El arte del remake vive una era dorada en el marco de la industria de Hollywood. Los ejecutivos de la meca del cine parecen más dispuestos a reciclar que a inventar y las relecturas de viejas películas proliferan como churros en nuestras carteleras. Así, el panorama fílmico cabe reconocer que se ha empobrecido un tanto últimamente. Sin embargo, hay ocasiones en los que los remakes nos presentan ideas curiosas, extrañas, muy frikis, que convierten el arte de la repetición en algo más, un juego de variaciones, espejismos, simetrías y deformaciones que puede llegar a ser muy sugerente. ¿A qué me refiero con todo esto? Pues por ejemplo al Psicosis que en 1998 dirigió Gus Van Sant en el que se recreaba ¡plano a plano! La mítica película de Alfred Hitchcock de 1960. ¿El colmo de la holgazanería? ¿Un ejercicio sobre la imposibilidad de la copia perfecta? Fuese lo que fuese, valía la pena perder un tiempo observando las imágenes actualizadas y coloreadas de aquella vieja experiencia de terror. Quizás sin llegar hasta esos niveles de manierismo, llega a nuestras pantallas otro invento curioso: el remake que el director austriaco Michael Haneke ha realizado en Estados Unidos de la película que él mismo rodó en su país hace diez años. ¿Cómo lucirá esta tétrica investigación sobre la irrupción del terror en el marco de la intimidad con actores de Hollywood? ¿Por qué habrá aceptado un director del caché de Michael Haneke repetirse a sí mismo de esta manera? ¿Aportará algo nuevo este remake a los que ya sufrimos de lo lindo con la película de 1997? En el peor de los casos, podremos al menos disfrutar de las interpretaciones de dos actores notables del Hollywood actual: Naomi Watts y Michael Pitt. Para poneros en disposición de disfrutar este sorprendente remake, os acercamos a algunos de los remakes más frikis de la historia.

Remitiéndonos al pasado reciente, podríamos llegar a concluir que esta moda de directores que se repiten a sí mismos es una tendencia reciente. Está el caso ya comentado de Haneke y también el del japonés Takashi Shimizu que en 2004 fue fichado por Hollywood para realizar el remake yanki, protagonizado por Sarah Michelle Gellar, de su película Ju-on (2000). El nuevo filme se tituló El grito y cabe admitir que no aportó nada a lo visto en la versión original. Sin embargo, a pesar de estos ejemplos recientes, el caso de un director que realiza un remake de una película suya anterior es una vieja costumbre de Hollywood, empezando por uno de sus directores más emblemáticos: Alfred Hitchcock. Lo más habitual cuando pensamos en El hombre que sabía demasiado, es que recordemos la versión en color de 1956 con James Stewart y Doris Day marcándose un cantecito con el mítico “Qué será, será…”. Sin embargo, pocos recuerdan que el maestro del suspense rodó en 1934, en su Gran Bretaña natal, una primera versión con el maquiavélico rostro de Peter Lorre como sello distintivo. Luego, también encontramos a otros maestros del viejo Hollywood que realizaron la misma operación. Ahí está El dorado de Howard Hawks, en la que se repetía la estructura de la seminal Rio Bravo, en la que un sheriff (siempre John Wayne) y sus acompañantes, (Dean Martin y Ricky Nelson en la primera; Robert Mitchum y James Caan en la segunda) debían resistir sitiados los envites de una panda de bandidos. Curiosamente, estos westerns tuvieron una revisión modernizada y urbanizada por parte de John Carpenter en Asalto en la comisaría del distrito 13 (1976). Por último, cabe citar también el caso de Cecil B. Demille que realizó dos versiones, en 1923 y 1956, de Los diez mandamientos.

Aunque, seguramente, los remakes más curiosos son aquellos que han sido readaptados en sus respectivas relecturas a nuevos ambientes, épocas o incluso géneros. Ahí está por ejemplo el caso de Los siete magníficos (1960) de John Sturges y con un reparto de lujo liderado por Yul Brynner, Steve Moqueen y Charles Bronson, que es en realidad la versión americana de la película japonesa Los siete samuráis (1954) del gran Akira Kurosawa. Y pocos años después, el realizador italiano Sergio Leone se sumó al carro de la revisión del filmes de Kurosawa cuando basó su Por un puñado de dólares (1965), con Clint Eastwood, en el filme Yojimbo (1961).

Otro tipo de revisiones interesantes son aquellas que implican, por ejemplo el cambio de sexo de un personaje, lo que puede resultar en fantasticas variaciones sobre el original. El mejor ejemplo es el caso de Luna Nueva (1940) de Howard Hawks y Primera Plana (1974) de Billy Wilder. La primera versión, protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell, se basaba en la guerra de sexos que materializaban sus dos protagonistas, mientras en la versión de Wilder, al cambiar a la atractiva y carismática Russell por el más bien apocado Jack Lemon, la cosa tomaba un nuevo vuelo, que servía de plataforma para un duelo de altura del mítico dúo que formaban Lemon y Walter Matthau.

Otros casos de remakes frikis son por ejemplo la revisión que realizó Tim Burton en 2001 de El planeta de los simios (1968), cuyo giro final le daba todo un nuevo sentido al relato. Y luego, España también tiene su representante en esto de los remakes con anécdota. Es el caso de Abre los ojos. ¿Quién le iba a decir a nuestra Penélope en 1997 que en 2001 repetiría su papel de Sofía, pero esta vez en escenarios de Nueva York y con Tom Cruise como partenaire en el lugar de Eduardo Noriega?

Así que ya veis, la lista es larga, aunque muy probablemente vosotros recordéis otros casos de remakes curiosos. De los casos que hemos comentado, ¿soléis preferir las versiones originales o sus relecturas hollywoodienses? ¿Se os ocurren otros remakes con anécdota?

Si hay alguien que tiene experiencia en rodajes calamitosos, ese es Francis Ford Coppola. Casi al mismo nivel que la realización de la mítica saga de El Padrino, la leyenda de Coppola se forjó durante el rodaje de Apocalypse Now, uno de los más fatídicos de la historia del cine. Entre las tormentas y tifones que echaban por tierra los decorados, el ataque al corazón que sufrió Martin Sheen, el sobrepeso de Marlon Brando y los retrasos y excesos del rodaje (que obligaron al director a hipotecar casi todos sus bienes), Coppola vivió un auténtico Apocalipsis personal con aquella película. Hoy, el director de La conversación y Drácula de Bram Stoker ya no está para tantos trotes. Metido a empresario del vino, Coppola parece haber dejado los delirios megalómanos de antaño a un lado y ha optado por dedicarse a sacar adelante proyectos personales de media envergadura que produce de forma semi-independiente gracias a la financiación internacional (parece que ya ningún gran estudio de Hollywood se la juega por él). Pues bien, a pesar de la tranquilidad aparente, nada más lejos de la realidad. Coppola está metido en otro berenjenal, que en esta ocasión lleva el nombre de Tetro, su nueva película, en la que cuenta con las actrices españolas Maribel Verdú y Carmen Maura, y que acaba de terminar su rodaje en Argentina dejando a su paso un reguero de quejas y amenazas de demanda por parte de la Asociación Argentina de Actores (AAA), que acusa al director de no haber cumplido con los requisitos mínimos contractuales de los actores argentinos y extranjeros.

