No cabe duda de que vivimos un periodo de resurrecciones, un tiempo en el que los viejos mitos renacen de sus cenizas de los modos más diversos y sorprendentes. Primero fue el gran Sylvester Stallone, que selló su renacer gracias a la apelación a los personajes que habían forjado su leyenda: Rocky y Rambo. Luego le llegó el turno al idolatrado y olvidado Jean-Claude Van Damme, “los músculos de Bruselas”, que regresó al limbo del reconocimiento popular gracias al poder tan honesto como auto-paródico de su entretenida J.C.V.D. Tras estos dos ejemplos de reinvención personal, la pregunta que planeaba en el aire resultaba evidente: ¿Quién será el próximo héroe de acción en sorprendernos con un giro radical? Y aquí tenemos la respuesta: Steven Seagal, el hombre del gesto impertérrito. Cansado de arrastrarse por película de ínfima calidad cuyo destino era el mercado del DVD, se ha embarcado en un proyecto entre curioso y disparatado: un reality titulado Steven Seagal: Lawman (algo así como Steven Seagal: el hombre de la ley).

 

Nacido el 10 de abirl de 1951, mito del cine de acción de los 90 (ahí quedan para el recuerdo películas como Por encima de la ley, Alerta máxima, Decisión crítica o El último patriota), maestro de las artes marciales (cinturón negro 7º dan en Aikido además experto en Kendō y Karate) y ¡guitarrista de blues y country! (es el líder del grupo Steven Seagal y los Thunderbox), Steven Seagal ha decidido dar carpetazo a una época dedicada a la infra-producciones cinematográficas y meterse de lleno en el mundo de los reality shows. Según puede leerse en la página web Joblo, el programa estará ambientado en Nueva Orleáns y seguirá a Seagal en sus tareas de “ayudante del Sheriff”.

 

Totalmente volcado en el proyecto, Seagal se ha comprometido a trabajar una temporada en la policía de su pueblo natal Jefferson Parish, Louisiana. Al parecer, el programa seguirá al mítico e inexpresivo actor en sus labores diarias, tanto dentro como fuera del cuerpo de policía. El mismo Seagal ha declarado: "He decidido embarcarme en este proyecto porque creo que es importante mostrarle a nuestra nación el buen trabajo que se está llevando a cabo aquí en Louisiana. Me parece relevante que el público vea la passion y el compromise con el que trabaja la oficina del Sheriff de Jefferson Parish, más aún en las difíciles circunstancias en las que quedó el estado después del paso del huracán Katrina”.

 

Según las mismas informaciones, el show se emitirá a finales de 2009 y, como ya hemos apuntado, contará con momentos estelares de la vida personal del actor, como por ejemplo sus actuaciones musicales o su participación en actividades caritativas. Desde ya, el programa de televisión más esperado del 2009.

Como si se tratara de un proceso de canonización, la figura de Heath Ledger está a punto de embarcarse en una pugna épica: la carrera por el Oscar. Puede sonar algo siniestro, y no tanto por el papel de Joker en El caballero oscuro, que ha propulsado a Ledger hasta las posibilidades de Oscar, sino por el hecho de que el premio pueda llegarle, como ya todo el mundo sabe, de forma póstuma. El actor, fatalmente fallecido el pasado 22 de Enero por culpa de una sobredosis accidental de medicamentos, no podrá asistir así a los múltiples esfuerzos que va a realizar el estudio Warner para conseguir la estatuilla.

 

¿Y cuál ha sido el pistoletazo de salida para esta particular carrera? Pues, en primer lugar, su nominación al Globo de Oro como Mejor Actor Secundario por su papel de Joker en Batman, y en segudno, un anuncio aparecido en la revista Variety donde se “recuerda” a los miembros de la Academia de Hollywood el papel. Se trata de un anuncio de los conocidos como “For Your Cinsideration”: páginas de publicidad que los estudios compran en los medios masivos para proyectar la imagen victoriosa de sus caballos ganadores. En el caso de Ledger, el anuncio nos lo muestra quitándose la máscara del Joker, una imagen a la que acompaña una pieza de la crítica de la película de Richard Corliss para la revista Time: “Heath Ledger está magnífico. El Joker, encarnado con escalofriante autoridad por el autor, es simplemente uno de los más retorcidos e hipnóticos villanos de la historia del cine”.

 

Quedan por delante unas fechas decisivas para el devenir de los próximos Oscar. El día 26 de diciembre se envían las papeletas para los miembros de la Academia y el 12 de enero se cierra el plazo de recepción de votos. Los nominados se conocerán el 22 de enero. Según la actual rumorología, Ledger deberá enfrentarse con una serie de reputados actores para alzarse con el premio, entre los que cabe destacara a Michael Shannon en Revolutionary Road, Philip Seymour Hoffman en Doubt, John Malkovich en El intercambio, Ralph Fiennes en La duquesa, John Malkovich y Brad Pitt en Quemar después de leer y Robert Downey, Jr. en Tropic Thunder. ¿Se llevará el Oscar Ledger?

 

Haciendo un breve repaso a la historia de la relación entre Heath Ledger y los premios Oscar, cabe destacar que ya fue nominado en la categoría de mejor actor por su sobria interpretación de cowboy gay en Brokeback Mountain, pero ese año fue Phillip Seymour Hoffman quien se alzó con la estatuilla por su recreación de Truman Capote. En esta ocasión, los rumores de nominación póstuma apuntan a la categoría de Mejor actor secundario por un papel mucho más excesivo e histriónico. Si finalmente Ledger logra la nominación, el actor entraría en la lista de nombres que han sido aspirantes al Oscar de forma póstuma, en la que se incluye a Spencer Tracy (por su papel en Adivina quién viene a cenar esta noche), Massimo Troisi por El cartero, y James Dean por Al este del edén y Gigante. Aunque el único actor que lo ganó de forma póstuma fue Peter Finch por su papel como Howard Beale, “el profeta loco de las ondas”, en Network.

 

Todo está listo para que arranque una de las carreras por el Oscar más apasionantes de los últimos años, con mucho morbo incluido y si la huelga de actores no lo evita, claro.

Un nubarrón planea sobre Hollywood: una nueva amenaza de huelga. Si a finales del año pasado los guionistas de la meca del cine ponían la industria patas arriba con su muy publicitada huelga, en esta ocasión el tumulto que puede generarse apunta a bomba informativa. Y es que esta vez los que van a la huelga son los actores, la cara visible del “entertainment”, aquellos que nutren de glamour una industria que vive de la imagen. Todos tenemos en la memoria las imágenes que circularon de la huelga de guionistas: los piquetes de escritores en los que brillaba, esporádicamente, la presencia de algún actor popular (como Ben Stiller, Jack Black, Tim Robbins o Katherine Heigl). Sin embargo, esta vez podemos asistir a auténticas comitivas de estrellas escudadas tras pancartas reivindicativas. Una imagen que los estudios quieren evitar a toda costa.

 

¿Y si las estrellas de Hollywood se fueran a la huelga? Las repercusiones serían obvias: paralización inmediata de rodajes de películas, series y programas de televisión. Y muy probablemente, toda la temporada de premios se hundiría debido a la ausencia de estrellas. ¿Alguien puede imaginarse unos Oscar sin la presencia de la galaxia hollywoodiense? Se calcula que la huelga de guionistas del año pasado, que se alargó durante 100 días, le causó a la industria unas pérdidas de 2.500 millones de dólares, y ya se especula que la huelga de actores tendría un impacto mucho mayor.

