica más fieles del planeta, la página web de IMDB, donde millones de usuarios, amantes del cine, puntúan día a día todos los filmes de la historia, desde los últimos estrenos a los clásicos. Y lo dicho, entre todo este espectro fílmico, los internautas, que han demostrado con este gesto sensatez y buen juicio, han decidido castigar la mediocridad que Hilton va esparciendo por el mundo a través de sus horribles películas. Parece que la gente ha hablado: ¡basta de las tomaduras de pelo de Paris! ¿Estáis de acuerdo con este lema? ¿No estamos ya cansados de tanta estupidez?

Para poneros un poco alerta de lo que os podréis encontrar si finalmente The Hottie and the Nottie se estrena en nuestro país, aquí os adelantamos parte del argumento de la cinta: la cosa (llamarlo película puede ser excesivo) trata sobre un mamarracho llamado Nate (interpretado por Joel Moore) que se traslada a Los Angeles persiguiendo a Christabel (la Hilton), que es la mujer de la que ha estado enamorado desde la infancia. El mayor problema con el que se encuentra Nate es que para llegar hasta Christabel, tendrá que soportar la presencia permanente de la mejor amiga de la “guapita tonta”: June (Christine Lakin). La osa se complica realmente cuando Nate empieza a descubrir en June una belleza auténtica y profunda, lejos de la superficialidad de Chis/Paris (en este sentido, al menos la película parece que se ajusta bastante a la realidad). Ya veis, la típica historia de La bella y la bestia, pero llevada al presente y transmutada en comedia para adolescentes.

- En toda la historia, sólo dos personas han rechazado un premio de la academia. Ambos actores. George C. Scott se negó a aceptarlo en 1970 porqué, según declaró, detestaba a su personaje en Patton, película por la que se le premiaba. El otro caso lo protagonizó Marlon Brando, que no sólo rechazó su premio de 1972 por la película El padrino, sino que como gesto de protesta envió a la ceremonia a una mujer india para que diera un discurso sobre el mal trato que recibía la comunidad de indios nativos por parte de Hollywood y el gobierno. Luego se supo que la india no era tal, sino una actriz interpretando el papel... nada raro tratándose de Hollywood.

- En 2001, para no alargar la gala, la Academia anunció que premiaría al discurso más corto con un equipo de TV. Pero a Julia Roberts no le tentó la idea y cuando subió al escenario dijo: "Qué demonios, yo ya tengo tele, y como no sé si voy a volver a estar aquí arriba en toda mi vida, me voy a tomar el tiempo que necesite para agradecer el premio a quien quiera". El equipo se lo llevó Michael Dudok de Wit, que habló durante 18 segundos cuando recogió el Oscar al corto de animación.

- En 1993, Tom Hanks dedicó por sorpresa su premio a su profesor de teatro del instituto, que había sido una gran inpiración para su papel en Philadelphia, ya que era gay. La anécdota se convirtió luego en la base de la comedia In & Out, protagonizada por Kevin Kline.

- La actriz Greer Garson tiene el récord del discurso de agradecimiento más largo de la historia de las ceremonias. Al recoger su premio por su trabajo en La señora Miniver, en 1942, Garson se lo tomó con calma y se pasó la friolera de siete minutos agradeciendo su premio. No es de extrañar que luego la academia lo haya probado todo para intentar acortar los discursos de los vencedores, desde la banda interrumpiendo los discursos hasta el micrófono-elevador que desaparece a los pies del impávido vencedor.  

- En 1968 se produjo el único empate en la votación para otorgar el premio a la mejor actriz, lo que resultó en la entrega del premio compartido para Katharine Hepburn por El león en invierno y Barbara Streisand por Funny Girl. El único otro empate en el apartado actoral se produjo en 1931 entre Frederick March por Dr. Jeckyll y Mr. Hyde y Wallace Beery por El campeón.

- En 1973, Robert Opal interrumpió la ceremonia cruzando desnudo el escenario de la gala. El presentador David Niven, atónito, supo salir del paso improvisando: “Piensen, las únicas risas que va a provocar este hombre en su vida serán por desnudarse y mostrar sus carencias”. 