Pues sí, el nuevo rodaje de Coppola está siendo de los más movidito. Será por eso que el director de Cotton Club ha dado por finalizado el rodaje de su película en Argentina justo cuando parecía que las quejas de los actores sudamericanos podía poner en peligro el conjunto del rodaje, que ahora continuará en territorio español. La situación llegó a un punto de bloqueo exasperante el pasado miércoles, cuando la AAA consiguió paralizar el rodaje de la película argumentando que la productora de Coppola, Zoetrope, no había pagado los costes del seguro social para los actores extranjeros que trabajan en Tetro. Y este es sólo el último episodio de una larga lista de choques que arrancó a finales de mayo, cuando el gremio de actores ya bloqueó el rodaje en demanda de la regularización de los contratos de los actores de la película. Aunque el último episodio, el de la semana pasada, fue el más tenso de todos, ya que todo apunta a que Coppola jugó sucio para sacarse de encima la presión del sindicato. Norberto Gonzáles, secretario general de la AAA, apunto que "parece que siguieron rodando a escondidas. Hoy nos presentamos y ni siquiera nos dejaron entrar a la filmación, lo cual es una muestra más de la impunidad con que se maneja esta productora, que no ha cumplido ninguna de las normativas", afirmó. Tras señalar que el sindicato protestó a las puertas del recinto de filmación, Gonzalo dijo que la AAA recurrirá "a las instancias judiciales que correspondan" y en los próximos días dará a conocer "los detalles de este asunto" en una rueda de prensa.

Finalmente, después de esquivar la presión de la AAA, Coppola ha anunciado públicamente el final del rodaje en Argentina. En un comunicado oficial realizado a través de Zoetrope, Coppola ha expresado su satisfacción por haber "concluido a tiempo, rodando todos los días programados y dentro del presupuesto previsto". Este se las sabe todas. Mientras los altercados en el rodaje eran noticia en todo el mundo, el director se limitaba a mostrarse "absolutamente impresionado por el alto nivel de creatividad de los actores argentinos y la dedicación de todo el equipo de filmación". A eso se le llama mirar para otro lado.

La película, una coproducción de Argentina, España e Italia, narra la historia de una familia de inmigrantes italianos en Buenos Aires y cuenta con un espectacular elenco internacional en el que destacan el austríaco Klaus Maria Brandauer, las españolas Carmen Maura y Maribel Verdú, los estadounidenses Alden Ehrenreich y Vincent Gallo, y los argentinos Leticia Bredice y Rodrigo de la Serna. Como ya apuntamos, el rodaje de Tetro continuará ahora en España y el estreno del largometraje está previsto para el primer semestre de 2009, señaló la productora Zoetrope. Ansioso por dejar atrás los vaivenes de la producción en Argentina, Coppola se muda a nuestro país. ¿Seguirán los problemas en territorio español? ¿Estamos ante otro rodaje de leyenda (por lo catastrófico)?

Por algo lo llaman el Rey Midas de Hollywood. Y es que Spielberg tiene un olfato privilegiado a la hora de rastrear proyectos que huelen a éxito, es decir, colosales recaudaciones de taquilla. También es cierto que, cuando se pone a ello, Spielberg es capaz de entregar brillantes películas de gran calado artístico, pero no podemos olvidar su faceta de gran magnate del cine. De hecho, fue él uno de los inventores del merchandising a gran escala, de la promoción televisiva de las películas a escala mundial… ¿Qué nos tiene reservado para el futuro el director de E.T. y La lista de Shindler? Pues bien, parece que el Steven ha visto que el devenir del cine pasa por las “aventuras multiplataforma”. ¿Y qué significa eso? Pues que, en el futuro, las películas serán sólo una pequeña parte de unas experiencias audiovisual que se trasladarán a la pantalla del ordenador, los libros, los juegos de cartas… En fin, que en vez de pagar una entrada de cine, tendremos que gastarnos un dineral en toda clase de productos. Y todo esto viene a cuento porque Spielberg acaba de anunciar la compra de los derechos cinematográficos de The 39 Clues es una serie de aventuras que consta de 10 libros –que serán escritos a lo largo de dos años, cada uno por un autor diferente–, así como de 355 cartas coleccionables y de un juego en la red que se lanzará globalmente el próximo mes de septiembre, y que utilizará su página web como el lugar desde el que se podrá participar en éste y obtener premios. Ya veis que el negocio es suculento.

A todo esto, Spielberg sería el director elegido para llevar a la gran pantalla una adaptación fílmica de la aventura que plantea The 39 Clues (Las 39 pistas). Según anunciaron la consejera delegada de DreamWorks (productora de Spielberg), Stacey Snider, y la copresidenta de Scholastic (la editorial tras el proyecto), Deborah Forte, la historia girará en torno a la familia más poderosa del mundo, los Cahill, que cuentan con Houdini y Napoleón entre sus antepasados. Los libros revelarán la historia de esta familia y, concretamente, de dos de sus componentes, los pequeños hermanos Amy y Dan, que deberán descubrir, poco a poco, los secretos que revelan 39 pistas distribuidas por todo el mundo, y a lo largo de toda la Historia.

Según las mismas informaciones, libros, cartas y videojuego conformarán una aventura que culminará dentro de dos años, cuando un lector/jugador, que probablemente se habrá arruinado en el proceso, obtendrá un premio valorado en 10.000 dólares. "Combinar la lectura y un juego por Internet, es un innovador concepto para llegar hasta millones de jóvenes a los que les gusta leer, los juegos, las colecciones o las tres cosas al mismo tiempo", explicaron Zinder y Forte. Aunque el más honesto de todos ha sido el propio Spielberg, que ha explicado que "este proyecto permitirá a los participantes saltar desde las páginas de los libros a otros estadios del descubrimiento y la imaginación. Junto a Scholastic tenemos la oportunidad de desarrollar conceptos como cine, familia, diversión y franquicia". ¡Franquicia! La palabra mágica. Negocios, por supuesto.

Allí a donde va, Pedro Almodóvar es venerado como el buque insignia de la cinematografía española de las últimas décadas. Los franceses le adoran, los norteamericanos extienden alfombras rojas por allí por donde pasa y el mundo parece rendido a su talento. ¿No hay nadie que ponga en duda la figura del cineasta manchego? Parece que no. Y quizás sea justamente eso lo que ha provocado un buen jaleo a partir de un artículo publicado en el diario británico The Guardian, que recoge EFE, en el que se afirma, en referencia a Almodóvar y el cine español que "un gran nombre puede hacer naufragar a toda una industria cinematográfica nacional monopolizando el interés internacional". Vamos, que el artículo sugiere que la extensa y poderosa sombra del director de Volver, Todo sobre mi madre y Mujeres al borde de un ataque de nervios, no deja lugar para que otros cineastas españoles puedan hacerse un lugar en el panorama internacional. ¿Será esto verdad? ¿Afecta la aplastante notoriedad de Almodóvar a otros directores que buscan hacerse un nombre en el extranjero?

La discusión está abierta, y el primero que ha querido exponer su punto de vista en el debate ha sido el propio Almodóvar que, a la vista de su respuesta, parece realmente dolido por los comentarios del rotativo inglés. El cineasta español ha calificado de “injusta” y “estúpida” la tesis defendida por The Guardian. ¿Hay para tanto? El director, que rueda estos día Los abrazos rotos junto a su nueva gran musa, Penélope Cruz, ha afirmado en una carta de respuesta al periódico británico que "es profundamente injusto y además bastante estúpido culparme de la ausencia de películas españolas en los cines del Reino Unido. Es injusto hacia mí y hacia la realidad". Almodóvar respondía de esta manera al artículo publicado el 17 de junio por el hispanista Paul Julian Smith. Puestos en materia, el director manchego a aprovechado para soltar unas cuantas puyas sobre el funcionamiento del sistema de distribución británico: "el mercado británico no da oportunidad a su público para que descubra películas rodadas en otros idiomas". Está claro que Almodóvar sabe de lo que habla, ya que además de director, realiza tareas como productor a la cabeza de su empresa El Deseo, que dirige junto a su hermano Agustín. Además, en la frase más punzante de su respuesta, Almodóvar ha llegado a preguntar al articulista (Smith) si "se ha vuelto loco o sólo se trata de un uso inexacto de la lengua". Un punto para Pedro.