 

La tensión actual entre los sindicatos de actores y los estudios de Hollywood es máxima. Tras dos días de reuniones y 27 horas de intensas negociaciones, la Alliance of Motion Picture & Television Producers (AMPTP), asociación que agrupa a los grandes estudios y productoras de Hollywood, y el Screen Actors Guild (SAG), el sindicato mayoritario de actores que agrupa a unos 120.000 intérpretes estadounidenses, fueron incapaces de llegar a un acuerdo. Ahora los actores votarán, a través de un referéndum, si van o no a la huelga.

 

Según informa Europa Press, el principal caballo de batalla en este tira y afloja entre la SAG y los productores es, como también lo fue en el caso de los guionistas, la difusión de películas, series y programas de televisión en Internet. Un suculento pastel del que los escritores ya consiguieron su porción tras la huelga y del que los actores también quieren su parte. Según el sindicato de intérpretes, "la otra parte sigue insistiendo en unos términos que no podemos aceptar en nombre de nuestros miembros. Seguiremos intentando evitar una huelga, pero ahora más que nunca no podemos permitir que los productores jueguen con nuestras carreras", afirmó la SAG en un comunicado.

 

Lo cierto es que el fracaso de las negociaciones entre actores y productores no ha pillado a nadie por sorpresa. De hecho, la junta directiva del SAG, formada por 71 miembros, ya había dado al comité negociador la autorización para iniciar un referéndum para que sus afiliados decidan si van o no a la huelga. Para que la huelga tenga lugar deberá ser apoyada al menos por el 75 por ciento de los votos y será la junta directiva de la SAG la que en última instancia decidirá los términos de la convocatoria.

 

Lo dicho, la tensión es máxima y los próximos días serán cruciales para dilucidar el devenir de los acontecimientos. En el horizonte, una amenaza mayor: la posibilidad de que Hollywood se embarque en la mayor crisis desde la disolución de los estudios de la era clásica.

Parecía cantado. Todos los rumores apuntaban a que tenía que ser Heath Ledger, gracias a la muy pronosticada nominación póstuma por su papel de Joker en El caballero oscuro, el que debía atraer la máxima atención mediática de la próxima gala de los Oscar. Sin embargo, ha aparecido en el horizonte una contrincante con la suficiente entidad para robarle el protagonismo a Ledger: ni más ni menos que Miles Cyrus, referente absoluto del universo de la fama juvenil gracias a su papel de Hannah Montana en la serie de Disney Channel que lleva el nombre de su personaje. Pues bien, cuando todavía quedan un par de meses para que se anuncien las candidaturas a los premios (el 22 de enero) y otro más para conocer a los ganadores, ya se empieza a hablar muy seriamente que la joven Cyrus podría estar nominada en la categoría de mejor canción original gracias al tema que interpreta para la película Bolt, el nuevo filme de animación de la factoría Disney, el primero bajo la batuta de John Lasseter, padrino de la empresa Pixar.

 

Está claro que no hay quien pare a esta jovencita, que el próximo domingo cumplirá los 16 años de edad, y que todavía no vislumbra un límite para su carrera. En Bolt, que se estrena este fin de semana en Estados Unidos, la chica más idolatrada del universo teen se estrena como dobladora de películas de animación y comparte cartel con John Travolta. Además, aprovechando sus talentos musicales, y como no podía ser de otro modo, Cyrus ha escrito una canción para la banda sonora de la cinta, que responde al título de 'Thought I Lost You'. Y antes incluso del estreno de la película se ha desencadenado un vendaval de rumores que apuntan a que el tema será candidato al Oscar, algo que no es de extrañar teniendo en cuenta que, históricamente, esta categoría ha estado dominada por las películas de Disney. De hecho, puede que uno de los contrincantes más sólidos de Cyrus sea Peter Gabriel, con su canción Down to Earth para la película WALL-E.

 

John Travolta, que se ha atrevido a comparar el talento de Miley con el de Olivia Newton-John, su compañero de reparto en la mítica Grease, ha declarado que la canción de Miley “es algo grande: la letra, la melodía, los coros… Ella tiene mucho talento para escribir, así que quiso escribir un tema para mí y mi personaje (el perro Bolt). Se fue y volvió con algo muy bueno. Creo que lo ha conseguido, sé algo de música y sé que va a llegar lejos". Por su parte, John Lasseter, encantado con la química surgida entre el dúo de estrellas, ha declarado: "La canción resume el tema de la película: un perro y su amo son separados, pero el amor entre ellos es muy grande y se vuelven a reunir". Y bien, ahora a los fans de Miley sólo les queda esperar y soñar con una fantasía posible: ver a Cyrus cantar delante del escenario del Kodak Theatre, donde el 22 de febrero se realizará la gala de entrega de los próximos Oscar.

Listas, listas y más listas. Nos encantan las listas, qué duda cabe, uno de los grandes pasatiempos del buen cinéfilo. Y por eso hoy os acercamos una lista totémica, ambiciosa, canónica y, sobretodo, sorprendente. Se trata de un ranking con las ¡500! mejores películas de la historia que recientemente ha publicado la revista británica Empire. Una lista formada a partir de las opiniones de 10.000 lectores, 150 miembros de Hollywood y 50 críticos. En este sentido parece claro que el ranking pretende ajustarse, en mayor medida, a “la voz del pueblo”. Como no queremos bombardearos a títulos, centraremos nuestro análisis en las 50 primeras películas de la lista, encabezadas por El padrino (1972) de Francis Ford Coppola. Primera sorpresa. ¡Por una vez en la historia no es Ciudadano Kane la primera de la clase! De hecho, la película de Orson Welles debe conformarse con el puesto nº 28.

 

De hecho, la victoria de Coppola sobre Welles es una buena indicación de por dónde van los tiros. No sería descabellado decir que estamos ante una lista más moderna de lo que nos solemos encontrar y, en ese sentido, los directores americanos surgidos en la década de los 70 se imponen a los clásicos. Por ejemplo, Martin Scorsese se lleva tres menciones en el Top 50 (Uno de los nuestros –nº 6-, Toro Salvaje -11-, Taxi Driver -17-), Francis Ford Coppola otras tres (El padrino -1-, Apocalipsis Now -7-, El padrino II -19-) y Steven Spielberg, nada menos que cuatro (En busca del arca perdida -2-, Tiburón -5-, La lista de Shindler -44-, E.T. -47-). Todos ellos magníficamente situados en los primeros puestos. El Top 5 se completa con otras dos películas que ya son mitos de la cultura popular. En el puesto 3, El imperio contraataca, episodio V de la saga galáctica de George Lucas (que también coloca su episodio IV, La guerra de las galaxias, en el puesto 22). Y en el 4, una relativa sorpresa: Cadena perpetua, de Frank Darabont, protagonizada por Morgan Freeman y Tim Robbins, una película que quizás no suele aparecer an las listas de los críticos, pero que por ejemplo es la considerada como mejor película de la historia por los votantes de la página web IMDB, una clara demostración de su tirón popular.

