Por lo general, solemos pensar que los iconos del cine siempre estuvieron ahí, les otorgamos el valor de imágenes eternas. Sin embargo, nada más lejos de la realidad. En muchas ocasiones, esa unión casi sagrada entre personaje y actor es el resultado de un delicado equilibrio del que participa, en gran medida, el azar. Los ejemplos de actores que rechazaron papeles que luego se revelaron como icónicos son múltiples; igual que los de actores que alcanzaron el estrellato casi de rebote. Aquí, de la mano del website Cinematical, os presentamos siete grandes ejemplos de cómo se forja el destino de un personaje, lo cual nos permite hacer cábalas del tipo: “¿Y si Robin Williams hubiese aceptado protagonizar El resplandor?”. Y como los siete ejemplos hacen referencia a películas de terror, nada mejor que titular el post como “Hipótesis de terror”, cuando no “hipótesis terroríficas”.

 

1. Melanie Griffith / Sissy Spacek (Carrie). Aunque hacía tiempo que había cumplido los 20 años, la fragilidad y el aspecto juvenil de Spacek la hicieron la elección perfecta para el papel de Carrie. Tanto, que se hace difícil imaginar a otra actriz en el papel. Sin embargo, Melanie Griffith estuvo a punto de hacerse con el personaje. Tenía 18 años y ya había causado sensación en películas como La noche se mueve, Con el agua al cuello o Sonríe. Llegó a audicionar para el papel y cautivó al director, Brian de Palma, que aunque terminó optando por Spacek, más adelanté la contrató para protagonizar Doble cuerpo.

 

2. Sally Field / Adrienne King (Viernes 13). Una de las delicias de Viernes 13 es observar la naturalidad y vigor de la interpretación de Adrienne King. Sin embargo, resulta entre morboso y placentero imaginar en la piel de Alice a Sally Field, una super-estrella experta en sufrimiento (ver No sin mi hija como demostración). Lo cierto es que se hace difícil imaginar que una actriz ganadora de un Oscar pudiera competir por un papel en una película de terror de bajo presupuesto, pero como así lo indica IMDB, pues lo aprovechamos para una de nuestras terroríficas hipótesis.

 

3. Anne Lockhart / Jamie Lee Curtis (Halloween). Dicen los rumores que Lockhart (E.T., Desafío total) fue la primera elección del director John Carpenter para el papel de Laurie Strode en la fundacional Halloween. Lockhart era quizás un poco mayor para el papel, pero su aire juvenil la convertían en una buena elección. Finalmente, Carpenter descubrió a un diamante en bruto, Jamie Lee, que se reveló como la perfecta Laurie.

 

4. Robin Williams / Jack Nicholson (El resplandor). Sin duda, el caso más sorprendente de todos. ¿Cómo se le pudo ocurrir a Stanley Kubrick pensar en Robin Williams para el papel de Jack Torrance? Por suerte, Kubrick terminó considerando que Williams le daría al personaje un aire demasiado “psicótico” y lo descartó. Lo curioso es que antes de dar con Jack Nicholson, consideró para el papel tanto a Robert De Niro como a Harrison Ford.

 

5. Veronica Cartwright / Sigourney Weaver (Alien). Al ser contratada, Cartwright pensó que interpretaría a Ripley hasta que la llamaron para una prueba de vestuario para el papel de Lambert. En realidad, Cartwright encaja a la perfección en el papel de Lambert, aunque su interpretación en La invasión de los ladrones de cuerpos de Philip Kaufman permite imaginarla en el papel de Ripley, la heroína, un personaje que la hubiese catapultado al estrellato. Finalmente, se impuso Weaver, que demostró su valía y su fuerza icónica.

 

7. Drew Barrymore / Neve Campbell (Scream). Después de que Molly Ringwald y Reese Witherspoon desestimaran el papel de Sydney Prescott, Drew Barrymore fue elegida para el papel; pero entonces la actriz decidió optar por un papel mucho más breve, el de la desvalida Casey Becker. El culebrón no acaba ahí. Antes de que Neve Campbell aceptara el papel, otra estrella televisiva, Melissa Joan Hart, conocida por su encarnación de Sabrina, la bruja adolescente, estuvo a punto de hacerse con el papel.