La discusión se ha ido caldeando hasta cotas altas de tensión. ¿Os parecen justos los comentarios de The Guardian? ¿Creéis que Almodóvar está algo sobrevalorado en el exterior? ¿O más bien es que en España tenemos la mala costumbre de no saber apreciar a nuestros artistas más valiosos? Y por otra parte, ¿os parece desproporcionada la reacción de Almodóvar? ¿No están sus ataques al mercado británico un tanto fuera de lugar? ¿Estamos ante una respuesta adecuada a un ataque injusto o más bien ante una rabieta?

Y la cosa no acaba ahí. Continuando con su argumentación, almodóvar ha recordado a los señores de The Guardian que la cuota de mercado para las películas rodadas en otras lenguas que no sean el inglés se reduce, en el Reino Unido, a un 1,3 por ciento. Y como remate a su respuesta a las acusaciones de monopolizar la atención del público, el realizador ha escrito: "El interés puede ser atraído o generado, pero no monopolizado porque pertenece a la persona interesada".

Finalmente, ha tenido que llegar la editora del rotativo, Catherine Shoard, para calmar un poco las aguas revueltas. Shoard ha contestado a Almodóvar en la edición digital del diario, afirmando que su periódico nunca pretendió "insultar" al realizador español o "culparle de la falta de distribución de películas españolas en el Reino Unido". De hecho, Shoard, que parece realmente acongojada por el foribundo ataque del director español, se ha retirado de la contienda mediante un acto de pleitesía y veneración, afirmando que "en el artículo sólo se acusa a Almodóvar de un crimen, el de la excelencia". Asimismo, recalca que si el artículo pretendía criticar algo, era a las audiencias del Reino Unido por ser poco receptivas hacia las películas rodadas en otras lenguas y a los distribuidores británicos por su nivel de conservadurismo.

En fin, la batalla parece zanjada y Almodóvar parece haberla ganado a los puntos. ¿Estáis de acuerdo?

A los actores les encanta transformarse ante la cámara. Desde tiempos inmemorables, las transformaciones físicas se han ligado a la idea de calidad actoral. Una idea que también se ha extendido y popularizado gracias a reconocimientos como los premios Oscar. No es ningún secreto que un cambio físico radical puede acercar al actor más mediocre a la ansiada estatuilla de Hollywood. De todos estos cambios el que suele despertar más expectación es el que implica el afeamiento del actor. La ley no escrita dicta que “cuanto más feo (o fea) mejor”. Que se lo digan a Charlize Theron (Oscar por Monster). También se valora mucho el cambio de sexo o el engordamiento o adelgazamiento radical. La cuestión es lucir diferente. En esta liga de las transformaciones, una que cotiza un poco a la baja, y con razón, es la del envejecimiento. Y la verdad es que la culpa cabría echarla a los especialistas en maquillaje, que parece que todavía no han encontrado la manera de hacer creíble la vejez de un actor joven. Sólo cabe recordar casos como el Michael J. Fox de Regreso al futuro 2 o el Mel Gibson de Eternamente joven, por no hablar de las ridículas transformaciones de Eddie Murphy (en la mayoría de sus películas de los últimos 10 años). Pues bien, os presentamos aquí un nuevo caso de envejecimiento en la pantalla. Y vosotros nos tenéis que decir qué os parece. Se trata de Kate Winslet en su nueva película, The Reader, en la que interpreta a a Hanna Schmitz, una antigua vigilante de un campo de concentración nazi que en la Alemania de posguerra intenta ocultar su pasado. ¿Qué os parece? ¿Da el pego? ¿O el maquillaje os parece ridículo?

La guapísima protagonista de Olvídate de mí o Descubriendo nunca jamás ha sido fotografiada de esta guisa en el rodaje de la película que dirigirá Stephen Daldry (director de Billy Elliot y Las Horas). Con grandes dosis de maquillaje, varias prótesis y una peluca gris, Kate ha tenido que envejecer varias décadas para darle credibilidad a su personaje, una anciana nazi que durante su etapa en un campo de concentración inició una aventura con un joven adolescente, que con el paso de los años recordará esa relación que marcó parte de su existencia. A primera vista, parece que los maquilladores contratados para este filme han realizado un trabajo decente. De hecho, son los técnicos que dieron vida a las transformaciones físicas de películas como La Sombra del Vampiro, Expiación o La Vie en Rose.

No recordamos que anteriormente Kate Winslet tuviera que transformarse para sus anteriores papeles. Lo más cerca que estuvo de ello fue en Titanic, cuando todo su romance con Leo DiCaprio era un gran flashback de su personaje envejecido. Entonces, James Cameron podría haber optado por el maquillaje, pero sabiamente prefirió contar con una anciana de verdad, Gloria Stuart, para interpretar a la Rose del presente.

Siguiendo con The Reader, la película está siendo rodada en Berlín y cuenta en el reparto con actores tan conocidos como Ralph Fiennes. Kate Winslet protagoniza la película tras sustituir a su colega australiana Nicole Kidman, que tuvo que abandonar el proyecto a causa de su embarazo. ¿Constituirá este drama sobre el holocausto la oportunidad definitiva para Kate Winslet de ganar el Oscar?

Da la casualidad de que hace tres años, la actriz británica intervino en la serie de televisión Extras, centrada en el mundo de los extras cinematográficos. En la serie, creada por Ricky Gervais (The Office), cada capítulo contaba con la aparición de un invitado estelar. En el capítulo con Winslet, la acción se centraba en una película ambientada en la segunda guerra mundial, en la que Winslet interpretaba a una monja. Y una de sus líneas de diálogo era: "Me he dado cuenta de que si haces una película sobre el Holocausto tienes garantizado un Oscar (de Hollywood). Yo he sido nominada cuatro veces y nunca he ganado". La realidad supera a la ficción.

Está claro, los americanos están abonados a eso de la competitividad. Les encanta pelear por ser los primeros en todo, se trate de deportes, política, poder económico… ¡o cine! De hecho, ¿quién implantó y convirtió en poderosos ritual eso de dar premios y escoger a los mejores profesionales del cine? Como no: Hollywood. Y además de los premios, los Oscar, la industria del cine norteamericano tiene otra manera de competir a través de las películas: las listas. Mejores películas del año, mejores de la historia, los mejores actores, actrices y directores… y no se cansan. Ahora nos llega una nueva remesa de listas procedentes de una de las organizaciones más poderosas relacionadas con el cine, el American Film Institute, encargado de cuidar de la cuantiosa herencia que ha generado el cine americano. Y bueno, al menos se trata de algo novedoso. Esta vez, la AFI ha decidido realizar rankings sobre las mejores películas de cada género cinematográfico y lo cierto es que, siendo divertido repasar los resultados, estos son más bien previsibles. Las ganadoras han sido películas como El Padrino, Lawrence de Arabia, Blancanieves o Centauros del desierto. Os proponemos un pequeño repaso de cada una de las listas y os animamos a que nos propongáis vuestras favoritas de cada género.

En el apartado de la comedia romántica, la inolvidable película muda Luces de la ciudad (1931), de Charles Chaplin, se impuso a la divertida, neurótica y romántica Annie Hall (1977), de Woody Allen, y al clásico Sucedió una noche (1934), de Frank Capra. Mientras, en el apartado del género de Gángsters, los maestros de los 70 se impusieron a los clásicos. Vencieron El Padrino (1972), Uno de los nuestros (1990) y El Padrino II (1974). Y en el apartado épico, la pelea entre Lawrence de Arabia (1962) y Ben-Hur (1959) fue conquistada por la película de David Lean y Peter O’Toole.