- En 1956, durante el periodo de la caza de brujas del senador McCarthy, cualquier nominado miembro del partido comunista o que se negara adeclarar ante el Comité de Actividades Anti-norteamericanas era declarado no-elegible para el Oscar. La regla permaneció vigente durante dos años.

No, no te asustes, no estás viajando a través del tiempo. Es 2008, y un Sylvester Stallone, pese a que ya debería apuntarse en la lista de espera de los viajes del Inserso, que es bien larga, protagoniza una nueva película sobre Rambo. Aunque, eso sí, hay que reconocer que su pelo, negro y brillante es el propio de un chaval de 25 años. Que naveguen por él más sustancias químicas que por los canales de Venecia no tiene importancia. Después de todo, no hay más que fijarse en su cara y en ese cuerpo lleno de bultos para comprender que a este pollo no le va eso de dejar que la naturaleza siga su curso.

¿De verdad a alguien le importan todavía Rocky o Rambo? Es decir, a todos nos gusta creer que tendremos nuestra oportunidad en la vida de ser realmente grandes, y por eso es normal que el mundo vitoreara cuando Balboa, un saco de arena con ojos de perro pulgoso, dio un par de tortazos certeros y se convirtió en campeón del mundo de los pesos pesados del cine mundial allá en 1976. Los subsiguientes taquillazos de Stallone, sin embargo, sólo sirvieron para exponer al tirano que acecha en el interior de tantos héroes populares y populistas. No fue suficiente que el púgil retuviera el título a lo largo de 30 años y cinco películas más, a cual más improbable. Stallone también se metió en la piel de John Rambo y se zambulló en una espiral de matanzas: Acorralado (1982), Rambo: Acorralado II (1985) y Rambo III (1988) ¿al menos en España, Rambo II nunca existió--. Éstas fueron películas que dieron a las fantasías de venganza criminal un pedigrí. Después de todo, ¿no es cierto que, hace unos años, existió un asesino en serie en Alabama que se hacía llamar Rambo? No, pero habría colado.

Lo más terrible es que, a medida que la saga fue progresando, empezó a querernos convencer de que la violencia es un afrodisíaco. Ahora, en el episodio final, se nos invita a gozar contemplando cómo Rambo mata a un ejército de soldados asiáticos despreciables, sólo para verlos mientras se mueren.

Hace ya 20 años que Rambo estuvo por última vez en el meollo de la acción, así que Stallone se toma las cosas con calma al principio. El traumatizado veterano de Vietnam, ahora un barquero solitario que remonta los perezosos ríos de Tailandia, mete cobras en un saco, luego pesca con arco y flechas en aguas aletargadas y por la noche cena pescado. Pero cuando los malvados birmanos están a punto de violar a la bollycao rubia que él mismo transportó hasta un peligroso poblado y de decapitar a sus compañeros misioneros, entonces, rápido como un estornudo, los látigos de Rambo agarra un fusil automático y parte a los malos por la mitad a balazos.
Nunca antes, ni siquiera justo después de la derrota americana en Pearl Harbor, había el cine de Hollywood ofrecido un retrato más racista de los asiáticos. ¿Con qué fin? Para justificar una interminable masacre final que hace a los espectadores sentirse como si estuvieran justo delante de un aspersor de jardín que en lugar en escupir agua escupe sangre. Es realmente triste comprobar que Stallone está tan desesperado por recuperar el éxito que le ha sido esquivo durante dos décadas que no se da cuenta de lo patético que resulta.

¿Quién iba a decir que una película que trata el tema de una embarazada iba a hacer resurgir la moda de aquellos teléfonos de los 80? Pues sí, la película es 'Juno', con cuatro nominaciones a los Oscar, y la propietaria del teléfono, en la película por supuesto, Ellen Page.