 

6. Jackie Earle Haley / Johnny Depp (Pesadilla en Elm Street). La historia cuenta que Johnny acompañó a Jackie a una audición para un papel en la película. Wes Craven, el director, vio a Johnny y le pidió que participara en el casting. Johnny consiguió el papel y Jackie tuvo que contentarse con una olvidada película titulada The Zoo Gang. Hollywood puede ser tan cruel. Aunque cabe apuntar que Jackie se ha desquitado, ya que encarnará al mismísimo Freddy en el remake que prepara Samuel Bayer.

 

 

Jerry Bruckheimer, uno de los productores estrella de Hollywood, presentó hoy a los medios un avance de "G-Force", su primera película en 3-D, protagonizada por un equipo especial de cobayas, una de ellas con la voz de Penélope Cruz, que debe salvar el mundo. Se trata de una comedia de aventuras, mezcla de acción real y animación, acerca de un programa gubernamental secreto que entrena a animales para realizar tareas de espionaje.

Estos animales, unas cobayas armadas con tecnología punta, descubren que un malvado multimillonario ("al estilo de Bill Gates", bromeó Hoyt Yeatman, director y guionista del filme) busca hacerse con el control del mundo. La idea para la película surgió a raíz de un comentario del hijo de Yeatman, quien, con cinco años, le dijo a su padre que le "encantaría" ver cómo unos roedores forman un fuerza especial de combate.

Los protagonistas son Sam Rockwell ("Darwin", el líder del grupo), Tracy Morgan ("Blaster", un experto en armas), Penélope Cruz ("Juárez", una sexy profesional de las artes marciales), y Nicolas Cage ("Speckles", el especialista informático). Para Hoyt Yeatman, ganador del Oscar a los mejores efectos visuales en 1989 por su trabajo en "The Abyss", de James Cameron, éste es su debut como director.

No obstante, ha colaborado con Bruckheimer en cintas como "Armageddon", "Con Air" y "The Rock", de nuevo al mando de los efectos visuales. Aunque la idea original era rodar el filme en dos dimensiones, Bruckheimer sugirió al poco de emprender la producción que deberían lanzar el filme en 3-D, porque es "la nueva manera de conectar con la audiencia".

"En menos de tres años todo el mundo tendrá 3-D en su casa, pueden apostar por ello", comentó Rob Engle, supervisor de los efectos digitales del filme. La fecha de estreno en EEUU de "G-Force" es el 24 de julio.

Terra Cine - EFE

Los fanáticos de la aventurera más voluptuosa y neumática del universo audiovisual, Lara Croft, pueden estar tranquilos, ya que seguimos de cerca todos los movimientos concernientes al nuevo proyecto relacionado con este icono de la acción y la sensualidad digital. De hecho, nuestro interés parte de una fuerte convicción: hasta la fecha, los directivos de Hollywood no han conseguido dar con la fórmula adecuada para llevar a Lara a la gran pantalla. De hecho, hace unos años, cuando todos esperábamos que la Croft se convirtiera en una suerte de cruce entre James Bond e Indiana Jones, tuvimos que contentarnos con una Angelina Jolie con cara de aburrimiento saltando de un escenario al siguiente sin ningún tipo de lógica o continuidad narrativa. Está claro que todavía queda mucho por explorar del personaje de Lara, por eso celebramos las últimas noticias que nos llegan sobre el proyecto.

 

Hace ya tiempo que en los círculos de la industria norteamericana se hablaba de retomar la franquicia de Lara Croft. Y según la información que acabamos de recibir, parece que la nueva entrega de la saga contará con jugosas novedades. De partida, hemos sabido, de la mano del productor Dan Lin, que la nueva película será una precuela. Según Lin, “vamos a relatar los orígenes del personaje. Será una gran historia, con una mayor exploración del personaje y con más realismo que en las anteriores películas de Lara Croft”. Según explicó Lim, el casting para el papel de Lara todavía tiene que empezar, pero está claro que están buscando a una actriz joven que pueda interpretar a la adolescente Lara.