Entre los Western, el cine de indio y vaqueros, la más memorable, según la AFI, fue Centauros del desierto (1956), de John Ford y con el gran icono del género, John Wayne, como protagonista. La siguieron Solo ante el peligro (1952) y Raíces profundas (1953). En el género infantil por excelencia, la animación, Disney, como no podía ser de otro modo, se llevó el gato al agua. La ganadora fue Blancanieves y los siete enanitos (1937) seguida de otros clásicos inolvidables como Pinocho (1940) y Bambi (1942). Curiosamente, otros productos de corte infantil y juvenil se impusieron en un apartado que ha contado, en general, con propuestas mucho más escabrosas: el fantástico. Se impusieron El mago de Oz (1939) en primer lugar, seguida de El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001) (¡ese puritanismo yanki!).

En el género de Ciencia Ficción, la vencedora fue 2001: Una odisea en el espacio (1968), seguida de cerca por La guerra de las galaxias (1997) y E.T. - El Extraterrestre (1982). ¿Qué os parece eso, fanáticos de Star Wars? Y mientras, en el apartado de deportes, Toro salvaje (1980) venció a Rocky (1977). Stallone desbancado por Robert de Niro, ¿qué os parece? ¿No hubieseis apostado por el entrañable Sly? Finalmente, en el género de películas de tribunales, el instituto eligió como mejor de la historia Matar a un ruiseñor (1963), y en la categoría de Misterio una película del maestro del género, Alfred Hitchcock, Vértigo (1958). Cualquier otro resultado hubiese parecido un fraude

Cabe destacar también que entre las 100 mejores películas de la historia del cine estadounidense hay cuatro de Hitchcock (Vértigo, Con la muerte en los talones, La ventana indiscreta y Crimen perfecto), y tres de Steven Spielberg (La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan y E.T. - El Extraterrestre) y Stanley Kubrick (La naranja mecánica, 2001: una odisea en el espacio y Espartaco). ¿Estáis de acuerdo con que este trío (Hitchcock-Spielberg-Kubrick) sea reconocida como la santísima trinidad de la historia del cine?

Por su parte, un especial de tres horas de duración se transmitirá por la televisión de Estados Unidos para presentar formalmente los vencedores de cada categoría. Como estos americanos son los reyes del espectáculo, han montado una espectacular gala en la que presentadores de lujo darán a conocer los flamantes títulos elegidos por 1500 personalidades del mundo del cine. Jessica Alba presentará la Comedia romántica; Sean Astin el Fantástico; Gabriel Byrne la Intriga; Kirk Douglas la Epica; Clint Eastwood los Westerns; Cuba Gooding, Jr. los deportes; Jennifer Love Hewitt la Animación; Quentin Tarantino el cine de Gangster; Sigourney Weaver la Ciencia Ficción, y James Woods el Drama Judicial. Un plantel al nivel de las películas.

Y bien, ¿Estáis de acuerdo con los resultados de la encuesta de la AFI? ¿O estáis en desacuerdo? ¿Demasiados clásicos y poco cine actual? ¿Cuáles son vuestras favoritas de cada género?

Hoy nos llaman la atención unas declaraciones de Eduardo Noriega en las que el actor afirma que los (actores) españoles "tenemos un problema a la hora de vendernos fuera". Puede que eso fuera cierto hace unos años, sin embargo, la creciente participación de nuestros actores en proyectos internacionales ha ido cambiando poco a poco el escenario. ¿Recordáis cuando cada intervención de Antonio Banderas en una película norteamericana era jaleada como un acontecimiento extraordinario? ¿O cuando una nominación al Oscar en el apartado de “película de habla no inglesa” parecía lo máximo a lo que podía aspirar la cinematografía española? No cabe duda de que los tiempos han cambiado. Es extraño el año en el que no tenemos a profesionales de nuestra industria galardonados en Hollywood, sean estos actores o técnicos. Nuestras estrellas internacionales se codean con el star system moderno, de hecho, algunos de ellos, como Javier Bardem o Penélope Cruz forman parte de él. Y más allá de los nombres que más suenan en las publicaciones de todo el mundo, hay una buena cantera de jóvenes actores que no le han tenido miedo al salto internacional. La lista es extensa, y aquí os queremos presentar una pequeña muestra, empezando por el propio Eduardo Noriega que después de trabajar en Francia (Novo), México (El espinazo del diablo) y Argentina (Plata quemada), se estrenó en Hollywood con En el punto de mira y ahora forma parte del internacional reparto de Transsiberian, que se estrenará el próximo octubre

Aunque puede ser cierto que pasa por horas bajas, no puede decirse que el actor más internacional de los 90, Antonio Banderas, esté en el paro. Mientras espera que su Gato con Botas de la saga Shrek tenga filme propio, Banderas se apunta al thriller con The Code de Mimi Leder, con Morgan Freeman. Otra que sube como la espuma es Paz Vega, que tiene pendientes dos super-proyectos de Hollywood: The Spirit, adaptación del comic de Will Eisner, dirigida por Frank Miller, junto a Scarlett Johanson y Eva Mendes, y The Human Contract, en la que se codeara con Jada Pinkett Smith. Por su parte, el gran Francis Ford Coppola se ha llevado a Argentina a dos de nuestras estrellas más deslumbrantes, la reciente ganadora del Goya a la mejor actriz, Maribel Verdú y a nuestra veterana en mejor forma: Carmen Maura. Habrá que ver cómo sale este Tetro en el que nuestras damas deberán lidiar con el carismático y conflictivo Vincent Gallo.

Una de las caras conocidas por todos a la que pronto podremos ver en el cine americano es Alicia Borrachero (famosa por sus papeles en las series Periodistas y Hospital Central), que forma parte del casting de Las crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian, uno de los bombazos del año. Por otro lado, un proyecto que permitirá a muchos de nuestros actores gozar del regusto de trabajar en una coproducción internacional es Che. Allí veremos a Eduard Ferández, Óscar Jaenada, Ruben Ochandiano y a todo un veterano de la escena extranjera: Jordi Mollá, que tiene en cartera las películas Art in Las Vegas y Hurricane Mary, en la que compartirá cartel con el escarizado Chris Cooper, William H. Macy y las hermanitas Dakota y Elle Fanning.

Y atención, porque no podemos olvidarnos de los directores. Con el regusto del trabajo de Isabel Coixet con Ben Kingsley y Penélope Cruz en Elegy, no podemos olvidar que el joven Luis Alejandro Berdejo dirigirá a Kevin Kostner en The New Daughter. Mientras, el dúo que forman el director y productor, Juan Carlos Fresnadillo y Enrique López Lavigne, se lanza a Hollywood después de dar el do de pecho en Gran Bretaña gracias a 28 semanas después. En Estado Unidos cuentan con un padrino de lujo, nada más y nada menos que Steven Spielberg. ¿Se puede pedir más?

La lista de los nuestros que triunfan fuera, sobretodo en Hollywood, no deja de alargarse semana a semana. Nombres como los de J.A.Bayona, Jaume Balagueró o Nacho Vigalondo no dejan de sonar como posibles candidatos al salto internacional. Y de hecho sólo hace falta echarle un vistazo al último festival de Cannes, con Penélope como gran estrella al lado de Woody Allen y la tropa de Che campando a sus anchas por la Croisette, para darse cuenta que ya no somos invisibles a nivel mundial, al menos en lo que se refiere a cine.