 

Para encontrar un auténtico “clásico” tenemos que ir hasta el puesto 8, donde está Cantando bajo la lluvia. Y es que si miramos el Top 10, la cosa sigue apuntando hacia la actualidad, sobretodo la década de los 90. En el puesto 9, encontramos el Pulp Fiction de Quentin Tarantino, y en el 10, El club de la lucha de David Fincher. Aunque si lo que buscamos es cine contemporáneo, lo más sorprendente es ver El caballero oscuro, el bombazo taquillero de Christopher Nolan en el puesto ¡15!, por encima de 2001: una odisea del espacio (16), Casablanca (18), Blade Runner (19) o Lo que el viento se llevó (31).

 

La revancha contra los clásicos se manifiesta claramente. El gran Alfred Hitchcock no aparece hasta el puesto 40, gracias a su magistral Vértigo, y John Ford, para muchos el mejor director de la historia del cine, autor de películas como Quién mató a Liberty Balance o El hombre tranquilo, ni siquiera consigue colarse en el top 50 (se ve relegado al puesto 164 por Centauros del desierto). Mientras, películas como La jungla de cristal (29), Regreso al futuro (23), El señor de los anillos: la comunidad del anillo (24), Heat (38), El gran Lebowsky (43) o Evil Dead 2: Terroríficamente muertos (49) campan a sus anchas en los primeros lugares del ranking. Otras curiosidades son que Stanley Kubrick coloca tres de sus películas entre las 50 mejores (2001 -16-, ¿Teléfono rojo? volamos hacia Moscú -26- y La naranja mecánica -37-), mientras la saga de Alien sale bien respaldada del ranking, conquistando los puestos 30 y 33, curiosamente con sus segunda parte, Aliens dirigida por James Cameron, superando a la original, Alien de Ridley Scott.

 

¿Y qué pasa con el cine español? ¿Hay algún rastro de nuestro cine en la lista de Empire? Pues poca cosa. Podría decirse que recogemos algunas migajas gracias a la presencia de Victor Erice, que se coloca en el lugar 93 gracias a El espíritu de la colmena, y Luis Buñuel, que consigue tres menciones en puestos altos del ranking gracias a Los olvidados (121), Viridiana (169) y Un perro andaluz (354). Por su parte, las filmografías de cineastas como Luis García Berlanga, Pedro Almodóvar, Juan Antonio Bardem o Alejandro Amenábar son totalmente desestimadas.

 

¿Qué os parece la lista? ¿Os falta algún título capital en el Top 10 p Top 50? ¿Qué os parece la ausencia de directores españoles como Almodóvar y Berlanga?

Lo más habitual es que a estas alturas de año empiecen a aparecer numerosas listas del estilo de “los personajes del año”, “los más poderosos/as”, “los más guapos/as”, “los mejor vestidos”... pero ya sabéis que a nosotros nos va el escándalo y la polémica, así que nada mejor que hacernos eco de una de las listas más suculentas que ha caído en nuestras manos en los últimos tiempo: “Los 50 más frígidos”. Sí, esto necesita de una explicación. Los de “frígidos” es un apelativo que le dedica la página web Film Threat a los personajes “más fríos” de Hollywood. Aquellos que han perdido la gloria de otros tiempo, aquellos que andan en horas bajas, de capa caída. Aquellas estrellas de las que ya estamos hartos, personajes que se han terminado haciendo infames y que atraen a los medios de forma injustificada. Pues eso, que por segundo año consecutivo os acercamos a los 50 Frígidos del año. La lista no tiene precio y guarda muchas sorpresas. Y si os animáis, ¿nos proponéis vuestros frígidos del año?

 

Pues bien, el rey de los frígidos según Film Threat es, ¡oh sorpresa!, Heath Ledger. No os lo toméis a mal. Los de la revista advierten que en esta ocasión el calificativo (frígido) podría traducirse más como “trágico” que como “gañán”. La cuestión es que Ledger estaba en la cúspide de su carrera, dejando como legado su tremebunda interpretación como el joker más maléfico de la historia (en El caballero oscuro). Sin embargo, su carrera se truncó bajo el efecto de los medicamentos, y su recuerdo quedará ligado a la triste idea de imaginar hasta dónde podría haber llegado. Luego, en el nº2 encontramos una elección más previsible, se trata de la saga de Star Wars. Los de Film Threat no se cortan y anuncian definitivamente que “Star Wars is dead”. Lucas intenta seguir sacando rédito (y dinero) de las migajas de la saga (la última: la serie de animación en 3D Clone Wars), pero está claro que ya no queda nada interesante por exprimir.

 

En el nº3 encontramos a Catherine Heigl, el típico ejemplo de actriz cuyo caché se infló como una burbuja, gracias a sus apariciones en Anatomía de Grey y Lío embarazoso, pero que sin embargo pronto se deshinchó para caer en el olvido. La demostración: el fracaso de 27 vestidos. En el cuarto lugar de la lista encontramos una elección curiosa: Jason Friedberg y Aaron Seltzer. Para los de la página web: “Lo peor que le podía pasar al cine”. Esta pareja son los responsables de llevar el cine de parodias a un estrato subterraneo gracias a infra-filmes como Disaster Movie, Casi 300 o Epic Movie. ¿Hace falta decir más? Finalmente, el top 5 se completa con Carmen Electra, una actriz que ha conseguido lo que parecía imposible: hacer que Pamela Anderson parezca una actriz con rumbo y criterio.

 

La lista no termina ahí. En los puestos 6 y 7 encontramos a una dupla que en su día era el no va más, los legendarios Al Pacino y Robert de Niro, que en 2008 nos entregaron una de las peores películas del año, Asesinato justo, la plasmación definitiva de su evidente debacle. En el 8 encontramos a Justin Timberlake, que aunque es considerado por los de Film Threat como un buen actor, también posee el título del peor eligiendo proyectos. La lista de películas habla por sí misma: “Alpha Dog,” “Southland Tales,” “Black Snake Moan,” “The Love Guru”. En el 9 nos encontramos a Jessica Alba, una de las chicas más sexys del planeta y al mismo tiempo una de las peores actrices del universo. Y para rematar el TOP 10, en una elección de lo más provocadora, apareces “TU”, aunque aquí se hace referencia al público norteamericano, que colocó a la película "Beverly Hills Chihuahua", una película protagonizada por ¡chihuahuas! En el nº1 de la taquilla durante dos semanas consecutivas.

 

La lista sigue dando caña a actores de capa caída o desaparecidos en combato. A destacar, las presencias de Kirsten Dunst (11), Mike Myers (12), Jason Biggs (14) o Scarlett Johansson (13), a la cual su reciente matrimonio no parece haberle sentado demasiado bien de cara a su carrera fílmica. En el puesto 16 encontramos a los hermanos Wachowski, que se llevan el honor de haber dirigido el mayor fracaso de taquilla de la temporada: Speed Racer. Seguimos: Nicholas Cage en el puesto 17 (con el premio al peor peinado). En el 18, Keira Knightley, la más estirada, y en el 20, M. Night Shyamalan, el más pretencioso y aburrido, gracias a su película El incidente. Entre los 50 aparecen también leyendas como Meryl Streep (24) a la que no se le perdona su participación en ese “festival de la vergüenza ajena” llamado Mamma Mia!, Harrison Ford (27), que decepcionó a muchos en su regreso como Indiana Jones, o Julia Roberts (28), una actriz que, tras su retiro de maternidad, no ha sabido remontar el vuelo. Los últimos nombres a destacar serían los de George Clooney (35), Russell Crowe (36), Natalie Portman (42) y Renee Zellweger (25), un cuarteto de actores que necesitan imperiosamente un super-éxito de taquilla para volver al primer plano de Hollywood.

