1) ¿Qué hacía Phillip Seymour Hoffman con ese gorro? La única explicación razonable parece ser que el pobre Seymour confundió la gala de los Oscar con la ubicación de un atraco a mano armada. Imaginad a sus compinches tronchándose al verle por la tele, igual que el resto del mundo, por cierto. La otra versión dice que Hoffman confundió la ceremonia con un viaje para hacer esquí.

2) ¿Por qué le dieron el Oscar a Sean Penn en lugar de a Mickey Rourke? La verdad es que fue una de las pequeñas decepciones de la noche. Todos esperábamos el resurgir final de Rourke, subido al escenario, desgranándose la camiseta y dedicándole el Oscar, con la mano en el corazón, a su amado chihuahua. Eso sí, hay que reconocer que Penn es mejor actor.

3) ¿Por qué los Oscar parecen cada año más predecibles? No os da la impresión que cada año los Oscar parecen más una lista de premios cantados. Si lo de Sean Penn fue la sorpresa de la noche mal vamos. Lo cierto es que no hace falta echar la vista muy atrás (el año de Crash) para rememorar una gran sorpresa. Esperemos que la magia (la sorpresa) no termine de extinguirse.

4) ¿Quién engañó a Beyoncé con el vestido? Parece que hay estrellas que todavía no lo tienen claro: la belleza natural no es una garantía definitiva de elegancia. La pobre Beyoncé parece que se lo creyó y se presentó en la gala de los Oscar vestida con un modelito que rememoraba el tétrico universo de las “cortinas viejas”.

5) ¿Por qué no gusto Hugh Jackman a la crítica norteamericana? El tipo se entregó al 100%, cantó, bailó, dio espectáculo del bueno, y aún así la crítica le critica (valga la deundancia). “Jackman nunca irradió calor y estuvo desaparecido durante gran parte del programa", dijo un analista del periódico Los Angeles Times. Y al parecer, la prensa consideró insuficientes los esfuerzos del australiano, que calificaron como más propias de los musicales de Broadway que de un espectáculo de Hollywood. Lo que hay que leer.

6) ¿Volverá a sentirse alguna vez el nombre de "Alcobendas" en una ceremonia de los Oscar? Saldrá algún nuevo gran talento (después de Penélope Cruz) de la ya mítica localidad o habrá que contratar a alguna estrella norteamericana para que el nombre de Alcobendas siga resonando en el Kodak Theatre de Los Angeles.

7) ¿Por qué las jóvenes estrellas de Hollywood tienen tan poco estilo? Zach Efron enfundado en un smoking que le iba dos tallas pequeño, Miley Cyrus metida en un ostentoso vestido rematado con una perla de dimensiones gigantescas… los más jóvenes ya parecen viejos. ¿Se modernizará algún día la fiesta de los Oscar?

8) ¿Por qué parece que Steven Spielberg entrega el Oscar a la Mejor Película cada año? No sabemos si es un efecto óptico o un fallo en matrix (es decir, un deja vu), pero no tenéis la impresión que Spielberg aparece cada año para dar el premio final (a la postre el más soso, a esa hora ya está todo cantado).

9) ¿Por qué no presentó toda la gala Ben Stiller disfrazado de Joaquin Phoenix? Puestos a pensar en algo radical, ¿no hubiese sido genial que toda la gala la hubiese presentado Ben Stiller en plan barbudo, drogado, pasado de rosca e ido? Es verdad, puede que la gala hubiese sido un tanto lenta y errática, pero no hay duda de que hubiese sido la más lunática de la historia.

10) ¿Por qué las presentaciones de los Oscar a los mejores actores parecieron malas versiones de Full Monty y las de las mejores actrices malos “monólogos de la vagina”? A priori la fórmula prometía, pero entre la edad de algun@s de l@s presentador@s y la dificultad para leer el tele-promter (en el fondo, es el mismo problema) la cosa se fue alargando y se hizo más bien soporífera. ¿No creéis?

ESPECIAL OSCAR 2009 

Como nos debemos a la actualidad y a la rumorología, os traemos uno de los rumores más candentes que circulan por Internet, la red de redes. Sin embargo, también os queremos alertar sobre la frágil veracidad de esta información. La cuestión es que la web Cinematical se hace eco de la aparición, en un blog de nueva creación, de una lista en la que supuestamente constan los ganadores de la próxima edición de los Oscar. Es decir, una supuesta filtración. No es la primera vez que algo así ocurre. En el año 2000, la página web Ainitcoolnews publicó una lista de supuestos ganadores que a la postre se reveló falsa. En este caso, la filtración tampoco viene acompañada de los mejores condicionantes. En su contra, por ejemplo, juega el hecho de que fue publicada sólo un par de horas después de que finalizara el plazo de entrega de votos por parte de los académicos. ¿Es que todos esos votos se tabularon y contaron en menos de dos horas?

Y bien, tras las advertencias, y con la clara intención de tomarnos esta lista como un juego, entremos al trapo con los nombres de la lista. En primer lugar, debemos fijarnos en la categoría que más nos interesa: la de mejor actriz secundaria, donde compite Penélope Cruz. Y, muy a nuestro pesar, esta lista extra-oficial apunta a que la ganadora sería Amy Adams por su papel en La duda. Saltaría la sorpresa, ya que Adams no ha ganado ninguno de los premios importantes repartidos hasta la fecha. Esperemos que la información sea falsa.

Siguiendo con la lista, encontramos otras sorpresas, sobretodo en las categorías de guión, donde se adjudica el Oscar al Mejor Guión Original a la película Escondidos en Brujas (una de las que en principio cuenta con menos posibilidades) y el Adaptado a El lector. El resto de categorías dibujan un escenario más previsible, con Slumdog Millionaire como la gran vencedora de la noche, aunque sólo con tres premios, y El curioso caso de Benjamin Button como la gran perdedora con sólo dos premios en categorías técnicas. Ahora sólo queda esperar hasta el próximo domingo para comprobar si la supuesta filtración era verdadera o, más probablemente, falsa.