Después de arrastrarse por los más diversos escenarios bélicos embutido en el traje de camuflaje de Rambo; después de patearse el ring durante tres décadas de la mano de Rocky; después de sufrir múltiples transformaciones de la mano del botox y los esteroides… ¿Qué puede motivar a nuestro Sly? Mientras prepara la quinta entrega de la saga de John Rambo, Sylvester Stallone sigue buscando incentivos y motivación en otros proyectos. Ansioso por abordar nuevos retos, el actor parece haber encontrado una aventura fílmica que reúne exotismo y reconocimiento. Vamos, que parece que a Sly la va que le hagan la pelota y se ha dejado seducir por un productor de la potente industria de Bollywood para que se interprete a si mismo en una de sus películas. ¡Stallone haciendo de Stallone en una película india! Esto merece ser visto. Hasta el momento, otras estrellas ya habían amagado la posibilidad de estrenarse en la segunda industria fílmica más poderosa del mundo, como por ejemplo George Clooney, pero hasta ahora no se había confirmado ningún fichaje tan estelar como el de Stallone, que desgraciadamente no podrá darse el lujo de pasearse por la India, ya que la película se rodará en Estados Unidos. Aunque casi mejor, porque recordemos que el protagonista de Rocky ya ha tenido varios altercados en sus viajes (en aduanas de aeropuertos) debido a su afición a las sustancias estimulantes.

Lo dicho, que la primera inmersión de Sylvester Stallone en el cine indio será sólo a medias, ya que Kambakkth Ishq (película de impronunciable título, espero que se lo cambien en su estreno internacional) será rodada en los Universal Studios. Se ve que los astutos ejecutivos de Hollywood se han dado cuenta del filón indio y quieren su parte del pastel. La película estará dirigida por Sajid Nadiadwala, uno de los más reputados realizadores indios, y contará con dos super-estrellas de Bollywood, Akshay Kumar y Kareena Kapoor. "Akshay interpretará a un especialista de Hollywood en la película", explicó el director.

Sólo hay que leer las declaraciones del director de la película para darse cuenta de que han convencido al bueno de Sly para aparecer en la película a base de adulación y genuflexión. Para referirse a Stallone, Nadiadwala habla del “icono internacional de las películas de acción”. ¡Cuanta razón tiene! Aunque también hay que reconocer que últimamente Stallone está recorriendo peligrosamente la frontera que separa a los iconos de los bufones.

¿Qué es exactamente el “cine de mujeres”? Lo cierto es que aunque nunca ha sido considerado un género cinematográfico, existe una larga historia de películas protagonizadas por un extenso elenco de intérpretes femeninas que han dado vida a los conflictos, dilemas, ilusiones y esperanzas del género femenino. Claro está que, en el pasado, este sub-género fue utilizado para formar los arquetipos de feminidad de una sociedad más bien machista, sin embargo, este cine ha sabido irse adaptando a su tiempo y ahora no es descabellado afirmar que estamos ante una nueva ola del “cine de mujeres”, capitaneado por el estreno de la adaptación fílmica de la serie televisiva Sexo en Nueva York y la próxima llegada a las pantallas de todo el mundo del remake de la película de 1939 Mujeres de George Cukor. Avivado por el éxito de series televisivas como Mujeres desesperadas y la misma Sexo en Nueva York, parece abrirse un nuevo horizonte para un cine cuya historia repasamos de la mano de la especialista de la revista Variety, Jeanine Basinger.

La película Mujeres de 1939 sirve como el ejemplo perfecto del sub-género cinematográfico conocido como “Cine de mujeres”, cuyo objetivo principal era el de popularizar las películas protagonizadas por un grupo de mujeres gracias al poder estelar de sus actrices protagonistas. Así, los productores del filme original consiguieron reunir en el casting de la película a un espectacular elenco formado por Joan Crawford, Norma Shearer, Rosalind Russell, Paulette Goddard, Joan Fontaine y Hedda Hopper, entre otras. Hoy, con el objetivo de volver a cosechar el éxito cosechado por el filme de George Cukor, se ha reunido a un conjunto similar de grandes estrellas que bajo la dirección de Diane English volverán a poner en escena las vivencias de un grupo de distinguidas mujeres de clase alta que pasan los días entre visitas al salón de belleza y elegantes eventos sociales. Esta nueva versión de The Women estará protagonizado por actrices de la talla de Meg Ryan, Eva Mendes, Candice Bergen, Jada Pinkett Smith, Carrie Fisher, Annette Bening, Joanna Gleason y Bette Midler, entre otras. Ahí es nada.

A lo largo de la historia del cine ha habido numerosas películas protagonizadas por extensos y lujosos elencos femeninos. Películas que no se han ceñido a los márgenes de un único género y que han explorado sendas que van de la comedia al melodrama. Estas películas tampoco se han caracterizado por cubrir un único escenario, ocupación o grupo de edad. Así, estos filmes han sido protagonizados por adolescents (Donde hay chicos hay chicas – 1960), urbanitas amas de casa (Más fuerte que la vida – 1957), actrices intentando acceder al mundo del espectáculo (Damas del teatro- 1937), o madres e hijas lidiando con planes de boda y con el cánces (Magnolias de acero – 1989). Las mujeres pueden estar en la cárcel (Sin remisión – 1950) o instituciones mentales (Inocencia interrumpida – 1999). Pueden hayarse atrapadas por maridos obsesionados con el éxito (El mundo es de las mujeres - 1954), luchando por hacer realidad sus propias carreras (Mujeres frente al amor 1959) o simplemente buscando a un hombre decente al que amar (Esperando un respiro – 1995). Otras películas recientes catalogables en este subgénero podrían ser el drama Cosas que le diría con sólo mirarla (2000) o la comedia Las mujeres perfectas (2004).

Muchas de estas películas utilizan como motor narrativo el impulso competitivo que arrastra a sus protagonistas, sin embargo, también existe un buen número de películas en las que los personajes alcanzan una suerte de hermandad que les permite dejar a un lado los celos y trabajar unidas por una causa mayor. Significativamente, la mayoría de estas películas están protagoinizadas por mujeres “sin guardaropa”. Ellas llevan uniformes, como en las películas acerca de mujeres que trabajaron como enfermeras en la Segunda Guerra Mundial (Cry, Havoc! - 1943), o películas sobre monjas (Narciso negro – 1947). Cuando las mujeres se ponen pantalones tejanos, chaquetas desgastadas y botas con tachuelas, como en Caravana de mujeres (1951), ellas pueden llevar una diligencia a través de territorio Apache. Y en Siete mujeres (1966) de John Ford, un grupo de misionarias en China deben enfrentar a un grupo de crueles mercenaries.

Visto lo visto, está claro que no existe una única definición para eso que llaman “cine para mujeres”. Lo único seguro es que, en la actualidad, este género monopoliza cada vez más nuestras pantallas (grandes y pequeñas). ¿A vosotros qué os parece este cine? ¿Sois fanáticos y fanáticas de estas películas y series de televisión? ¿Os parece que hay público masculino para este tipo de productos o son sólo filmes por y para mujeres?

Junto al de los remakes de películas y series de televisión de los 70 y 80, el universo de los superhéroes es el principal foco de interés de los ejecutivos de Hollywood, lo cual ha provocado que en el último año se haya desatado un auténtico mercadeo (mediático) de nombres de héroes del cómic que pueden dar el salto a la gran pantalla y, como no, de las estrellas de Hollywood que los pueden encarnar. Cuando todavía colea el fenómeno Iron Man y la nueva entrega de las aventuras de Hulk campa a sus anchas en la taquilla, nos llegan multitud de rumores acerca de las futuras adaptaciones fílmicas de otros héroes míticos. Lo que hoy nos llama más la atención, por la resonancia de la noticia en medios norteamericanos y por el caché de su protagonista, es el rumor que apunta a que Leonardo DiCaprio podría interpretar al Capitán América en The first avenger: Captain America. Así, el chico de oro de Hollywood sería el encargado de portar el mítico escudo de la estrella, símbolo inconfundible de una de las creaciones más populares de la factoría Marvel.