 

Y así está el tema. ¿Qué os parece? ¿A quién incluiríais vosotros en la lista de los más frígidos/infames/helados de Hollywood?

Sólo hace falta echarle un vistazo a una de las comedias más exitosas del año, Tropic Thunder, una guerra muy perra, para darse cuenta de lo aficionados que son los humoristas norteamericanos a la autoparodia. El concepto es claro, transparente: hay pocas cosas más saludables e hilarantes que reírse de uno mismo. En Estados Unidos, más que una tendencia o una moda, deberíamos hablar de una tradición. Un ejemplo claro: en el programa de humor más antiguo y popular de la televisión norteamericana, el Saturday Night Live (cantera de cómicos como Will Ferrell, Adam Sandler o Bill Murray), cada semana un personaje famoso, habitualmente procedente del mundo del espectáculo, presenta el show y participa en los scetch en directo de los que consta el programa. Y no es nada raro, de hecho es norma habitual, que estos famosos participen en parodias en las que se ríen de sí mismos. Pues bien, para hacer las delicias de todos aquellos que disfrutan viendo a las estrellas de Hollywood hacer el payaso, aquí os traemos una lista de célebres y desternillantes videos:  

 

The Kevin Bacon Movie Club (para ver el video, clicar sobre el título)

 

¿Eres un fan acérrimo de películas míticas como Temblores, Línea Mortal, Apolo XIII, El último escalón o Juegos salvajes? Te presentamos el sueño de tu vida. Apúntate al “Kevin Bacon Movie Club” y recibirás de forma mensual las películas en DVD de Kevin Bacon. Aunque ahí no acaba la cosa. El plato fuerte del club es que será Kevin Bacon en persona quién se acerque hasta tu casa a hacerte entrega de sus películas. Y todavía más, se aposentará en tu sofá para ver la película contigo mientras se toma unas cervezas y te explica los pormenores y secretos del rodaje de la peli. (Qué decir. Kevin Bacon en todo su esplendor auto-paródico. Delirante)

 

Bruce Willis en High School Musical 3

 

Otro lugar habitual par alas parodies son los célebres programas yankis de variedades, presentados por showmans míticos como Jay Leno o, en este caso, David Letterman. Aquí, la historia se va de madre, hasta un punto surrealista, cuando Bruce Willis, invitado estelar del día, empieza a explicar su supuesto (y ficticio) cameo en High School Musical 3, donde comparte escena musical junto al héroe teenager Zach Efron. El punto álgido llega cuando vemos la secuencia en cuestión. Ver para creer.

 

I’m fucking Matt Damon

 

He aquí una de las cúspides absolutas de los “videos de coña” realizados por famosos actores de Hollywood. Lo que podéis ver en este video es la maliciosa broma que le gastó Sarah Silverman (una de las humoristas norteamericanas más famosas) a su novio Jimmy Kimmel en un momento del programa de variedades que presenta este último. El título del video lo dice todo y, una vez visto, sólo cabe construirle un monumento a Matt Damon por prestarse a colaborar en esta original e ingeniosa payasada.

 

I’m fucking Ben Affleck

 

El video de Silverman y Damon trajo cola. Kimmel no se quedó de brazos cruzados ante las ofensas de su simpática y risueña novia. Como respuesta confeccionó un video todavía más contundente, ya que no sólo contó con la complicidad de Ben Affleck, íntimo amigo de Damon, sino que además organizó un coro estelar (al estilo del We are the World de Micheal Jackson) en el que aceptaron participar gente como Robin Williams, Don Cheadle, Cameron Diaz, Christina Applegate, Rebecca Romijn, Macy Gray o Harrison Ford. Y ojo al cameo de Brad Pitt como repartidor de Pizza. Lo dicho, un video memorable.

Comparten iniciales y la condición de fulgurantes iconos del cine de espionaje. Sin embargo, las diferencias entre James Bond y Jason Bourne saltan a la vista. De entrada, James Bond (interpretado por Sean Connery, Pierce Brosnan o, en última instancia, por Daniel Craig) ha sido siempre el referente absoluto del cine de espías. El espejo en el que se han mirado los demás. Por historia, carácter y estilo, Bond es el hombre: encantador, sexy, mujeriego, decidido y combativo. El agente 007 ha sido desde siempre la encarnación de los deseos íntimos de los hombres: pura testosterona en movimiento, permanentemente perseguido por mujeres cuyo único objetivo parece ser el de conquistar un lugar en su cama. Sin embargo, el largísimo reinado de Bond, extendido a lo largo de más de cuatro décadas, parece en peligro.

 

El contrincante: un espía reservado que sufre de amnesia y que responde al nombre de Jason Bourne (interpretado, en las tres entregas realizadas hasta el momento, por Matt Damon). Bourne es brusco y directo, y su estilo callejero no podría estar más lejos de los trajes de Armani (el sello Bond). Sin embargo, hay algo particularmente fascinante en Bourne: su oscuro pasado, su condición de héroe trágico, su vida en brumas y su ambigüedad moral, tan representativas del signo de nuestro tiempo. Si Bond juega la carta de la fantasía, Bourne encarna la plasmación realista y perturbadora de la vida del espía. Y bien, la pregunta está clara: ¿Cuál de los dos espías es vuestro favorito? ¿James Bond o Jason Bourne? ¿Os quedáis con el glamour de Bond o con la densidad dramática de Bourne?

 

En todo caso, para entender la actual relación entre Bond y Bourne, vale la pena prestar atención a la cronología de los acontecimientos. Cuando en el año 2002 se estrenó El caso Bourne, se puso la primera piedra de lo que sería considerada una reinvención del cine de espías. El nuevo héroe, Jason Bourne, se situaba en el mundo real (un lugar en el que los coches invisibles de Bond no tenían cabida) y debía enfrentarse a dilemas morales y conflictos de identidad. Pero entonces, en 2006, claramente influenciado por su neófito rival, un nuevo Bond nacía de la mano de Casino Royale. Un Bond con los pies en la tierra, más proclive al enfrentamiento cuerpo a cuerpo y menos dependiente de sus fantasiosos gadgets.

 

Desde entonces, la relación entre ambos personajes de ficción no ha hecho más que despertar rumores y comentarios de periodistas y críticos. El más habitual: el obvio acercamiento de Bond al perfil de Bourne. Un giro que, según varias fuentes, se sigue acentuando en Quantum of Solace, la nueva aventura del Bond al que encarna Daniel Craig. Un ejemplo: en su crítica para la revista Fotogramas, el crítico Jordi Costa apunta que las nuevas aventuras de Bond "avanzan ahora bajo los nubarrones del complejo de inferioridad frente a la saga Bourne". Es más, el crítico habla a las claras de la "frustración de ver a un mito noble emulando al desangelado héroe de una era sin identidad".

 

Los comentarios no parecen fuera de lugar, más aún cuando los productores de la saga Bond han decidido fichar para Quantum of Solace a uno de los máximos responsables de la factura visual de la saga de Bourne: Dan Bradley, experto diseñador y realizador de escenas de acción. En la misma Fotogramas, cuando se le pregunta a Daniel Craig acerca del fichaje de Bradley, el actor comenta: “No se trata de imitar a Bourne. Dan está aquí para hacer aquello que hace de maravilla. Y viene de trabajar en el nuevo Indiana Jones. ¿Quiere eso decir que intentamos imitar también a Indiana Jones? No tengo ninguna intención de entrar en una absurda competición con los fans de Jason Bourne”. La respuesta, muy a la defensiva, deja a las claras el complejo de inferioridad que empiezan a sentir los responsables de Bond respecto a la factoría Bourne.