Película: Slumdog Millionaire

Dirección: Slumdog Millionaire

Actor protagonista: Mickey Rourke (El luchador)

Actriz protagonista: Kate Winslet (El lector)

Actor secundario: Heath Ledger (El caballero oscuro)

Actriz secundaria: Amy Adams (La duda)

Guión adaptado: El lector

Guión original: Escondidos en Brujas

Película de animación: Wall-E

Documental: Man on Wire

Película de habla no inglesa: Departures (Japón)

Banda sonora: Resistencia

Canción: Down to Earth (Wall-E)

Dirección artística: El caballero oscuro

Fotografía: Slumdog Millionaire

Diseño de vestuario: El curioso caso de Benjamin Button

Montaje: Mi nombre es Harvey Milk

Maquillaje: El curioso caso de Benjamin Button

Edición de sonido: Wall-E

Mezcla de sonido: El caballero oscuro

Efectos especiales: Iron Man

Cortometraje (animación): Presto

Cortometraje (acción real): Auf Der Strecke (On The Line)

Cortometraje (documental): The Conscience of Nhem En

Especial los Oscar 2009

En uno de sus maravillosos artículos de la serie Cinematical Seven, la web especializada en temas cinematográficos nos plantea las siete sorpresas que animarían la gala de los Oscar de este año. Lo cierto es que, ante la avalancha de diferentes premiaciones y la cantidad de análisis que se realizan sobre los premios de la Academia de Hollywood, uno tiene la impresión de que no existe margen alguno para la sorpresa en la velada más esperada de la temporada. Sin embargo, aunque sólo sea en nuestra imaginación, os presentamos aquí unas cuantas sorpresas que añadirían un poco de color a los Oscar. 

1. La ceremonia dura tres horas, o incluso menos. Parece una utopía. Los espectadores de la gala estamos condenados a permanecer delante del televisor durante un tiempo que casi siempre se hace eterno. La ceremonia más corta desde 1996 fue la de 2005 (la de Million Dollar Baby), que duró 3 horas y 14 minutos. Y tampoco es que estemos pidiendo una simple lectura de premiados. Nos gusta el espectáculo, pero mejor si es ajustado al sentido común. Si los de Hollywood insisten en que sus películas duren como mucho dos horas, ¿por qué someternos a estas galas-tostones descomunales? Por el momento, nos aferramos a una pequeña señal para el optimismo. Para algunos, que le pidieran a Peter Gabriel que interpretara su canción en 65 segundos puede ser una herejía. El propio Gabriel así lo ha considerado y ha declinado la invitación. ¿Será la primera señal de nuevos tiempos (más cortos) para la Academia? 

2. Anne Hathaway gana el premio a la Mejor Actriz. Todo apunta a que Kate Winslet romperá su maldición con los Oscar y se llevará el premio por una interpretación que es claramente secundaria. Que Hathaway se llevara el gato al agua sería un auténtico soplo de aire fresco. Su interpretación parece la menos premiable de todas las nominadas, sin embargo en ella converge talento, frescura, dramatismo e instinto. Y además, la película es una producción casi marginal que dignifica ese, en ocasiones, temible concepto que denominamos “independencia”.

3. Hugh Jackman resulta ser la mitad de entretenido que Ellen DeGeneres. La apuesta por Jackman apunta claramente a un cambio de estrategia. Menos chistes sofisticados e ingeniosos y más entertainment. Menos política y más diversión. En 2007, Ellen DeGeneres dio una lección sobre como presentar la gala con talento y elegancia, con ironía y chispa. Habrá que ver cómo se desenvuelve Jackman. ¿Será el chico algo más que una cara bonita?

4. No más montajes con imágenes. Vale, es obligatoria presentar el clip con los fallecidos durante el último año. Pero no más, por favor. Este punto es, de hecho, un corolario del apartado número 1. Y es que si la academia quiere recuperar a los espectadores perdidos, tendrá que ponerse las pilas. 

5. Josh Brolin gana el premio al Mejor Actor Secundario. Sí, todo el mundo espera el gran momento de la velada, cuando Heath Ledger recibirá el Oscar póstumo por el papel del Joker. Es innegable que el trabajo de Ledger en la película de Christopher Nolan es admirable, ¿pero seguro que es el mejor del año? ¿Hasta qué punto ha influido en todo esto el “factor póstumo”? En definitiva, todo parece demasiado previsible y morboso. ¿Y si ganase el mejor? Entonces el premio debería ser para Josh Brolin por su papel en Mi nombre es Harvey Milk.

ESPECIAL OSCAR 2009

Llega a nuestras pantallas El luchador (The Wrestler), película en la que asistimos a la resurrección fílmica de Mickey Rourke de la mano del personaje de Randy Robinson, una vieja estrella de la lucha libre que sobrevive en exhibiciones de gimnasios de instituto y en cuadriláteros de tercera categoría. Otra historia de combates psicológicos y físicos en la que un luchador convierte el cuadrilátero en un microcosmos en el que es capaz de reencontrarse con la dignidad y el orgullo. Y es que durante décadas, la lucha, el cuerpo a cuerpo, los golpes y las heridas, han formado parte integrante de la historia del cine, marcada a fuego por la presencia de inolvidables luchadores de las más diversas disciplinas. Para recordarlos y homenajearlos, os presentamos un pequeño acercamiento a la historia de los luchadores de cine. Vuestra tarea es la de decirnos cuál es vuestro favorito y si quizás nos dejamos en el tintero alguna figura que os parece esencial.

Boxeadores. Puede que sea esta la más legendaria, épica y cinematográfica de todas las disciplinas de lucha. Entre las cuerdas del ring, se han forjado tantas leyendas deportivas como fílmicas. Por ejemplo, revisando en la memoria, resulta imposible no esbozar un combate imaginario entre Rocky (1976) y el Jake La Motta de Toro Salvaje (1980), las películas que sellarían para siempre el aura legendaria de Sylvestre Stallone y Robert de Niro. Luego, más cerca de nuestro tiempo, encontramos otras películas sobre boxeadores, la mayoría de ellas basadas en historia reales (como ya lo era la de La Motta), como por ejemplo Huracán Carter (1999), en la que se recoge la lucha de Rubin Carter en el ring y en la cárcel (tras ser injustamente acusado de un asesinato). Luego tenemos Ali (2001), filme en el que un muy musculado Will Smith recreaba la historia del gran Muhammad Ali, o Cinderella Man (2005), donde Russell Crowe hizo justicia a la épica figura de James Braddock que además de contra sus contrincantes debió luchar contra la gran crisis financiera de los años 30 en Estados Unidos. Y para acabar, una mujer: la Maggie Fitzgerald (Hillary Swank) de Million Dollar Baby (2004), probablemente, la más valiente de todas y todos los luchadores mencionados.