Y la magnitud de la noticia no termina ahí, ya que según una información publicada por la web especializada «Latinoreview.com», recogida por la agencia «Otr/press», la segunda opción que baraja Marvel para encarnar al Capitán América no le va a zaga, ya que el número dos en las preferencias de la editorial y productora es otra megaestrella: Brad Pitt. Aunque este información debería ser puesta en cuarentena, ya que según diversas fuentes, Marvel tiene otro encargo para Pitt, que consistiría en dar vida a otra de sus legendarias creaciones: Thor, el personaje creado por Jack Kirby y Stan Lee, que verá la luz el 4 de junio de 2010, tan sólo seis semanas después de que Iron Man 2 aterrice en las salas de todo el mundo.

Ante la avalancha de rumores y especulaciones, no está de más correr un velo de precaución ante estas informaciones. Cabe recordar, por ejemplo, que hace pocas semanas se habló de Matthew McConaughey como candidato al papel del Capitán América, sin embargo, su nombre ha sido descartado tras la decisión de Marvel de contar con una gran estrella. Y hablando de Marvel, continúan los rumores sobre el que podría ser el más colosal y ambicioso proyecto en relacionar los universos del comic y el cine: la adaptación fílmica de Los Vengadores (The Avengers), la aventura en cuyas viñetas se reunieron personajes como Iron Man, Hulk, Wonder Woman, Nick Fury y los ya mencionados Thor y Capitán América. En los últimos meses se ha comentado la posibilidad de que el estudio reuniese a un espectacular plantel de actores para esa adaptación, aunque parece algo descabellado que algun estudio pudiese asumir el coste que significaría contar para un único filme con la presencia de Leo DiCaprio, Brad Pitt, Samuel L. Jackson (que suena para el papel de Nick Fury, como ya hizo en Iron Man), Robert Downey Jr., Edward Norton, Katie Holmes (que suena para el papel de la Mujer Maravilla), entre otros.

En otro orden de cosas, pero sin escapar del universo de los superhéroes, también circulan rumores sobre el actor que podría encarnar a Spiderman en las próximas entregas de la saga, una vez Tobey Maguire ha expresado su deseo de no volver a interpretar al personaje. De partida se habló de Jack Gyllenhaal para el papel, pero esa posibilidad parece haber sido descartada. En estos momentos, parece que Sony Pictures está barajando los nombres de dos jóvenes promesas de la industria. Por un lado, Patrick Fugit, al que se pudo ver en Casi famosos, La flor del mal y en algunos capítulos de Urgencias y House; y por el otro, Michael Angarano, visto también en Casi Famosos, además de Querida Wendy o las series 24 y Will y Grace. La búsqueda sigue en pie y el estudio todavía no descarta poder convencer a Maguire de que retome el papel.  

Y veis que el mercado está más que agitado y las expectativas son muy prometedoras. Habrá que estar muy pendiente de todos los frentes abiertos, que garantizan mucha excitación, ilusión y diversión para los amantes del cómic y de los superhéroes en general. ¿Cuál es la adaptación que esperáis con más expectación? ¿Veis a DiCaprio como Capitán América? Seguiremos informando.

¿Qué sería de Sylvester Stallone sin Rambo? Ahora que ese gran mito conocido como John Rambo lleva más de 25 años repartiendo plomo bajo el rostro de Sly, se hace casi imposible imaginar que dicho personaje pudiese haber recaído en otro actor. Igual que si nos dicen que Tom Selleck estuvo a punto de ser Indiana Jones, o que John Travolta pudo convertirse en American Gigoló (casos verídicos los dos). Pues bien, recientemente se ha sabido que la lista de actores que rechazaron la oportunidad de alcanzar la gloria bélica gracias a Rambo es extensa y lujosa. El mismo Stallone admitió a principios de este año que a finales de la década de los 70, casi todas las estrellas de acción de la época se negaron a encarnar al más eficaz (y trastornado) de los soldados yankis. De Steve McQueen a Gene Hackman, pasando por Al Pacino, Hollywood al completo desdeñó las posibilidades del personaje, que luejo convirtió en leyenda Sly. Finalmente, un último nombre se ha sumado a la lustrosa lista: Dustin Hoffman. ¿¡Cómo!? Sí, como oyen, el más bajito y narigudo de los actores-estrella que emergieron en los 60 también estuvo a punto de ser Rambo.

La historia no deja de tener sus visos surrealistas, ya que en el mismo año en el que finalmente se acabó estrenando la primera entrega de Rambo, First Blood, estrenada en España como Acorralado (1982), el protagonista de El graduado (1967) y Cowboy de medianoche (1969) estrenaba a bombo y platillo el filme Tootsie, dirigido por el recientemente fallecido Sydney Pollack y en el que Hoffman interpretaba a un hombre que se vestía de mujer para alcanzar la gloria televisiva. ¿Se imaginan al bueno de Dustin encadenando los papeles de Rambo y Tootsie? Hubiese valido la pena ser testigo de eso. Sin embargo, como bien es conocido y celebrado por todos, Stallone termino siendo Rambo. Como desveló el pasado sábado Hoffman, que se encuentra promocionando la película de animación Kung Fu Panda (en la que da voz a un maestro en artes marciales con forma de oso panda rojo), rechazó el papel principal de Rambo por ser "demasiado violento".

¿Podéis imaginar a Hoffman como Rambo? ¿Podéis imaginar a Rambo sin Stallone? ¿Hubiese sido capaz Hoffman de darle al personaje la densidad trágica y el estoicismo que le supo transmitir Sly? Por si alguien no lo recuerda, Acorralado, primera entrega de la saga de John Rambo, ponía en escena a un atormentado ex combatiente de la guerra de Vietnam acosado por el sherif de una pequeña localidad de Estados Unidos. Gracias a Stallone, su inconfundible “cara de palo” y sus musculitos el cine bélico tomó un nuevo impulso en los 80 y es lo que es hoy (para bien o para mal). En la estacada decidió quedarse Hoffman, que por otra parte no puede decirse que haya desperdiciado su carrera. Uno de los grandes de Hollywood de las últimas cuatro décadas, junto a gente como Robert de Niro o Al Pacino, Hoffman llegó a alzarse con dos Oscar de la academia, por Kramer contra Kramer (1980) y Rain Man (1990).

El mito dice que Hollywood es la meca del cine, allí donde los sueños e ilusiones se hacen realidad, allí donde se forjan los reyes midas de hoy. Hollywood como fábrica de ganancias, como poder económico de fiabilidad indiscutible. Pues bien, llegó la hora de acabar con el mito y destapar sus trapos sucios. Porque como toda industria, Hollywood también ha tenido sus altos y bajos, y mientras exponía al mundo su perfil más glamoroso y resplandeciente, en su subterráneo se agitaban aguas revueltas. ¿Y cual es la peor pesadilla para una industria que valora del mismo modo el arte que los billetes verdes? Pues está claro: los fracasos de taquilla. Patinazos en los que no sólo se han resentido los bolsillos de los ejecutivos, sino también las relaciones personales de los participantes en los proyectos. Meteduras de pata que han llegado a modificar la manera en la que se hacían los negocios. ¿Las causas? Múltiples. Aunque aquí os presentamos los grandes fiascos de la historia del cine clasificados en tres categorías: aquellos que respondieron a un exceso de megalomanía (algo habitual en Hollywood), aquellos fracasos que explotaron debido a problemas personales, y finalmente, aquellos rodajes que se terminaron convirtiendo en auténticas pesadillas.  

Exceso de megalomanía

-Intolerancia (1916) de D.W.Griffith. Considerado el primer “megadesastre” de la meca del cine, el filme costó la friolera de 386.000 dólares de los de entonces, dinero con el que se construyeron unos decorados que aún hoy siguen siendo la mayor estructura creada para una película. Se llegaron a usar 4.000 extras, Griffith (padre de la narrativa clásica) lo perdió todo y tardó más de veinte años en cubrir todas las deudas que generó la película.  