A lo largo de 22 películas, la figura de James Bond, el agente 007 al servicio de su majestad, se ha instaurado en el imaginario del público como el héroe por antonomasia de la gran pantalla, el espía total. Durante más de cuatro décadas, la leyenda de Bond se ha forjado a través de los cuerpos de seis actores que han encarnado, en una amplia diversidad de registros, al agente secreto. Ahora que llega a nuestras pantallas la última aventura de Bond, Quantum of Solace, os presentamos un perfil de estos seis actores para que podáis responder a una simple pregunta: ¿Cuál es vuestro Bond favorito?:

 

Sean Connery: Simplemente Bond.

 

Desde James Bond contra el Dr. No (1962) hasta Nunca digas nunca jamás (1983, en realidad, una película no-oficial de Bond), pasando por clásicos como James Bond contra Goldfinger (1964) o Operación trueno (1965), Sean Connery encarna no sólo el origen del personaje, sino la cumbre de muchas de sus cualidades: elegancia, carisma, atractivo, contundencia. Connery era una bomba de testosterona en movimiento que, al mismo tiempo, sabía controlar su ímpetu y dotar al personaje de la sensualidad que lo ha hecho mítico. Puede que debido a ser el “Bond de los 60” sus artilugios y “gadgets” fuesen los menos sofisticados de la saga, pero qué es eso en comparación a la inigualable presencia que destilaba Connery. En fin, he aquí el actor al que casi todo el mundo considera el mejor Bond. Un gran actor para un personaje mítico, un personaje icónico que forjó a un mítico actor (finalmente, como haría Clint Eastwood con Harry Calahan, Connery, a lo largo de su carrera, consiguió deshacerse de la sombra de Bond y alcanzar cotas actorales de leyenda).

 

George Lazenby: Hubo una vez un Bond

 

He aquí el actor del que se dice que nunca hizo una mala película de Bond, algo no tan difícil si se tiene en cuenta que sólo hizo una película de Bond: 007 al servicio secreto de su majestad (1969). Para muchos, el caso de Lazenby se erige como la oportunidad perdida de haber tenido a otro gran Bond. Por su corpulencia y su dominio de las artes marciales, Lazenby lo tenía todo para triunfar, sin embargo decidió abandonar la saga antes incluso de que su película fuera estrenada. ¿Por qué? Sus motivos siguen siendo un misterio. Se dice que el contrato para ser Bond era demasiado exigente, aunque también se especula con la posibilidad de que Lazenby no creyera en las posibilidades de Bond en la época del “flower power”. A la postre, Lazenby ha sido prácticamente olvidado y es el favorito de sólo unos pocos.

 

Roger Moore: San James Bond

 

De Vive y deja morir (1973) a Panorama para matar (1985), Moore es el Bond favorito de toda una generación de espectadores que creció viendo sus películas y que disfrutó de su desparpajo, aire flemático y sentido de la ironía. Para ellos, Moore es el más divertido y entretenido de los Bond. Sin embargo, Moore es también el más controvertido de todos los Bond. Tiene multitud de detractores, que consideran que el actor británico convirtió al personaje en una pantomima: una caricatura del agente secreto. Estos afirman que Moore no se tomaba el papel en serio y que sus doce años a la cabeza de la saga es un era para el olvido. Adorado u odiado, Moore no ha caído en el olvido.

 

Timothy Dalton: En la sombre del olvido

 

Dalton solo fue Bond en dos ocasiones: 007: alta tensión (1987) y Licencia para matar (1989). Por una parte, Dalton se ganó el apreció de los fans de la saga que no soportaban a Moore, sin embargo pronto resultó evidente que Timothy no tenía la presencia y carisma necesarios para ser un gran Bond. Los productores buscaron en él el opuesto a Moore y se les fue la mano: el Bond de Dalton era tan serio que nunca llegó a encarnar la esencia anti-heroica del personaje.

 

 

Pierce Brosnan: James Remington Steele Bond

 

Durante cuatro películas (de Goldeneye -1995- a Muere otro día -2002-), Pierce Brosnan pareció encontrar el equilibrio entre lo conseguido por Moore y Dalton, un Bond carismático y contundente (armado con la tecnología de la generación digital) que a la vez conservaba intacto un lúdico sentido irónico. Según los especialistas de la saga, el mayor problema al que se enfrentó Brosnan no tiene tanta relación con su interpretación como con las tramas de las películas que le tocó protagonizar. A estas alturas, todas las novelas de Ian Fleming ya habían sido adaptadas y Brosnan tuvo que enfrentarse a argumentos retorcidos, incluso ridículos. Para algunos, películas como El mañana nunca muere (1997) o El mundo nunca es suficiente (1999) son de las peores de la saga.

 

Daniel Craig: James Bond redux

 

¿Cuál era el futuro de Bond después de Pierce Brosnan? ¿Hacia dónde se dirigiría la saga? En una de las decisiones más arriesgadas que se recuerdan, los productores de la franquicia Bond contrataron a un tipo rubio, bajito y de ojos azules para ser el nuevo agente 007. Cabe recordar que en un principio nadie daba un duro por Daniel Craig. Los fans se manifestaron (en campañas de Internet) en contra de Craig y la incertidumbre se cernía sobre la saga. Sin embargo, el riesgo dio sus frutos. La recompensa: la película más taquillera de la saga Bond, Casino Royale (2006). Y encima, un amplio reconocimiento crítico que destacaba la capacidad de Craig para refundar el personaje y dotarlo de la ambigüedad moral de su tiempo. Una nueva era comenzaba. Lejos de las gracias de Brosnan o Moore, y a mucha distancia de la sensualidad de Connery, Daniel Craig ha sabido construir a un personaje diferente: arrogante, brusco, torturado. Un héroe con mucho futuro y una nueva misión a la vista: Quantum of Solace.

Que si los pechos más infames, que si las actrices menos sexys, que si los mejores y peores películas de la historia... la cuestión es no dejar de hacer listas, nuestro juego favorito. En esta ocasión le toca al turno a uno de nuestro géneros preferidos: el terror, aprovechando el estreno de 'Saw V', la última entrega de una de las sagas de terror más rentables de la historia del cine, esa que gira en torno al despiadado Jigsaw, reponsable de los crímenes más macabros e inverosímiles. La franquicia comenzó en 2004 y triunfó gracias al boca a boca y a un final no apto para cardiacos.

Así que hoy hemos decidido hacer un repaso con las películas de terror más “rentables” de la historia. Es decir, aquellas que han hecho una recaudaciones de taquilla más suculentas, aquellas que han convertido en sus creadores en multimillonarios, auténticas minas de oro con forma de celuloide. En cualquier caso, y como nos va eso del debate y la discusión, queremos saber qué os parece esta lista, realizada por la prestigiosa publicación financiera Forbes. Por ejemplo, ¿Qué os parece que la película de terror más rentable de la historia sea Tiburón? ¿Responde a su calidad? ¿O es que la peli de Spielberg fue un bluf que triunfó gracias a su gran campaña de marketing (la primera que utilizó la televisión como principal plataforma de difusión)?