Gladiadores. Esta es otra categoría de luchador que ha encontrado en el cine un tratamiento extenso y singular. Podría decirse que la edad dorada de los gladiadores cinematográficos fue el Hollywood clásico más megalómano, aquel de las grandes producciones históricas como Quo Vadis (1951) o Ben-Hur (1959). Así, la película que primero viene a la memoria al pensar en la figura del gladiador es, como no, la del Kirk Douglas de Espartaco (1960). Su valentía y tenacidad, así como su turbia historia personal y sentimental marcaron definitivamente un arquetipo que varias décadas después reviviría Ridley Scott para su Gladiator (2000), que se llevaría un buen puñado de Oscars e impulsaría definitivamente la carrera de Russell Crowe.

Artes marciales. He aquí los maestros de la técnica. La refinación del movimiento, la elegancia de la coreografía, la sensualidad de los ataques… todos estos componentes alcanzan su cénit expresivo en el cine de artes marciales. Repasar la lista de películas parece casi imposible, por inacabable, pero sí que parece necesario recordar a algunas figuras esenciales del género. El rey: Bruce Lee, quién sino. Y, entre los asiáticos, sus herederos, como Jet Lee o el más cachondo Jackie Chan. Luego en el bando occidental, tenemos a figuras como Steven Seagal o Jean-Claude Van Damme que arrancó muy fuerte en su carrera con grandes títulos como Contacto sangriento (1988), Kickboxer (1989) o Lionheart, el luchador (1990). Y para los nostálgicos de la adolescencia, siempre estará en el recuerdo Karate Kid (1984) con los inolvidables Daniel Larusso (Ralph Macchio) y el Sr. Miyagi (Pat Morita).

Luchadores mexicanos

ESPECIAL OSCAR 2009

El Oscar a la Mejor Película en 2006 esquivó al western homosexual "Brokeback Mountain" provocando sorpresa general, pero tres años más tarde los expertos se preguntan si la biografía del héroe gay Milk podría ganar en esta premiación muchas veces mojigata. Rodada por Gus Van Sant, "Mi nombre es Harvey Milk" narra el destino del primer político estadounidense abiertamente homosexual que fue elegido en un cargo público en San Francisco en los años 1970.

La obra que ostenta un protagónico magistral en la piel de Sean Penn llega a la 81 ceremonia de los Oscar nominada a ocho categorías, entre ellas las más prestigiosas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Principal para Penn, Mejor Actor Secundario para Josh Brolin y Mejor Guión Original. Pero la historia reciente de los Oscar incita a la prudencia sobre las chances que tiene una obra sobre la homosexualidad en esta premiación.

En 2006 "Brokeback Mountain", que era dada como una clara favorita para el premio mayor, el de Mejor Película, perdió frente a "Crash", y el director de este singular western, Ang Lee, tuvo que conformarse sólo con el Oscar a Mejor Director. Algunos expertos llegaron a afirmar que los electores de los Oscar habían votado por "Crash" porque dudaron de recompensar a una película "gay".

"No hay dudas de que la homofobia y la naturaleza de 'Brokeback Mountain' incitaron a algunos miembros de la Academia a no darle su apoyo. No creo que haya sido la mayoría, pero pudo haber sido suficiente para inclinar la balanza", dijo a la AFP Neil Guiliano, presidente de la Asociación Americana de la Defensa de Homosexuales GLAAD. "Este año, creo que esos problemas de hace tres años hayan servido de lección a los miembros de la Academia y que votarán por la película que estimen verdaderamente que es la mejor del año", agregó Guiliano.

Rompiendo las convenciones del género western y la imagen típica de los vaqueros, "Brokeback Mountain" interpretada por Jake Gyllenhaal y Heath Ledger -ambos nominados ese año por la cinta-, enfureció a grupos conservadores. "Mi nombre es Harvey Milk" está lejos de ser tan polémica, según Larry Gross, profesor de comunicación en la Universidad del Sur de California y especialista de las informaciones de los medios sobre la homosexualidad: "Se trata de una biografía filmada bastante clásica, no hay mucho sexo, apenas un beso al principio".

Pero advierte que este filme logró salir adelante "sólo porque Sean Penn estaba allí". La presencia de este actor de primer plano, Oscar en 2004, contribuyó a desbloquear un proyecto que estaba archivado desde hacía 15 años. Para Guiliano, el simple hecho de que la película pudiera rodarse muestra que "nuestra cultura está cambiando y se está convirtiendo en más tolerante".

La cinta, que por coincidencia se estrenó unas pocas semanas después del rechazo popular a los matrimonios homosexuales en California, permite "recordar a Hollywood que el público está sediento de historias que cuenten historias auténticas y significativas sobre los homosexuales y las lesbianas", según dijo. En los mismos términos se expresó Todd Heusen, director del festival de cine gay, lésbico, bisexual y transexual "Outfest" de Los Angeles, donde Van Sant fue premiado hace 10 años por el conjunto de su carrera.

Heusen recuerda que el inicio del cambio de actitud de Hollywood sobre los personajes gay sucedió cuando Tom Hanks recibió un Oscar por su papel de homosexual enfermo de sida hace 15 años en la cinta "Philadelphia". "Luego de ese reconocimiento hubo cada vez más papeles de homosexuales en las series de televisión", recordó este especialista en cine.

Se nos viene encima San Valentín. Sí, esa fecha que parece creada para minar la moral de todos aquellos que andan locos en busca de pareja. Una fecha en la que se nos recuerda la parte más romántica y melosa de la vida sentimental y que, por tanto, despierta en muchos corazones solitarios el deseo de un nuevo romance. Sin embargo, si nos paramos a pensar en el inicio del amor, chocamos con un concepto entre vertiginoso y fatídico: la primera cita. Nervios, nervios y más nervios. Un ritual de paso que parece más un sacrificio a superar que una velada a disfrutar. En fin, que lo más probable es que todos vosotros, lectores de este blog, sepáis de que hablo cuando me refiero a una primera cita mala, desastrosa, crítica, bochornosa… Pues bien, como homenaje a este universo propenso a la catástrofe, y para que veáis que la vuestra no fue la peor cita imaginable, os presentamos las peores primeras citas del cine, listadas por la página web Cinematical para la ocasión. ¿Cuál es vuestra favorita de todas estas terribles primeras citas?