 

El proyecto se encuentra todavía en fase de pre-producción, pero Lin ya ha advertido a los fans de que, en esta ocasión, deben esperar menos acción y más tratamiento del personaje. “Diría que la película que queremos hacer es parecida a Terminator (Lin es el productor de Terminator Salvation), acción con personajes. Para más, las películas y los video-juegos de Lara Croft se han centrado demasiado en la acción. Quiero que halla acción, pero también personajes”. Y bueno, ante estos comentarios, sólo nos queda hacer la gran pregunta: ¿Quién debería interpretar a la nueva Lara Croft? Durante un tiempo se estuvo rumoreando la posibilidad de que Megan Fox, la gran sex symbol del momento, pudiera encarnar a la aventurera, sin embargo, esa opción parece haber perdido fuerza (aunque no podemos, o no queremos, descartarla por completo).

 

¿Qué otras actrices os parecerían idóneas para el papel? Tenemos por ejemplo a Karima Adebibe (foto 1), que interpretó a Lara en la campaña publicitaria del videojuego de Tomb Raider en 2006. O también está Rhona Mitra, que también interpretó a Lara en 1998 (aunque aquí el problema puede ser la edad de Mitra, un poco mayorcita ya). ¿Y qué tal os parecería Alison Carroll (foto 2), gimnasta británica que también encarnó a la aventurera para las escenas de uno de los videojuegos de la franquicia? Luego, por otra parte, sería descabellado eliminar como opción sublime a Megan Fox (foto 3), que para muchos es sin duda la candidata perfecta, parece nacida para ser Lara. ¿Qué tal Summer Glau (foto 4), la Cameron Phillips de la serie Terminator: The Sarah Connor Chronicles?

 

¿Se os ocurre alguna otra posible candidata? ¿Cuál de las que proponemos os parece más adecuada, por constitución y edad, para el papel?

Visionarios de la ciencia ficción como Julio Verne o Gene Roddenberry suelen recibir todo tipo de elogios por su capacidad para predecir el futuro a través de la ficción. Pero entonces, ¿por qué no reciben el mismo reconocimiento los creadores de películas como Trabajo basura o Este muerto está muy vivo? En muchos casos, a veces los menos esperados, el cine se convierte en una forma de arte profética, en la que incluso las tramas más ridículas e inverosímiles pueden devenir en historias reales meses o años después. Aquí va un espectacular TOP 7 organizado por la web Cracked:

 

7. Cadena perpetua. Todo el mundo conoce la historia. Andy Dufresne (Tim Robbins) es encarcelado por un crimen que no ha cometido. Un día, Andy se retira a su celda con un trozo de cuerda. Su amigo, interpretado por Morgan Freeman, teme por su vida. Pero al día siguiente, cuando los guardas abren la celda, Andy ha desaparecido por un túnel excavado detrás de un póster que cuelga de la pared.

La historia real: 15 de diciembre de 2007. Las celdas de Otis Blunt y Jose Espinosa, situadas en la cárcel de New Jersey, son descubiertas vacías por los guardas. En la pared, cuelgan sendos pósters de “mujeres en bikini”, que esconden sendos túneles, que comunican entre sí ambas celdas y una de ellas con el exterior. Los fugitivos se separan. Uno va a México, el otro a un sótano cercano. El segundo es atrapado un mes después de la fuga. El primero, un día después del segundo. 

 

6. Trabajo Basura. Ron Livingstone, el protagonista de esta sátira sobre el mundo laboral, dirigida por Mike Judge, decide rebelarse contra la compañía en la que trabaja. Su brillante idea: robar pequeñas fracciones de todas las transacciones de la empresa mediante un redondeo decimal. La idea es que las infracciones sean tan mínimas que la empresa no pueda percibir la infracción.

La historia real: Michael Largent, un chaval de 22 años, que probablemente se durmió durante la segunda mitad de Trabajo basura, cuando la estafa se va al traste, decidió aplicar una interesante variante de la fórmula de la película: abrir 58,000 cuentas en las que ingresar micro-depósitos. En poco tiempo, Largent reunió más de 50,000 dólares, llamando la atención del FBI. Nada extraño teniendo en cuenta que los nombres de los titulares de muchas de las cuentas correspondían a personajes de dibujos animados. Sí señor.    