Y eso es sólo el principio, porque la lista nos presenta veinte títulos, en un ranking que se ordena según las ganancias económicas conquistadas por cada cinta. Así, Tiburón encabeza la lista gracias a los 842 millones de dólares recaudados desde su estrena en las salas en 1975. La medalla de plata se la lleva otro mito del terror: El exorcista de William Friedkin, a la que el público, ansioso por ver el cuello de Linda Blair dar giros de 360 grados mientras despotricaba vilmente, le entregó sus 727 millones de dólares en taquilla. Ahí es nada. El top 3 se completa con una cinta mucho más reciente, aunque igual de espeluznante y popular. Imitada y parodiada una y mil veces, El sexto sentido es ya historia viva del género de horror y suspense, y con sus 378 millones de dólares se gana la merecida medalla de bronce. La lista, además, demuestra la eficacia del director M. Night Shyamalan a la hora de combinar terror y taquilla, ya que otra de sus películas, Señales, protagonizada por Mel Gibson, se encarama al sexto puesto de la lista. Así, entre los dos Shyamalans podemos encontrar dos películas pertenecientes a la época clásica de Hollywood, la versión de 1953 de La casa de cera y el más mítico filme del gran Alfred Hitchcock (con el permiso de Los pájaros): Psicosis. El público, ansioso por ver el misterio que se escondía tras la perturbadora personalidad de Norman Bates, acudió en masa al cine, facturando 280 millones de dólares.

Otro factor que certifica la lista es lo rentables que pueden llegar a ser las sagas de terror. Así, vemos que aparece en el ranking por partida doble el personaje de Hannibal Lecter, uno de los grandes psicópatas de la historia del cine de terror. Lecter coloca en el décimo puesto de la lista a la película que destapó el fenómeno, El silencio de los corderos, mientras su secuela, Hannibal, ocupa el siguiente lugar, el undécimo. También está presente en la lista la secuela de la líder del ranking: Tiburón 2 se coloca en séptima posición con 228 millones. De todos modos, no podemos afirmar que esta sea una regla de oro, ya que en la lista pueden encontrarse varias películas que han generado innumerables secuelas. Sin embargo, el ranking sólo hace constar la original, caso de Scream, Alien, La profecía o Halloween.

Y bien, ¿qué os parece a vosotros el ranking? ¿Os falta algún título fundamental en la historia del género? ¿Dónde está Evil Dead, Pesadilla en Elm Street o La noche de los muertos vivientes?  


1- Tiburón (1975) US$842 millones

2- El exorcista (1973) US$727 millones

3- El sexto sentido (1999) US$378 millones

4- La casa de cera (1953) US$332 millones

5- Psicosis (1960) US$ 280 millones

6- Señales (2002) US$258 millones

7- Tiburón 2 (1978) US$228

8- The Amityville Horror (1979) US$226 millones

9- Alien (1979) US$206 millones

10- El silencio de los corderos (1991) US$204 millones

11- Hannibal (2001) US$191 millones

12- Lo que la verdad esconde (2000) US$189 millones

13- La profecía (1976) US$188 millones

14- The Blair Witch Project (1999) US$182 millones

15- Entrevista con el vampiro (1994) US$165 millones

16- Seven (1995) US$151 millones

17- Scream (1996) US$148 millones

18- The Ring (2002) US$146 millones

19- Halloween (1978) US$132 millones

20- Dracula de Bram Stoker (1992) US$130 millones

Desde la esfera mediática nacional se nos ha vendido a bombo y platillo ese sospechoso titular que proclama que “España conquista Hollywood”. Y lo cierto es que no deja de ser sorprendente la confluencia de algunos talentos españoles en la nómina estelar de la meca del cine. Nombres que se han repetido y ensalzado hasta la saciedad: Bardem, Penélope, Banderas… Sin embargo, todo este universo de glamour, flashes y portadas de revistas de tendencias, suele ocultar otra realidad incontestable: existe un grupo de actores que apuesta por el salto internacional y no alcanza la cima de la industria, sino que queda en un segundo plano, carne de papeles secundarios de minúscula envergadura en producciones más o menos comerciales. En fin, las migajas de Hollywood. Una realidad constatable en dos producciones de próximo estreno en nuestro país: Appaloosa, el western coprotagonizado por Viggo Mortensen y Ed Harris, en el que Ariadna Gil tiene un pequeño papel, y la super-producción Quantum of Solace, 22ª aventura de James Bond, en la que Fernando Guillén Cuervo interpreta a un corrupto jefe de la policía boliviana. Dos interpretaciones secundarias que representan el reverso del estrellato hollywoodiense.

 

Pero como decíamos, la historia de saltos más o menos frustrados a esta tierra prometida llamada Hollywood es extensa. Como ejemplo paradigmático, sólo hace falta asociar un nombre a un proyecto. El nombre: Elsa Pataki, nuestra modelo/actriz acaparadora de portadas del corazón. La película: Snakes on a Plane, uno de los proyectos más ridículamente infames de la historia reciente de Hollywood. Una película hecha para ver a Samuel L. Jackson “cagarse” en unas “malditas serpientes”. Igualmente monstruosa, en varios sentidos, podría considerarse la aparición de nuestra Elena Anaya en la versión norteamericana del mito de Van Helsing, que protagonizaron en 2004 Hugh Jackman y Kate Beckinsale. La pobre Elena vio como su papel se veía reducido a una más en el mediocre desfile de monstruitos en el que se convirtió la película.

 

Es curiosa la reacción que suelen provocar estas apariciones entre el público, que se pregunta: “¿Qué hace este/a tipo/a en una peli como esta?” Y es que más que dignas colaboraciones, estas aportaciones españolas al universo de Hollywood podrían considerarse “cortocircuitos”. Más ejemplos. Una carta que ha sido jugada por múltiples actores españoles en su intento de conquista de Hollywood ha sido la “carta latina”. Como parece que los norteamericanos no saben distinguir demasiado bien entre el amplio espectro de acentos castellanos (no es raro ver a personajes supuestamente españoles hablando con acento mexicano o puertorriqueño), los actores españoles tienen la puerta abierta para encarnar a macarras cubanos, inmigrantes mexicanos o narcotraficantes colombianos (entre otros arquetipos carne de papel secundario). Por ahí se coló en el cine americano Banderas o Bardem, aunque otros se han quedado en el camino, como por ejemplo Luis Tosar, que hizo su pequeña incursión en Hollywood de la mano de Michael Mann (que ya había contado con Javier Bardem para Collateral) en Corrupción en Miami.

 

Aunque quizás el prototipo de actor que ha hecho carrera recopilando pequeños papeles en el panorama internacional, tanto norteamericano como europeo, ha sido Jordi Mollà. De Blow (2001), donde compartió cartel con Johnny Depp y una Penélope Cruz que, por aquel entonces, también recolectaba migajas de Hollywood, a The Alamo (2004), de Caravaggio (2007) a Elizabeth - La edad de oro (2007), películas históricas donde Mollà he encontrado un filón. Y más ejemplos: Eduardo Noriega en la ya olvidada En el punto de mira (2008), Santiago Segura y sus anti-cameos en las película yankis de su colega Guillermo del Toro (Blade II y la saga de Hellboy) o Unax Ugalde en la infame versión hollywoodiense de El amor en los tiempos del cólera (2007). Una larga historia que no cabe duda que seguirá apilando nombres de actores y actrices que en su intento de abrirse un camino hacia el estrellato internacional soñado deberán aceptar papeles minúsculos en producciones de segunda fila.