Pulp Fiction (1994). Otra mala idea: quedar con la novia del jefe. Sin embargo, si el jefe te lo pide, ¿qué vas a hacer? Pues rezar para que todo salga bien, y que no te pasen cosas como que la chica confunda una bolsa de heroína con cocaína. La verdad es que deben haber pocas situaciones más cortantes que tenerle que clavar a una chica una jeringa con adrenalina en pleno corazón. John Travolta y Uma Thurman eran los protagonistas de esta memorable secuencia icónica del cine de los 90.

Papá Cadillac (1988). Imaginad que habéis quedado para citaros con la chica más guapa del instituto la misma noche en que dais el examen del carnet de conducir. Pero claro, no aprobáis. Y entonces pilláis el coche del abuelo, pero la chica pilla una borrachera tremenda y se desmaya, y aunque parezca imposible, todo ova a peor. Papá Cadillac es uno de los muchos ejemplos que demuestran que una primera cita puede ser la combinación perfecta entre la ley de Murphy y el efecto bola de nieve. En todo caso, la película es un recuerdo memorable de las teen movies ochentenas, y con un trío protagonista de lujo: Corey Haim, Corey Feldman y Heather Graham. 

Hard Candy (2005). He aquí la película que nos muestra lo peor que le podría pasar a un hombre en una primera cita. En todo caso, ningún hombre adulto debería quedar con chicas de 14 años por internet, así que quizás no es el mejor ejemplo. De todas maneras, la sesión de tortura (psicológica) y castración que sufre Patrick Wilson a manos de Ellen Page (la jovencita de Juno) cotiza como una de las más macabras primeras citas de la historia del cine.  

Taxi Driver (1976). Si hay una lección que sacar de las perturbadoras aventuras de Travis Bickle (Robert de Niro) por la ciudad de Nueva York, esa sería que, si consigues quedar con un chica con mucha clase, ni se te ocurra llevarla a un cine porno. El precedente más parecido lo podríamos encontrar en El graduado (con un club de striptease como escenario), pero al final, al menos Dustin Hoffman conseguía a Katherine Ross. Sin embargo, está claro que después de este patinazo inicial De Niro no tenía ninguna posibilidad con la guapísima Cybill Shepherd.

Sueños de un seductor (1972). Y aquí, una lección sobre porqué actuar con chulería en una primera cita es un imán para el desastre. Allen quiere ir de tipo duro, a lo Bogart, pero para ser como Humphrey hay que tener clase y estilo, algo que sólo poseen unos poco elegidos. En el mejor de los casos, harás un poco el ridículo. En el pero, como en el caso de Allen, serán el hazmerreír del personal. Nada nuevo para Allen, que ya había tenido una buena dosis de mal rollito en su primera cita con Dianne Wiest en Hannah y sus hermanas.

Cita a ciegas (1987). Probablemente, la joya de la corona. La unión de Bruce Willis y Kim Basinger hace despertar con fuerza a la ley de Murphy y todo sale mal. Ella no es un prodigio de autocontrol cuando se trata de la bebida, su celoso ex–novio la sigue por todas partes y al final Willis termina en la cárcel. Sin embargo, al final, el chico termina quedándose con la chica, una demostración de que por muy mal que salga la primera vez, siempre hay lugar para la esperanza.

El calendario y la buena vista del departamento de marketing de un estudio de cine nos llevan de forma inevitable hacia un terrorífico Viernes 13, fecha simbólica para todos aquellos aficionados a uno de los subgéneros más transitados del terror: el slasher, que podría traducirse como “escabechina”. Una masacre de la que son protagonistas un grupo de adolescentes desprejuiciados que disfrutan de los placeres de la juventud ajenos al peligro que los acecha. ¿Os suena el argumento, verdad? Como no, estamos ante una de las principales tendencias del terror de las últimas tres décadas. Una historia que se hace muy visible gracias al estreno del remake de la cumbre ochentena del subgénero: Viernes 13, producido por Michael Bay (quien ya financió el remake de La matanza de Texas). Así, podremos volver al infame camping donde eclosiona la infatigable sed de venganza de Jason Voorhees, personaje mítico de la constelación del horror. Para prepararnos para el regreso de Jason, os presentamos un repaso a diez títulos míticos de la escabechina teen. ¿Cuál es vuestro favorito? ¿Incluiríais alguno que no aparece en nuestra lista?:

Km. 666 (Rob Schmidt, 2003). Los últimos abordajes al slasher, un género con unas normas concretas y cerradas, han intentado incorporar al máximo elementos actuales como los teléfonos móviles (algo que llevó a su máxima expresión la película Llamada perdida), sin embargo, siempre su termina volviendo a los orígenes: un grupo de chicos se pierde, toma el camino equivocado y termina en la cabaña de alguna familia mutante y caníbal.

Destino final (James Wong, 2000). En un ejercicio de originalidad respetables, los creadores de la saga de Destino Final optaron por la opción más directa y convirtieron a la propia muerte en protagonista central de sus escabechinas adolescentes.

Sé lo que hicisteis el último verano (Jim Gillespie, 1997). Todo buen aficionado a este subgénero, sabe bien que la liberación de testosterona es uno de los máximos atractivos de estas películas. Y para que la fórmula funcione, nada mejor que seleccionar a bombones adolescentes con potencial icónico y mucho sex appeal, uno ingredientes que cumplen sobradamente la super-pareja formada por Jennifer Love Hewitt y Sarah Michelle Gellar.

Scream (Wes Craven, 1996). ¿La película que renovó el género o la que lo enterró en el pozo de una frivolidad más infantil que adolescente? Entre autoreferentes al propio género y el asesino más torpón de la historia, emergió el mito contemporáneo del slasher: Neve Campbell. Aunque muchos preferirían olvidar, cabe recordar que este fue el filme que sirvió de detonador para la saga cachonda de Scary Movie.

Pesadilla en Elm Street (Wes Craven, 1984). Antes de echarse unas risas a propósito de sus propias películas, Wes Craven hizo grandes películas de auténtico terror, como la primera entrega de este slasher suburbial, película que sirvió de bautizo fílmico para una de las creaciones más carismáticas del cine de terror: como no, Freddy Krueger, el azote cruel, mordaz e irónico de tus peores pesadillas.

Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer, 1982). Aunque no fuese una producción enteramente española, cabe reconocer este título como la más importante aportación española al género, ni que sea por la dirección del valenciano Juan Piquer. ¿O quizás alguien prefiere la factura 100% made in Spain de El arte de morir?

El tren del terror (Roger Spottiswoode, 1980). Nos adentramos en el periodo clásico del género. El juego con el trauma infantil, la broma pesada que convierte en psicópata a la víctima, alcanzó una de sus cotas más elevadas en esta película en la que brillaba la musa definitiva e inolvidable del slasher: Jamie Lee Curtis.

Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980). Repasemos la regla básica: practica sexo en una película de terror teen y estás firmando tu sentencia de muerte. Es así, y punto. Y mira que los protagonistas lo saben, pero ni así se reprimen y a la mínima le dan al magreo o al fornicio para acabar mal, muy mal. Por cierto, Kevin Bacon era una de las víctimas de la función.

La Matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974). Todo empezó siendo realmente terrorífico, malsano, inquietante, horroroso, asqueroso, catártico. Todo aquel que haya visto La matanza de Texas sabe de lo que hablamos. El malestar estomacal, la excitación nerviosa, el terror en estado puro. Aunque puede que no sea el ejemplo perfecto del concepto de escabechina teenager, estamos ante una obra maestra incontestable del cine de terror.  

La Noche de Halloween (John Carpenter, 1978). Más clásicos. Más normas: caretas, máscaras y disfraces son la norma en los malos de la peli. Máscaras hay muchas, pero la de Michael Myers en La Noche de Halloween es imborrable. Como también lo es la presencia de nuestra querida Jamie Lee.

Sólo hace unos días, a propósito del estreno de Valkiria en España, proponíamos desde este mismo blog una revisión de la carrera y el caché actual de Tom Cruise. Nos preguntábamos si Cruise seguía siendo un héroe o se había convertido en un villano. Nuestra crítica a Cruise se apoyaba en una idea clara y concisa: “Hace ya tiempo que más que un actor, Cruise se ha convertido en un bufón ansioso por recuperar la lustrosa imagen de otros tiempos”. Una reflexión que, a día de hoy, suena a profética. Y es que, a través de varios portales de noticias latinoamericanos, nos hemos enterado de la nueva metida de pata del actor: estando de gira por Brasil, el actor se debió pensar que estaba en Argentina, y además de proclamar su amor por el tango, despachó algunas respuestas en castellano. Como si en su visita a nuestro país, a Cruise se le hubiese ocurrido alabar la Pizza y hablar en italiano. Vaya figura.

Al parecer, los fans brasileños del actor han montado en cólera tras el traspiés de la super-estrella hollywoodiense. Entrando más en detalle, cabe apuntar que Cruise se encontraba en una visita de cinco días al país latinoamericano para promocionar Valkiria, y que, en una entrevista, señaló que el baile original brasileño era el tango. Pero eso no fue todo pues Cruise se expresó en varios pasajes de su visita en castellano y no en portugués, confundiendo el idioma y los bailes típicos del país de la samba. “Me encanta Brasil, soy un amante de esta tierra. Lo mejor es el tango”, y se quedó tan a gusto. Además, haciéndose el simpático, Cruise se atrevió a agradecer la atención de la prensa con un “¡Gracias!” en castellano, muy lejano al “obrigado” de rigor cuando uno está en Brasil.

En general, la prensa brasileña ha atribuido el error a la ignorancia del actor sobre la geografía sudamericana, así como a los constantes cambios de horario que ha experimentado en su gira de promoción de la película por diversos países (y continentes). En este sentido, puede llegar a comprenderse el despiste del actor, aunque, en todo caso, Cruise debería plantearse contratar a un buen asesor que le mantuviese al corriente de qué suelo pisa, y de las costumbres del lugar. Queda claro que su sentido de la improvisación no está demasiado afinado.

Así, sumamos una metedura de pata más en el historial del actor. Una ya larga lista de nefastas apariciones públicas, que tuvo su cénit en el año 2005, cuando el actor inició su noviazgo con Katie Holmes. La más sonada de todas sus embarazosas performance, la ofreció en el programa de Oprah Winfrey, en lo que algunos se han atrevido a llamar un ataque de “hiperkinesia romántica”. Allí, Cruise, para demostrar su amor por Katie Holmes, se hincó de rodillas, apretó el puño, golpeó al suelo, alzó los brazos, saltó como una rana sobre el sofá donde lo estaban entrevistando, e incluso quiso aplicarle una llave de judo (o así lo parecía) a la avergonzada Oprah. Todo, acompañado de aullidos y carcajadas sin razón.

Es uno de los rostros más visibles, envidiados y controvertidos de nuestro cine. Para algunos, Elsa Pataky es una de las grandes bellezas del panorama nacional, una gran embajadora de nuestro cine por todo el mundo (la suya es una carrera internacional). Sin embargo, también hay muchos que consideran a la rubia madrileña un producto de marketing falto de talento; es decir, una cara bonita y poco más. El debate sigue abierto, las espadas en alto, pero hay algo que nadie puede negarle a la que fuera la inolvidable Raquel de Al salir de clase: la chica, lejos de notar la muy cacareada crisis global, tiene la agenda más cargada que nunca. La lista de proyectos en la cartera de Elsa es tan larga como prometedora. En primer lugar, y como parada más inminente en el calendario 2009 de Elsa, tenemos el estreno mundial, el próximo 13 de marzo en la ciudad de Miami, de la película Máncora, a la que deberían seguir Giallo, Give ‘em Hell, Malone y Mr. Nice. Ahí es nada.

En Máncora, la Pataky se ha puesto a las órdenes del realizador peruano Ricardo de Montreuil (responsable de La mujer de mi hermano). La película cuenta la historia de Santiago (Jason Day), un joven limeño que, tras la muerte de su padre y atormentado por sus demonios internos y su odio al mundo en general, decide refugiarse en la localidad que da título al film. Poco antes de comenzar su viaje, recibe la visita inesperada de su hermanastra Ximena (Pataky), una fotógrafa española, acompañada de su esposo Íñigo (Enrique Murciano, visto en La ciudad perdida), un joven coleccionista hispanoamericano; desde ese momento, los tres compartirán el camino, buscando reencontrarse y conocerse más.