Y es que, según datos conseguidos a partir de la página Ebay, la demanda de este tipo de teléfonos que como ya decimos causó furor en los 80, ha crecido nada más y nada menos que más de un 700%. Lo que resulta aún más increíble es que la gente que pone en venta estos teléfonos ha debido quitarle las telarañas y el polvo, y sacarlo del baúl de los recuerdos donde ha permanecido durante años, para fotografiarlo y colgarlo en Ebay.

Pero no todos ellos se encuentran en Ebay, la tienda Cellphone Focus de Hong Kong está haciendo 'su agosto'. Son de los pocos lugares donde todavía tenían el teléfono-hamburguesa en catálogo, y la fiebre que ha despertado lo ha convertido en el producto más demandado. Ello sin duda, promete, y como tal, no es extraño que el teléfono hamburguesa se vea pronto en las 'tiendas de chinos'.

¡Atención navegantes! He aquí hecho realidad el sueño de todos aquellos que crecimos consumiendo de forma adictiva ese elogio a la delantera voluminosa conocido como Los vigilantes de la playa. ¿Y cual es esa fantasía? Pues nada más y nada menos que la unión en una misma película de las dos musas más contundentes y sensuales salidas de la cantera del programa (sólo faltaría para redondear la jugada un cameo de Erika Eleniak, no perdamos la fe): Pamela Anderson y Carmen Electra. Sí señores, ya tenemos en fase de preparación la película que significará la unión definitiva de los dos monumentos más preciados de la cultura de la curva siliconada. El título del filme en cuestión será Havana Heat y comenzará a rodarse en mayo en zonas históricas del balneario de Cartagena, en el norte de Colombia, según ha anunciado el productor colombiano de la cinta.

Para terminar de fraguar de forma exitosa la fogosa fórmula, se ha encargado la dirección del filme a Dean Hamilton que dirigió algunos de los míticos episodios de Los vigilantes de la playa. Una decisión, tomada por el productor James Ordóñez, que se antoja muy acertada, ya que Hamilton conoce a la perfección las mejores perspectivas desde la cuales moldear la sinuosas y explosivas curvas de dos de las damas más morbosas del panorama audiovisual de las últimas décadas. ¿Será la oportunidad final para que Pamela y Carmen se resarzan de sus pobres carreras fílmicas? ¿Estamos ante el homenaje final para su público de dos sex symbols que empiezan a ver cómo sus trayectorias van tocando a su fin? ¿Os siguen poniendo la Anderson y la Electra? ¿No os parece que se les ha pasado el arroz?

En cualquier caso, las señoras están decididas a poner en marcha Havana Heat, que, según declaró Ordóñez, será “una producción de bajo coste, que se rodará durante unas cuatro semanas”. ¿Es necesario más tiempo para construir un vehículo para el lucimiento pectoral del neumático dúo? Finalmente, el toque culto de la noticia lo pone la productora de Ordóñez, que en el pasado se encargó de producir la reciente, y poco exitosa, adaptación cinematográfica de El amor en los tiempos del cólera, novela homónima de Gabriel García Márquez. Nada que ver con títulos como Barb Wire, Starsky y Hutch o las entregas 1, 3 y 4 de Scary Movie, películas en ucen en el historial fílmico de las señoritas Anderson y Electra.

Volvemos con las listas, esta vez con una dedicada a los amantes del cine de alto voltaje emocional. Todos hemos grabado alguna vez una cinta de música con aquellas canciones con las que pretendes seducir a una chica o un chico. Una cinta que solíamos titular con el brillante apelativo de: “lentas”. Pues bien, el asunto viene a cuento porque os presentamos un ranking con las películas más románticas de la historia del cine, el equivalente fílmico de aquellas canciones “lentas” que servían para arrimarnos a nuestro objeto de deseo. Entrando en materia, cabe advertir que el responsable de dicho atracón de sensiblería es el American Film Institute (AFI), una prestigiosa organización muy aficionada a esto de hacer listitas, y cuyo prestigio se basa en que supuestamente sus rankings reflejan los gustos y pareceres de la crítica (y otros miembros de la industria del cine) más sabia de Norteamérica. Pues bien,  los de la AFI han publicado su lista de las 100 películas de amor más importantes del cine, y la encabeza, cómo no, Casablanca, icono absoluto del romanticismo más sublime, retrato de, como no podía ser de otra manera, un amor imposible, el que se desata entre Rick (Humphrey Bogart) e Ilsa (Ingrid Bergman) en la ciudad de Marruecos que da título al filme. Frases como “Tócala otra vez Sam” o “Siempre nos quedará París” forman ya parte de la lengua popular.