He aquí un nuevo lema aplicable al mundo actual: “¿Quieres hacerte famoso? Pues demanda a un famoso”. Dicha consigna, adoptada por toda clase de depredadores del famoseo, escritores de segunda fila y modelos con ansias de protagonismo (entre otras clases de parásitos humanos), ha sido llevada hasta un extremo absolutamente surrealista por el alcalde (Huseyin Kalkan) de una ciudad de 250.000 habitantes situada al noreste de Turquía que tiene la suerte (o desgracia) de llamarse Batman. Sí, sí, tal como suena: en un delirante ataque de orgullo pueblerino, el señor Kalkan, alcalde de Batman y miembro del Partido Democrático y Social pro-kurdo, ha decidido demandar al director Christopher Nolan y a Warner Bros por haber utilizado el nombre de su pueblo en la película El caballero oscuro sin consulta alguna. "Sólo hay un Batman en el mundo” ha declarado Kalkan, una sentencia que no habría desentonado en una película del tándem Berlanga-Azcona.

 

Primera sospecha: Nadie en el pueblo de Batman ha explicado todavía por qué han tardado tantos años en tomar cartas en el asunto, cuando el mítico hombre-murciélago apareció por primera vez en formato cómic en 1939, luego en la serie de televisión de 1966 y finalmente, en la gran pantalla, en la película de Tim Burton de 1989. Pocas dudas caben de que lo que ha hecho estallar el patriotismo local del señor Kalkan ha sido que El caballero oscuro está a punto de superar el billón de dólares de recaudación de taquilla en el mundo entero. Oportunismo mediático cruzado con un punto de hilaridad que recuerda a la cruel sátira “tercermundista” de aquella obra genial llamada Borat.

 

En fin, que el alcalde de Batman (un tipo que ya debe haberse convertido en ídolo de los teóricos del marketing) está preparando una serie de cargos contra Nolan y Warner Bros., que posee los derechos del personaje de Batman. Una demanda que, ojo al espeluznante dato, acusa al estudio de Hollywood de ser culpable de una ola de crímenes no resueltos y suicidios de mujeres provocados por el impacto psicológico sufrido por el éxito de la película. Cuesta creer que todo el asunto no sea más que una gran broma. Más quejas: algunos antiguos habitantes de Batman, el pueblo, declaran que han visto en problemas cuando han intentado utilizar el nombre de su pueblo para bautizar sus negocios en el extranjero. 

 

El alcalde de la ciudad, el insólito super-héroe de esta historia, esta trabajando en la búsqueda de evidencias de que el bautizo del pueblo fue anterior a la forja del personaje creado por Bob Kane para DC Comics en 1939. ¿Y qué dice Warner Bros a todo esto? “Sólo hemos oído hablar del asunto por la prensa. No nos consta ninguna acción legal en nuestra contra”.

 

Lo dicho, por más absurdo que pueda sonar, el señor Kalkan tiene a medio mundo hablando de su ciudad (capital de la provincia de Batman, una zona conocida por su importante producción petrolífera) y no sería extraño que en unas semanas o meses aparezca algún pueblo africano o asiático que responda al nombre de Superman o Aquaman. ¿Y por qué no un pueblo español llamado Spiderman? La realidad supera la ficción.

Como ya repasábamos hace unos días, podría decirse que existe una larga historia de amor entre la figura del presidente de los Estados Unidos y Hollywood. Una fascinación mutua que, dadas las circunstancias (la aplastante e histórica victoria de Barack Obama en las pasadas elecciones), nos obliga a plantearnos, y plantearos a vosotros, la siguiente pregunta: ¿Qué actor sería el más indicado para encarnar en la gran pantalla al primer presidente negro? ¿Quién debería interpretar a Obama en el cine? Las opciones son múltiples, y también los argumentos a favor y en contra de cada candidato. Lo que nos importa es vuestra opinión y para ellos os acercamos, a modo de orientación, a los nombres mejor posicionados:

 

Jaime Foxx: He aquí el candidato número 1. En cuanto a rasgos faciales, complexión física y juventud, ningún otro actor conjuga de un modo tan idóneo las cualidades que harían de él un gran Obama. Además, a pesar de estar pasando un pequeño bache, Foxx sigue aupado a la cumbre de Hollywood, con su Oscar por Ray todavía en el horizonte, con lo cual podría aprovechar su aura de gran estrella para insuflar el carisma necesario al papel de Obama.

 

Morgan Freeman: No hay duda que si uno piensa en un presidente negro en el cine la imaginación dibuja, de forma inconsciente, el rostro de Morgan Freeman. Además, podría argumentarse que tiene experiencia en el cargo, ya que fue el presidente de los Estados Unidos en Deep Impact. Sin embargo, existe un problema difícil de sobrellevar: el de la edad. Freeman es ya un veterano (de hecho, está a punto de interpretar a Nelson Mandela en el nuevo filme de Clint Eastwood) y parece difícil que pueda encarnar la pasión casi juvenil de la que hace gala Obama.

 

Denzel Washington: Otra opción cantada. Presencia, fuerza, carácter, carisma. Denzel lo tiene todo para ser un Obama estelar. Puede que la edad le empiece a pasar factura, pero con un buen programa de tonificación física, no hay duda de que Washington podría dar el tipo como el primer presidente negro.

 

Dennis Haysbert: Para muchos, la imagen de Haysbert como el presidente David Palmer en la serie 24 se erigió en síntoma profético de lo que iba a deparar la historia. Puede que la corpulencia de Haysbert tenga poco que ver con la atlética y fibrada complexión de Obama, sin embargo, en honor a la ficción, sería una gran noticia que “Palmer” se convirtiera en “Obama”.

 

Wesley Snipes: Lo cierto es que la carrera de Snipes poco tiene que ver con la seriedad de la que hace gala la figura de Obama. Sin embargo, para todos aquellos que piensan que el Harrison Ford de Air Force One es el mejor presidente americano de la historia del cine, seguro que se dejaría seducir por la imagen de Snipes como un Obama de armas tomar.

 

Terrence Howard: He aquí una opción más que interesante. Howard tiene personalidad, carisma y mucha presencia. Aúna la juventud del nuevo presidente con ese aire de figura emergente dispuesta a comerse el mundo. Howard ha demostrado su versatilidad en películas como Crash, Ray o Iron Man y no hay duda de que sería un magnífico Obama.

 

Don Cheadle: Otro clásico entre los actores negros de mediana edad. Además, visto en detalle, los rasgos faciales y corporales de Cheadle (su perenne sonrisa, su complexión más bien huesuda) podrían hacer de él un magnífico Obama. Puede que no hayan en su carrera demasiados papeles de “hombre respetable” (lo suyo son los perdedores o los “hombres de la calle”), pero aun así, Cheadle es un gran actor cuya versatilidad es difícil de poner en duda.