Después del periplo latinoamericano, Elsa regresará con uno de los géneros en los que más se ha prodigado, el terror. En Giallo, además de compartir cartel con su compañero sentimental Adrien Brody, la Pataky se pondrá a las órdenes de Dario Argento, legendario maestro italiano del terror, para encarnar a Celine, una modelo americana que es secuestrada durante la semana de la moda de Milán y que es sometida a una espantosa lista de humillaciones y vejaciones. El inspector Enzo Avolfi (Brody) irá en su rescate. Promete, sí señor.

Luego, está previsto que veamos a la actriz en un cara a cara con Thomas Jane, uno de los nuevos tipos duros de Hollywood, visto recientemente en películas como Punisher o La niebla. Ambos protagonizarán Give ‘em Hell, Malone, que promete ser una revisión adrenalínica de las viejas películas de investigadores y mafiosos. Cine negro con mucha acción.  Por último, se rumorea que Elsa participará en Mr. Nice, película que se encuentra en fase de rodaje y en la que podría compartir cartel con actores de la talla de Chloë Sevigny (Zodiac, Dogville, Boys Don't Cry), David Thewlis (la saga de Harry Potter, El niño con el pijama de rayas) y Rhys Ifans (Notting Hill, Elizabeth - La edad de oro). Parece claro que la Pataky ha encontrado un hueco, aunque sea en papeles secundarios, en el panorama internacional. ¿Volveremos a verla pronto en alguna producción española? ¿Estáis deseosos de ello?

Ya hemos discutido en alguna ocasión, en este mismo blog, el valor de los diálogos cinematográficos. Y es que ya va siendo hora de acabar con el dicho de que “una imagen vale más que mil palabras”. Por eso, queremos hacernos eco de una de las listas más sorprendentes que hemos rastreado por Internet en los últimos tiempos. Se trata de un ranking publicado por la página web The Shiznit en la que se catalogan los “mejores/peores insultos del cine”. Una recopilación de agresivos, ingeniosos y soeces comentarios que se han convertido en emblemas de sus respectivas películas. Os presentamos aquí una lista de los que, a nuestro parecer, son los mejores, con la esperanza de que nos digáis cuál os parece más desternillante u ofensivo, y que aportéis a la lista vuestros insultos fílmicos preferidos.

-Un pez llamado Wanda (1988). Wanda Gershwitz (Jamie Lee Curtis) le deja claro a Otto (Kevin Kline) que no es tan listo como cree: “Llamarte estúpido sería un insulto hacia los estúpidos. He conocido a ovejas más listas que tú. He llevado vestidos con un coeficiente intelectual más alto que el tuyo. Pero tú te crees un intelectual, ¿verdad, simio?”

-Roxanne (1987). El colosalmente narigudo ‘Charlie’ Bales (Steve Martin) es retado a pensar veinte insultos que puedan superar a “narizota”. El mejor: “¿Es esa tu nariz o es que un autobús aparcó sobre tu cara?”.

-Los blancos no la saben meter (1992). Mientras juega a baloncesto en las calles, Sidney Deane (Wesley Snipes) reparte carnaza entre sus rivales: “Vi a tu madre chutando una lata por la calle. Le pregunté ‘¿Qué haces?’, y me dijo, ‘Moverme’”

-O brother! (2000). Tras escaparse de la prisión, el convicto Ulysses Everett McGill (George Clooney) no puede ocultar su desprecio hacia sus compañeros de fuga: “Vosotros dos… soys más idiotas que un saco de martillos”

-Depredador (1987). Finalmente, cara a cara con el monstruo, Arnold Schwarzenegger le deja las cosas claras: “¡Eres un hijo de puta repugnante!”

-Jay y Bob el silencioso contraatacan (2001). Después de descubrir en Internet un comentario poniendo a caldo su nueva película, los fumetas deciden responder con su propio estilo: “Vays a pagar por esto hijos de puta. Vosotros soys los cabrones. Ahora vamos a follarnos a vuestras madres mientras miráis y lloráis. Y una vez lleguemos a Hollywood y encontremos a esos cabrones de Miramax que están haciendo la peli, les vamos a hacer comer nuestra mierda, después les haremos cagar nuestra mierda, y entonces les haremos comer la mierda que han cagado después de comerse la nuestra. Y después, les seguiréis todos vosotros. Saludos, Jay y Bobo el silencioso”.

-Kiss Kiss Bang Bang (2005). He aquí uno de los diálogos más ingeniosos de esta película llena de insultos: Gay Perry (Val Kilmer): “Si buscas idiota en el diccionario, ¿sabes lo que aparece?”. Harry Lockheart: “¿Una foto mía?” Gay Perry: “¡No! ¡La definición de la palabra ‘idiota’, que es lo que tú eres joder!”

-Get Carter (1971). Jack Carter (Michael Caine) sabe cómo saludar a un viejo amigo: “Vaya, casi había olvidado tus ojos. Siguen igual. Como agujeros de meado en la nieve”.

-Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975). Los Monty Python sabían de esto: “No quiero hablar contigo nunca más, cabez hueca, comida de animal pasada por la trituradora. Me cuesco en tu cara. Tu madre era un hamster y tu padre olía a bayas de saúco”.

-La chaqueta metálica (1987). La primera mitad de este filme es un auténtico vendaval de insultos. Uno de los peores que el Sargento Coronel Hartman (R. Lee Ermey) le dedica al Recluta Patoso dice tal que así: “¿Tuvieron tus padres algún hijo que sobreviviera?”

-Happy Gilmore (1996). He aquí un diálogo antológico entre el golfista profesional Shooter McGavin (Christopher McDonald) y el pelele Happy Gilmore (Adam Sandler): Shooter: “Como trozos de mierda como tú para desayunar”. Happy: “¿Usted come trozos de mierda para desayunar?”

-El gran Lebowski (1998): ¿Qué le dice el jefe de polícia de Malibú al Nota (Jeff Bridges) cuando lo tiene cara a cara?: “Dejame hablar con franqueza. No me gusta verte por aquí molestando a nuestros ciudadanos, Lebowski. No me gusta tu jodido nombre. No me justa tu jodida cara. No me gusta tu jodido comportamiento, y no me gustas tú. Joder”

-Sopa de ganso (1933). Groucho Marx y uno de sus clásicos comentarios dirigidos a Margaret Dumont: “Puedo verte ahora mismo en la cocina, inclinándote sobre una estufa caliente. Pero no puedo ver la estufa”.  