Lo otro destacable al repasar la lista es que, como suele ser habitual en este tipo de repasos históricos, la mayoría de títulos apuntan hacia un pasado lejano, algo fácilmente comprobable si tenemos en cuenta el TOP 10 que revela el ranking, con títulos míticos como el dramón histórico Lo que el viento se llevó, el musical callejero West Side Story, la melosa Vacaciones en Roma, o la intensa y vibrante Tú y yo. También se encuentran títulos algo más modernos como Tal como éramos o Love Story, pero no cabe duda de que arrasan los clásicos como Doctor Zhivago, ¡Qué bello es vivir!, Love Story o Luces de la Ciudad de Chaplin.

Entre las siguientes noventa películas, elegidas por 1.800 directores, actores, productores y críticos de Hollywood, hay títulos para todos los gustos, desde obras abiertamente comerciales como Titanic o Shakespeare in Love a clásicos absolutos de Hollywood como Vértigo, De aquí a la eternidad o Cantando bajo la lluvia. La verdad es que, visto lo visto, no se puede negar que la ñoñería ha sido una buena fuente de inspiración para el genio de los profesionales de la meca del cine. Otros títulos destacables son Memorias de África, Cuando Harry encontró a Sally, Sonrisas y lágrimas (¿la película más sensiblona de la historia?), la en su momento escandalosa El último tango en Paris o La Princesa Prometida, la fábula preferida de todos aquello que crecieron en los 80.

Y bueno, como eso de la nostalgia nos agrada pero tampoco nos pierde, queremos echar un vistazo al pasado reciente y rebuscar títulos frescos que le hayan dado nueva vida al género romántico en los últimos años. Así encontramos la película que ha marcado más intensamente el musical contemporáneo, la hiper-romántica Moulin Rouge, la última gran apuesta rosa del cine histórico, Orgullo y prejuicio, o una de las últimas entregas del choque entre el cine de historias cruzadas y el romántico, Love Actually. Seguimos con un cóctel de Julia Roberts, la Pretty Woman que antes de desaparecer de la órbita del éxito regaló películas como Notting Hill o La boda de mi mejor amigo. Para los amantes de la comedia romántica: dos títulos fundamentales al servicio de dos cómicos geniales: Atrapado en el tiempo con el gran Bill Murray y 50 primeras citas del Adam-niño-grande-Sandler. También se sitúa en una cota alta del ranking romántico contemporáneo la dupla romántica de Ethan Hawke y Julie Delpy en Antes del amanecer y Antes del atardecer, así como el doloroso amor imposible entre Clint Eastwood y Meryl Streep en Los puentes de Madison. Para los amantes de lo no convencional, tenemos historias de amor extrañas, como la de Jack Nicholson y Helen Hunt en Mejor...imposible, o ese monumento a la fragilidad y la vulnerabilidad titulado Eduardo Manostijeras. Y para demostrar, finalmente, que el romanticismo no tiene fronteras, destacamos una de las grandes películas románticas de los últimos tiempo, venida de Hong Kong y titulada Deseando amar (In the Mood fro Love).

Para acabar, nos gustaría conocer un poco vuestro parecer sobre el cine romántico. Saber cuales son vuestras favoritas. ¿Os parece bien que Casablanca sea la primera de la lista? ¿Creéis que alguna otra película merecería haber entrado en el TOP10? ¿Hay alguna película reciente que os haya marcado profundamente? ¿Cuál es la película ideal para pillar del videoclub a la hora de intentar crear el ambiente idóneo de seducción? La palabra es vuestra.