Como ya sucediera hace unas semanas a propósito del cara a cara entre Robert de Niro y Al Pacino en la película Asesinato Justo, la película Red de mentiras nos presenta varios dilemas a resolver. Por un lado, el más evidente: ¿Leonardo DiCaprio o Russell Crowe? Dos actores de fuerte personalidad e innegable talento que han encarnado a varios de los personajes más icónicos de la última década. Pero sin embargo, por otro lado, nos asalta una duda: ¿Estamos realmente ante un duelo en las alturas o ante el cara a cara de dos actores que empiezan a manifestar síntomas de agotamiento? Da la impresión de que DiCaprio y Crowe han perdido el vigor y carisma de otros tiempos y su presencia en pantalla ha dejado de ser ese elixir mágico que garantizaba el éxito arrollador. El mejor ejemplo nos lo ofrece la misma Red de mentiras, que es uno de los fracasos de taquilla más sonados de la temporada en Estados Unidos. La película, que había costado 70 millones de dólares, sólo fue capaz de recuperar 13 en su primer fin de semana, y fue superada (humillada) por Quarantine (el remake americano de REC) y Beverly Hills Chihuahua. Lo dicho, humillante.

 

En el filme, DiCaprio interpreta a Roger Ferris, el mejor agente de campo del que dispone el Servicio de Inteligencia de los Estados Unidos. En sus operaciones, la vida de Ferris depende a menudo de la voz que escucha al otro lado de una línea de teléfono segura, el veterano de la CIA Ed Hoffman (interpretado por Russell Crowe). Hoffman sigue la pista de un líder terrorista emergente que ha organizado una campaña de bombardeos, eludiendo a la más sofisticada red de inteligencia del mundo. Acción, suspense, personajes con carácter… un thriller de altos vuelos para el lucimiento de este pareja de super-estrellas. Por una parte, la solvencia, versatilidad y fiereza de DiCaprio, un intérprete que ha pasado de ser una cara bonita a convertirse en el nuevo actor fetiche de Martin Scorsese. Y por la otra Crowe: puro intinto y animalidad, pura fuerza camaleónica. Una presencia camaleónica que ha plagado de testosterona en estado puro el creciente cine norteamericano. ¿Cuál de los dos perfiles os interesa más? ¿Estáis con Crowe o con DiCaprio? ¿La agilidad de Leo o la fuerza bruta de Russell?

 

Y luego tenemos el otro dilema. ¿En qué punto de sus carreras se encuentran estos dos actores. ¿Ofrecen realmente síntomas de cansancio? ¿Empiezan a perder la chispa de otros tiempos? Aunque en ningún caso puede afirmarse que DiCaprio se encuentre de capa caída, sí que es verdad que sobre la figura del actor planea la sombra de una frustración: no haber conseguido el reconocimiento crítico, el estatus de gran actor. Da la impresión de que el chaval lleva años intentando sacarse de encima el calificativo de “cara bonita”, pero que no ha acabado de conseguirlo. Parece como si el chico necesitara imperiosamente un Oscar para saldar su autoestima (ha sido nominado tres veces, pero siempre ha perdido), algo que dudosamente conseguirá con películas como Red de mentiras.

 

¿Y qué pasa con Russell Crowe? Este sí que se llevó un Oscar gracias a Gladiator, dirigida por Ridley Scott (responsable de Red de mentiras). Sin embargo, Crowe parece haber perdido su aura de garantía para la taquilla. Hace tiempo que dejó de ser el último gran descubrimiento de Hollywood, y aunque su criterio para elegir proyectos es indudable (sólo cabe recordarle en grandes películas como Master and Comander: Al otro lado del mundo o American Gangster), también ha tenido sonados tropiezos (de Prueba de vida a Un buen año), empujado, seguro, por el ansia de éxitos fáciles. Si tuviéramos que definir la carrera de Crowe en este momento, la palabra más idónea sería “estancamiento”.

Aviso a los amantes del cine de acción, de los tipos duros y las artes marciales: vuelve Van Damme. Sí señor. Si el año 2007 marcó el regreso de Sylvester Stallone, con su memorable resurrección de Rocky Balboa, seguida de la reaparición de Rambo, el 2008 será recordado probablemente como el del renacimiento de “los músculos de Bruselas”, el “rey de Bélgica”: Jean-Claude Van Damme. Como toda gran historia de caída y resurrección, la trayectoria de Van Damme ha sufrido más desniveles que una montaña rusa. De marcar un hito en el cine de artes marciales de finales de los 80 y principios de los 90 (con películas tan míticas como Kickboxer o Soldado Universal), Jean-Claude cayó luego en el pozo de la droga, que lo condenó finalmente, a mediados de la presente década, a infra-producciónes destinadas al mercado del video. Van Damme parecía acabado, pero entonces apareció el director Mabrouk El Mechri con JCVD bajo el brazo, película que se estrena el próximo fin de semana en nuestro país y que nos devuelve al mejor Van Damme, pletórico de fuerzas y más irónico que nunca.

 

Pero hagamos un poco de historia. Van Damme nació el 18 de octubre de 1960 en Berchem-Sainte-Agathe, Bruselas. Empezó en las artes marciales a los 10 años, consiguió el cinturón negro en Shotokan karate y se alzó en dos ocasiones como campeón mundial en la categoría de peso medio. Luego, se convirtió en Mister Bélgica y, ojo al dato, a los 16 años tomó clases de ballet ("Si puedes sobrevivir a un entrenamiento de ballet, puedes sobrevivir a un entrenamiento de cualquier otro deporte"). Se inició en el cine en Europa, con películas como Lamenta Barbare (1984) o Monaco Forever (1984), aunque pronto decidió dar el salto al escenario internacional, a Estados Unidos, vía Hong Kong. En sus inicios en América tuvo que dormir en un coche alquilado y hacer trabajos de todas clases hasta que pudo empezar sus trabajos cinematográficos.

 

Sus primeros papeles fueron como villano, en películas como Retroceder nunca, rendirse jamás (1985) donde personificaba a un luchador soviético. El éxito le llegó finalmente de la mano de películas como Contacto Sangriento (1988) o Kickboxer (1989), donde patentó su particular estilo, caracterizado por su combinación de agilidad y contundencia. En 1992, Van Damme se consolidó como estrella de Hollywood gracias a Soldado Universal, aunque parte de la atención mediática se la llevaron sus enfrentamientos personales con Dolph Lundgren. Fue la época dorada de Van Damme, con filmes como Blanco Humano (1993), de John Woo, Sin escape: ganar o morir (1993), o Timecop: policía en el tiempo (1994), su mayor éxito comercial.

 

Pero entonces llegó el declive, que se inició con The Quest: en busca de la ciudad perdida (1996), película que protagonizó y dirigió y se estrelló en la taquilla. Fue entonces cuando se le diagnosticó un desorden bipolar y cayó en una fuerte adicción a la cocaína. Una época de escándalos públicos y fracasos artísticos: Double Team (1997), al lado de Dennis Rodman, Soldado universal: el retorno (1999)  o Van Damme´s Inferno (1999).

 

Padre de tres hijos y casado cinco veces, en dos ocasiones con su actual esposa, la físico-culturista Gladys Portugues, Van Damme parecía condenado definitivamente al olvido, sin embargo JCVD, película en la que se interpreta a sí mismo, nos devuelve a un actor que hace fuerzas de flaqueza y convierte sus debilidades (su edad, su frustración, su crisis) en virtudes, en parte de un juego narrativo trepidante y conmovedor. ¿Existe algo más emocionante que ver a un mito reivindicarse como ser humano? Confesión entre dramática y satírica, exorcismo del pasado, JCVD es la gran película de Van Damme que estábamos esperando.