-Las brujas de Eastwood (1987). Otro monólogo. Esta vez de Cher dedicado al personaje de Jack Nicholson: “Creo… no, estoy segura… de que eres el hombre menos atractivo que he conocido en toda mi vida. En el tiempo que hemos pasado juntos, me has demostrado las peores características del hombre, y me has descubierto algunas nuevas. Eres físicamente repulsivo, intelectualmente retrasado, eres moralmente reprensible, vulgar, insensible, egoista, estúpido, no tienes gusto, un pésimo sentido del humor… y hueles mal. Ni siquiera eres lo suficientemente interesante como para ponerme enferma”.  

-Toro salvaje (1980). Mientras se entrena con su hermano, Jake Lamotta (Robert de Niro) le lanza unas cuantas puyas: “¡Golpeas como si te molara que te dieran por culo!“

ESPECIAL OSCAR 2009

Dice el dicho que la historia la escriben los vencedores. Sin embargo, no cabe duda de que, en muchos casos, es igual de revelador tomar en consideración la perspectiva de los olvidados, aquellos que, quizás de forma injusta, conforman el relato oculto de la contienda. Y como de lo que hablamos es de Oscars, se trata de echar un ojo sobre aquellos personajes y películas a los que se les ha negado el acceso al panteón de la gloria académica según Hollywood. Se trata de una larga historia de fracasos, frustraciones y olvidos, pero nos gustaría empezar mirando al presente y observando en detalles cuáles podrían considerarse los grandes olvidados de los Oscar 2009. Una lista protagonizada por cuatro nombres/títulos: Clint Eastwood, El caballero oscuro, Wall-E y Revolutionary Road. Aunque, en realidad, las tres películas de la lista cuentan con nominaciones (igual que El intercambio) de Eastwood, todas ellas aspiraban a mucho más en el reparto de nominaciones.

Analicemos los casos de forma separada. En primer lugar, deberíamos hablar de El caballero oscuro, la gran esperanza de los estudios de Hollywood a la hora de colocar una gran producción en la carrera de los Oscar. Y no sólo eso. Desde su estreno, la película no ha hecho más que recoger elogios por parte de la mayoría de sectores de la crítica, algo realmente excepcional cuando nos referimos a la película más taquillera de la temporada. Para muchos, el tratamiento (oscuro, perturbador y filosófico) de la figura de Batman y sus enemigos que perfiló Christopher Nolan merecía haberse hecho un lugar entre los nominados a las categorías importantes de los Oscar, sin embargo, al película se ha tenido que confirmar con el reconocimiento de la academia a su factura técnica y al trabajo de Heath Ledger en la piel del Joker (en total, 8 nominaciones).

Luego tenemos Wall-E, película que muchos esperaban que pudiera encaramarse entre las películas de acción real y conseguir una nominación al Oscar a la mejor película. De hecho, hace ya muchos años, que los amantes del cine de animación reclaman que la academia preste mayor atención a las producciones animadas. De hecho, cuando en 1992, La bella y la bestia de Disney se alzó con una nominación a la mejor película, muchos proclamaron que se abría una nueva era para el cine de dibujos. Sin embargo, aquello parece haber quedado como un hito olvidado. La categoría mayor parece vedada para el cine de animación incluso cuando una película (como Wall-E) es reconocida como la mejor del año por multitud de críticos y se habla de Pixar como una de las grandes factorías creativas de la meca del cine. De momento, a lo máximo que parecen aspirar estas películas es al premio en su categoría (filme de animación) y, como mucho, al reconocimiento de su guión (una de las 6 nominaciones de Wall-E es la de Mejor guión original).

Y luego tenemos el caso de Revolutionary Road, una película que llevaba años entre la lista de favoritas entre los expertos en pronosticar los ganadores de los Oscar. Sin embargo, a pesar de su aire glamoroso y esa fachada de “película importante”, el filme protagonizado por Kate Winslet y Leonardo DiCaprio se ha quedado sin las ansiadas nominaciones para el mejor director (Sam Mendes) y película. Luego tenemos también el caso de Clint Eastwood, que en principio aspiraba a todo con no una, sino dos películas: El intercambio y Gran Torino. Sin embargo, el veterano más respetado de Hollywood se ha quedado sin nominaciones este año. Algo que también han sufrido dos músicos que todo el mundo esperaba que pudiesen dar color a la gala de este año: Bruce Springsteen y Miley Cirus (conocida por su papel de Hannah Montana). Sus canciones para The Wrestler y Bolt se quedaron finalmente en la estacada.

Estos son los olvidados de este año, sin embargo, echando la vista atrás, nos encontramos con casos bastante más dramáticos. Por ejemplo, el de Alfred Hitchcock, el genio del suspense, que fue nominado en cinco ocasiones al mejor director (por Rebeca, Naufragos, Recuerda, La ventana indiscreta y Psicosis, ahí es nada) pero que tuvo que terminarse conformando con un premio de honor. O Charles Chaplin, que nunca ganó premios por su trabajo como director o actor, la Academia tuvo que inventarse dos premios honoríficos: uno por su genio y versatilidad al actuar, escribir, dirigir y producir El circo (1928); y el segundo por contribuir a hacer del cine la más emblemática forma artística del siglo XX. Otro grande como Orson Welles, antes de recibir el correspondiente premio honorífico, se tuvo que conformar sólo con una distinción al mejor guión de su primera película, Ciudadano Kane. Otro monstruo del cine, como Stanley Kubrick, estuvo 13 veces nominado, y sólo consiguió el reconocimiento por los efectos especiales de 2001: una odisea del espacio, ¡bochornoso!

Por su parte, Cary Grant, uno de los mejores actores de la historia y una estrella inolvidable de la etapa más célebre del Hollywood clásico, nunca vio reconocido su trabajo con un Oscar, hasta la llegada del honorífico, claro, por su "maestría única en el arte de la interpretación cinematográfica". Otros míticos actores sólo recompensados por la estatuilla honorífica han sido Kirk Douglas, Deborah Kerr, Gene Kelly o Greta Garbo, además de directores como Ernst Lubitsch o Howard Hawks.