-El arca de Noé (1929) de Michael Curtiz. El director de Casablanca no pudo evitar el desastre en un rodaje en el que se almacenaron 150.000 litros de agua, que en la escena cumbre fueron lanzados al vacío sin poder controlar sus efectos. Provocaron la muerte de seis extras.

-Cleopatra (1963) de Joseph L.Mankiewicz. “Cleopatra fue concebida en estado de emergencia, rodada en estado de histeria y terminada con un pánico ciego”, explicó Mankievicz. ¿Hace falta decir más? 286,4 millones de dólares gastados por la Fox, retrasos, enfermedades, la tortuosa relación entre Liz Taylor y Richard Burton, el millón de dólares que se le pagó a la estrella, los 65 vestidos que lució la Taylor (incluido uno que se confeccionó con hilo de oro de 24 kilates), los problemas en el rodaje en Londres y Roma… Seguramente, el fracaso más sonado de toda la historia.

-El rostros impenetrable (1961) de Marlon Brando. Bajo la dirección del astro de Hollywood, el presupuesto se disparó de 1.600.000 a 6.500.000 dólares. Tan desmedido fue el comportamiento de Brando que los ejecutivos de la Paramount le quitaran el control del que podría haber sido “el mejor western nunca filmado y se quedó en una película de mala calidad”, en palabras del actor.

-Los ángeles del infierno (1930) de Howard Hughes. La megalomanía de Hughes era conocida por todo el mundo en el viejo Hollywood y no extrañó demasiado que el magnate se embarcara en esta colosal producción, que asistió a un desfile de directores antes de que el millonario obsesionado por el celuloide decidiera hacerlo el mismo. Numerosos accidentes y una secuencia que tardó seis meses en rodarse (hasta que salieron las nubes adecuadas para su rodaje, episodio recogido en El aviador de Scorsese) dejaron a Hughes con 1,5 millones de dólares en números rojos. 

Problemas personales

-Rebelión a bordo (1962) de Lewis Milestone. Dos años de incidencias, un guión manoseado por varios escritores, cambios de director, ocho finales distintos y una inversión de 25 millones llevaron a la Metro al borde de la bancarrota. Y de nuevo Brando, en medio del desaguisado, avivando el fuego: noches de alcohol y mujeres, enfermedades venéreas y tropicales… Además de sobrepasar los cien kilos, el actor conoció a Tarita, madre de dos de sus hijos.

-Cumbres borrascosas (1939) de William Wyler. La pareja formada por Laurence Olivier y Merle Oyeron se detestaba, por lo que hubo broncas, espantadas y reconciliaciones. También trascendieron los choques del director, que era considerado un tirano, con miembros del equipo técnico y artístico. Candidata a ocho Oscar, la cinta tuvo decepcionantes resultados comerciales.

-El príncipe y la corista (1957) de Laurence Olivier. Marilyn Monroe convirtió el rodaje en una pesadilla. Llegaba siempre tarde al plató y exigía innumerables tomas para corregir hasta los más mínimos gestos, lo que sumía en la desesperación a Laurence Olivier, que dijo que la estrella rubia olía a sudor.

-Orgullo y pasión (1957) de Stanley Kramer. El reparto multiestelar –Frank Sinatra, Cary Grant y una jovencisíma Sophia Loren- debía garantizar el éxito de la cinta, pero se convirtió en su mayor problema. Como sus personajes, Grant y Sinatra se enamoraron de la exhuberante italiana. ‘La Voz’ siempre lo negó, pero los celos hicieron que ridiculizara al galán Grant sobre su sexualidad al llamarle ‘madre Cary’.

¡Atención! Traemos buenas y malas noticias para los fans de High School Musical, que sabemos que sois legión. La buena noticia es que cuando todavía se está rodando la tercera entrega de la saga HSM, ya se ha anunciado que habrá una cuarta entrega de la serie. Sin embargo, la mala noticia es que, al parecer, Zac Efron no aparecerá en ella. Y probablemente, tampoco lo haga Vanesa Hudgens. Y la pregunta que se nos plantea es obvia: ¿Es posible un High School Musical sin Zac? ¿Existe algún actor con el carisma suficiente como para substituirle? ¿Hay recambio para Troy Bolton? Todas estas preguntas permanecen todavía abiertas. Lo único que se sabe a fecha de hoy es que Rich Ross, el presidente a nivel mundial del canal Disney Channel, responsable de la franquicia HSM, ha sido tajante en sus declaraciones a Hollywood Reporter: “estamos escribiendo High School Musical 4. Lo que no podemos asegurar es que todo el casting aparezca en la cuarta entrega”. 

A estas alturas, lo único que podemos asegurar es que, desde finales de abril, se está rodando en Utah High School Musical 3, que a diferencia de la anteriores entregas de la serie está previsto que se estrene en cine. De hecho, ya se conoce la fecha de estreno en Estados Unidos: 24 de octubre. En esta nueva película, los protagonistas de la saga ya son “high school seniors”, los mayores del instituto. Troy Bolton (Zac Efron) y Gabriella Montez (Vanessa Hudgens) deben enfrentarse a la irremisible separación que les espera una vez se gradúen en East High School y cada uno tome su rumbo personal vital. Junto al resto de los Wildcats, incluidos Sharpay Evans (Ashley Tisdale), Ryan Evans (Lucas Grabeel), Chad Danforth (Corbin Bleu), Taylor McKessie (Monique Coleman), y otros, deciden poner en escena un elaborado musical de primavera en el que desean reflejar todas sus experiencias, esperanzas y miedos acera del futuro.

Aunque ahora mismo, no nos vale con saberlo todo de High School Musical 3. Sabemos que queréis estar al día de lo que puede pasar en el futuro: en HSM 4. Lamentándolo mucho, a estas alturas, lo único que podemos hacer es elucubrar sobre los personajes que tomarán el mando de la función en la cuarta entrega de la saga. Lo que sí sabemos es que en la tercera parta entrarán en escena nuevos personajes que podría ser que tomasen el testigo de los ya consagrados. Por ejemplo, sabemos que uno de los nuevos será Jimmie "The Rocket" Zara, al que dará vida Matt Prokop, al que todos recordaréis por su papel de Troy McCann en la serie Hannah Montana. Y entre las chicas, se sabe que se unirá al grupo Tiara, una Mini-Sharpay a la que dará vida la actriz británica Jemma Mckenzie-Brown, conocida por su papel en la serie The Amazing Mrs Pritchard. Aunque estos novatos todavía tienen que demostrar su valía como miembros de HSM, todo apunta a que en sus manos podría estar el futuro de la saga.

Mientras, los todavía dueños de la función empiezan a dar muestras de que su ciclo va llegando a su final. Por ejemplo, Ashley Tisdale reconoció recientemente que “amamos High School Musical, pero sentimos que tenemos que evolucionar. HSM siempre formará parte de nosotros. Hemos pasado un montón de cosas juntos, como ganar un Emmy y un premio Billboard. ¡Es algo que nunca olvidaremos!”. Suena a despedida, ¿no?

¿Cómo lo veis vosotros? ¿Se os ocurre algun actor de la joven camada de Disney Channel capaz de llenar el vacío que dejará Zac Efron? ¿Es posible un High School Musical sin Troy, Gabirella, Sharpay, Ryan y demás?