Aunque puestos a repasar récords, hay que señalar que los que se llevan la palma son los actores Peter O’Toole, nominado 8 veces (Lawrence de Arabia, El león en invierno...), siempre perdedor, Richard Burton, vencido en 7 ocasiones (La túnica sagrada, ¿Quién teme a Virginia Wolf?...) y la mítica secundaria de lujo Thelma Ritter, ninguneada en 6 ocasiones (Eva al desnudo, El hombre de alcatraz...). Y, por último, en el apartado de las películas con récords negativos, encontraremos El color púrpura de Steven Spielberg como la primera del ranking, con 0 de 11 estatuillas en la ceremonia de 1986, a la que siguen Paso decisivo de Herbert Ross, con otros 0 de 11 y Gangs of New York de Scorsese, con 10 nominaciones sin Oscar. En resumen: la historia trágica de los Oscar.

Conocido es el gusto de las estrellas mejor parecidas Hollywood por las transformaciones radicales que consigan reafirmarles como actores. Ahí están los Oscar que lograron Nicole Kidman y Charlize Theron por afearse en 'Las horas' y 'Monster', respectivamente, o el más reciente ejemplo de Brad Pitt, que convertido en un niño viejo y ajado en 'El curioso caso de Benjamin Button' opta a la estatuilla como mejor actor.

 El último en subirse ahora al carro del "cambio radical" es el británico Jude Law. En el caso de Law, el actor ha pasado de ser todo un galán, demasiado guaperas según algunos para ciertos papeles, a ser una bella supermodelo. La responsable de travestir a Law es la directora Sally Potter ('Vidas furtivas', 'Orlando'), que en su nueva película convierte al actor en Minx, una modelo en el declive de su carrera. "Era extraño, pero cuanto más se convertía en 'ella' con el maquillaje y la ropa, más desnuda era su interpretación. Puso mucha voluntad en volverse más vulnerable y fue un momento muy intenso a la hora de rodar", apunta la directora en declaraciones publicadas en su página oficial, recogidas por OTR/Press, en las que también reveló que su película pretende mostrar la tiranía de la imagen, de la belleza, cómo el que la tiene intenta usarla en su propio beneficio y el miedo a perderla con los años.

'Rage' es un atípico thriller que nos relata las andanzas de varios personajes del mundo de la moda de Nueva York a través de de los ojos de un joven reportero que durante siete días entrevista con la cámara de su móvil a modelos, promotores, diseñadores y para su página web. Durante su trabajo de seguimiento se produce un accidente que se revela como un crimen y comienza una investigación. 'Rage', en cuyo reparto, además de Law, también destacan nombres como los de Judi Dench, Steve Buscemi y Eddie Izzard, fue seleccionada para competir en la sección oficial de la Berlinale que se celebra del 5 al 15 de febrero.

¿Qué mensajes nos dejaron los Goya 2009? ¿Qué quiso decir la Academia del cine español a través de las 28 estatuillas que repartió en su gran fiesta? Lo cierto es que, al principio de la gala de entrega de premios, cuando los galardones iban repartiéndose entre diferentes películas, daba la impresión de que la Academia iba proclamar la diversidad del cine. Sin embargo, a medida que avanzaba la velada, el mensaje que fue fortaleciéndose fue sobretodo uno: la gran vencedora era Camino y su apuesta por un cine de autor de marcado carácter social, valiente, aguerrido y que no le teme a la polémica. En este sentido, nadie lo dejó más claro que el propio director de la cinta, Javier Fesser, que al recoger su Goya al mejor guión original proclamaba: “Indagando en la realidad, encontré muchos testimonios de gente atrapada en una institución que llamada injustamente el Opus Dei”. El ataque de la película al Opus Dei levantó ampollas en el momento del estreno del filme, llegando a provocar un cierto debate social, y finalmente la Academia del Cine ha decidido dar su apoyo público y notorio a la postura crítica de Fesser.

Cine de autor con mensaje. Esa sería el lema que en los últimos años parece haber marcado la agenda de los académicos. Un lema que este año se ha traducido con la victoria arrolladora de Camino, que se llevó a casa seis de los siete premios a los que era candidata: Mejor película, mejor director, mejor guión original, mejor interpretación femenina (Carme Elías), mejor interpretación masculina de reparto (Jordi Dauder) y mejor actriz revelación (Nerea Camacho). Unos premios que además avalan la curiosa trayectoria de un realizador singular. Y es que antes de pasarse al cine social, Javier Fesser dirigió películas como El milagro de P. Tinto o La gran aventura de Mortadelo y Filemón, auténticos delirios visuales realizador con un espíritu puramente lúdico. Camino marca claramente la búsqueda de una voz más personal por parte del director, que en el filme ha puesto toda su inventiva plástica al servició de su mensaje en contra del integrismo religioso.

¿Tuvieron los Goya más claves aparte de la rotunda victoria de Camino? Sí, sin duda. Por una parte, cabe celebrar la capacidad de la Academia para reconocer el carácter cada vez más internacional del cine español. Nuestros actores triunfan fuera, pero también sucede que actores de gran renombre internacional se suman a producciones españolas. Ahí está el caso del gran Benicio del Toro, flamante ganador del Goya al Mejor Actor por su estupenda interpretación en Che, el argentino. Y por su parte, tenemos también a Penélope Cruz (ganadora del Goya a la mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona), a la que cada vez cuesta más verla como una actriz española. Ella simboliza la llegada de la globalización a la industria del cine español, y la Academia hace bien al reconocer el talento de sus mejores portavoces por todo el mundo.

Y si hay que reconocer a otra gran protagonista de los Goya 2009, ese sería El Langui, nombre artístico de J. M. Montilla, protagonista de El truco del manco, película que conquisto los tres Goya a los que aspiraba: el de mejor canción, mejor actor revelación y mejor director novel (Santiago A. Zannou). Nos encontramos de nuevo ante una película de marcado carácter social, en este caso suburbial y marginal, donde se relata una historia de superación que encarna a la perfección El Langui, un músico que ha sabido salir adelante a pesar de su discapacidad física. Se trata, en este caso de otro ejemplo de cine joven de autor que busca renovar las señas de identidad del cine español.