Nadie pone en duda que M. Night Shyamalan es uno de los referentes fílmicos de la última década. Desde que dejó a medio mundo boquiabierto gracias a las travesuras narrativas que puso en práctica en El sexto sentido, este realizador nacido en la India en 1970 pero criado en un barrio pijo de Philadelphia, Estados Unidos, se ha convertido en uno de los chicos de oro de la industria de Hollywood. Sin embargo, como en sus películas, parece que no todo es agua clara a la hora de evaluar su cine. Mientras algunos le consideran un genio de la pluma y la cámara, heredero de los grandes narradores del Hollywood clásico, otros le achacan su debilidad por las trampas de guión y un sentido vacuo de la parafernalia visual. Vamos, que los que no los soportan, lo acusan de ser un simple prestidigitador al que se le ven los ases debajo de la manga. Por su parte, los que caen embelesados con cada una de sus fábulas sobre el miedo y el terror, parece que cada vez tienen menos argumentos para defenderse contra el evidente encasillamiento en el que parece estar aposentado Shyamalan. Que si enigmáticos peligros, que si la sorprendente (y cada vez más predecible) vuelta de tuerca final, que si familias en peligro, que si musiquillas inquietantes, que si rimbombantes movimientos de cámara. En fin, M. Night Shyamalan, ¿genio o farsante? ¿Chico prodigio o mago de feria? ¿Prodigioso creador de cuentos sobre las raíces del miedo o estafador equipado con trucos vistosos y mediocres? ¿Esperáis con ansia su nueva película, El incidente, protagonizada por Mark Whalberg, o ya os habéis cansado de sus misterios y engaños?

En El incidente, nos volvemos a encontrar con los habituales ingredientes de la fórmula Shyamalan: el miedo a lo desconocido, familias en crisis, un toque apocalíptico, la vulnerabilidad del entorno cotidiano, adultos con niños… En este caso (como casi siempre) todo comienza sin previo aviso. Parece surgir de la nada. En cuestión de minutos, en las principales ciudades de Norteamérica se producen casos de extrañas y escalofriantes muertes que desafían cualquier explicación. ¿Qué está causando este repentino y total colapso del comportamiento humano? ¿Es algún nuevo tipo de ataque terrorista, un experimento fallido, una diabólica arma tóxica, un virus fuera de control? ¿Se transmite por el aire, a través del agua… cómo? Para Elliot Moore (Mark Whalberg), profesor de ciencias de un instituto de Filadelfia, lo más importante de todo es encontrar el modo de escapar de este misterioso y letal fenómeno. Aunque él y su mujer Alma (Zooey Deschanel) están atravesando una crisis en su matrimonio, se ponen en camino, primero en tren, luego en coche, acompañados de Julian (John Leguizamo), un amigo de Elliot que es profesor de matemáticas, y Jess (Ashlyn Sanchez), la hija de éste, que tiene ocho años de edad. Se dirigen a Pennsylvania, donde esperan estar a salvo de los horribles y cada vez más frecuentes ataques. Aunque muy pronto queda claro que nadie está seguro en ninguna parte.

Puede que hace unos años, este enigmático planteamiento nos hubiese parecido sugerente, sin embargo, después de las archiconocidas maniobras que su director llevó a cabo en Señales, El bosque y La joven del agua, la cosa empieza a parecer demasiado manida. ¿Recordáis la primera vez que visteis El sexto sentido? ¿El shock provocado por el giro final? ¿El enganche y la inquietud que provocaba aquello de “en ocasiones veo muertos”? Entonces, Shyamalan destacaba por su sobrio sentido del suspense y la intriga, su deslumbrante dominio de todos los aspectos de la puesta en escena (encuadre, planificación, fotografía…), y su sensibilidad a la hora de afrontar la cara más vulnerable del ser humano. El protegido, para muchos su mejor película hasta la fecha, convirtió a Bruce Willis en un héroe que basculaba entre el cómic y la realidad. Con este filme, el director de origen indio llevó hasta las últimas consecuencias uno de los principios básicos del cine fantástico: mantenerse siempre en la cuerda floja entre la realidad y la fantasía. Entonces llegó Señales, con el santurrón (¿o diablo?) Mel Gibson, y empezó a hacerse evidente la fascinación de Shyamalan por las tramas de resonancias religiosas. La cosa empezaba a ponerse fea. Fue con El bosque cuando los defensores y detractores del director radicalizaron sus posturas. Para los fans, Shyamalan había construido el testimonio definitivo acerca de la fabricación del miedo, mientras los oponentes acusaban al director de repetirse más que el ajo, cada vez con menos gracias y más arrogancia y ambición. Finalmente, La joven del agua no convenció a nadie. Y punto.

Ahora, con El incidente, Shyamalan aspira a reconciliar a todos aquellos que vieron en él, cuando realizó El sexto sentido, a un tipo con una visión refrescante del género fantástico. ¿En qué bando estáis vosotros? ¿Os fascina el imaginario del director de El protegido o ya os habéis cansado de sus jugarretas? ¿Cuál es vuestra película favorita de las que ha dirigido? ¿Le daréis una nueva oportunidad con El incidente?

Comparten delgadez, glamour y un cierto halo chic, pero ¿pueden compararse en belleza, talento y encanto Keira Knightley y la mítica Audrey Hepburn? Habrá quienes piensen que sí, que la Knightley es la más digna sucesora de la delicadeza carismática y la elegancia sutil que caracterizaba a la Hepburn, icono del estilismo y actriz poderosa. Sin embargo, también habrá los que creen que la nueva flacucha del cine británico no le llega a la protagonista de Desayuno con diamantes a la suela del zapato. Sea cual sea el veredicto final, el tema parece de lo más controvertido. Una apuesta de riesgo, nos atreveríamos a afirmar. Más claro parecen tenerlo los directivos de la industria de Hollywood, que ya han dado el visto bueno a la contratación de la Knightley para la nueva adaptación del musical My Fair Lady, que hicieron mítico en la gran pantalla Rex Harrison, en el papel del estricto y flemático doctor Henry Higgins, y, como no, la gran Audrey Hepburn, interpretando con descaro y gracilidad a la inolvidable Eliza Doolittle. Todo esto sucedía en la película que dirigió en 1964, con pulso maestro y todavía bajo el influjo del Hollywood clásico, George Cukor. ¿Es posible imaginar a una substituta para Audrey Hepburn en el papel de Doolittle? ¿No sería mejor dejar intacto el recuerdo del musical de Cukor?

Pensemos lo que pensemos, los estudios Columbia Pictures y CBS Films ya han decidido llevar a cabo la producción del nuevo musical, cuya historia relata la transformación de una joven de clase obrera en toda una dama, un texto inspirado en "Pygmalion", de George Bernard Shaw. Según la publicación especializada Variety, la nueva adaptación respetará los escenarios y el contexto originales, situando la historia de nuevo en 1912, y contará con la partitura y el texto original de Alan Lerner y Frederick Lowe. Al parecer, los productores pretenden rodar en Londres, al contrario que lo ocurrido en el filme de Cukor, grabado completo en estudios de Hollywood. Según se desprende de las palabras del co-presidente de Columbia Pictures, Doug Belgrad, el estudio parece convencido de la rentabilidad artística del proyecto: "Esta actualización preservará la magia del musical, dará importancia a los personajes y revivirá el Londres de 1912 de forma auténtica y excitante". Mientras que Duncan Kenworthy, otro de los productores del filme (que ya trabajó con Knightley, de 23 años, en Love Actually - 2003) se ha referido a la rentabilidad comercial de la nueva adaptación: "Pasados cuarenta años (desde la película de Cukor), estamos seguros de que honraremos a Shay y Lerner al mismo tiempo que entretendremos al público contemporáneo en todo el mundo".

¿Conseguirá Knightley sobreponerse al peso que significa cargar con el recuerdo de Audrey Hepburn sobre las espaldas? Recordemos que esa misma losa fue la que hundió la carrera de otra prometedora actriz británica, Julia Ormond, cuando intentó reencarnar a Sabrina en la versión de 1995, junto a Harrison Ford. Es más, no se trata sólo de Hepburn. El personaje de Eliza Doolittle ya tuvo una importante trayectoria teatral de la mano de la también inolvidable Julie Andrews (Sonrisas y lágrimas, Mary Poppins). ¿Podrá Keira con todo ello?