  

5. Tres reyes. La película, protagonizada por Ice Cube, Mark Wahlberg y George Clooney, cuenta la historia de un grupo de soldados norteamericanos implicados en la Operación Tormenta del Desierto (la primera guerra de Irak) que se topan con un “mapa del tesoro” en Kuwait. Tras sopesar pros y contras, los soldados se lanzan en busca del tesoro.

La historia real: Días después de la toma de Bagdad, durante la segunda Guerra de Irak, la Tercera División de Infantería topó con una cubierta de cemento que escondía un botín de 320 millones de dólares. En un principio, los saldados alertaron a sus superiores del hallazgo y el dinero fue confiscado de forma oficial. Sin embargo, tras este sensato primer movimiento, el escuadrón se lanzó a la búsqueda frenética de más cobertizos secretos. Encontraron uno con 200 millones. Se llenaron los bolsillos de billetes de 100 dólares y escondieron el resto ¡tras una palmera cercana! No cabe decir que el botín fue descubierto y los militares enjuiciados.   

 

4. El syndrome de China. Protagonizada por un dúo de altura (Michael Douglas y Jane Fonda) la película se convirtió en un símbolo de la lucha antinuclear. Tras comprobar los fallos de seguridad de una central nuclear, dos periodistas consiguen sacar a la luz pública los peligros relacionados con la actividad nuclear.

La historia real: El 28 de marzo de 1979, sólo 12 días después del estreno de la película, las alarmas empezaron a sonar en la planta nuclear de la Isla de la Tres Millas, en Pennsylvania. Los técnicos sucumbieron al pánico y el reactor empezó a sobrecalentarse. Pocas horas después, se detectaron altos niveles de radiación en los alrededores y la zona tuvo que ser evacuada. A la postre, nadie se vio afectado por la fuga, que algunos defienden que fue menor de lo expuesto por los medios. Lo innegable es que el escándalo, que aterrorizó a la población de todo EE.UU. sirvió de empuje para el aplastante éxito de taquilla de la película.

 

3. Este muerto está muy vivo. Filme emblemático de la teen movie ochentena, la película cuenta la historia de dos chicos que, tras descubrir el cadáver de su jefe, se pasean intentando convencer a todo el mundo de que aun está vivo. Un delirio tan esperpéntico como inolvidable.

La historia real: Enero de 2008. Los pensionistas David Daloia y James O’Hare son acusados de haber intentado cobrar el cheque de la seguridad social de su amigo, Virgilio Cintron, supuestamente fallecido, al que habrían llevado a cuestas hasta la oficina pública para intentar demostrar su condición de vivo. Un policía que declaro en contra de los acusados, reconoció haber detectado que Cintron no respondía a ningún estímulo y que presentaba indicios de rigor mortis. Finalmente, Daloia y O’Hare fueron puestos en libertad al no poder probarse el momento exacto de la muerte de Virgilio.  

 

2. Heat. El clímax de esta película de Michael Mann, protagonizada por Robert De Niro y Al Pacino, estalla en uno de los tiroteos más impresionante jamás filmados. Tensa, seca, ruidosa, interminable… en esta legendaria secuencia, Mann sentó las bases del cine de acción contemporáneo. 

La historia real: En febrero de 1997, Emil Matasareanu y Larry Eugene Phillips, Jr, dos de los ladrones de bancos más buscados de Norteamérica entraron en la sucursal del Bank of America de Hollywood dispuestos a llevarse una fortuna. Lo que no entraba en sus planes era que un policía los identificase a su entrada al banco, con lo cual todo un destacamento de policías los esperaba a la salida. Entonces se desató uno de los tiroteos más violentos de la historia de América, conocido como el North Hollywood Shootout. 17 personas resultaron heridas. Matasareanu y Phillips iban equipados con resistentes chalecos antibalas, lo que les permitió resistir durante interminables minutos. Después de recibir 11 balazos, Phillips se pegó un tiro en la cabeza. Matasareanu murió tras recibir 27 impactos de bala.

 

1. The Lone Gunmen. En 2001, los creadores de Expediente X decidieron lanzar un spin-off de la serie, protagonizado por los frikis de las teorías conspiratorias que servían de recurso cómico en la serie original. En el piloto, emitido en marzo de 2001, los escritores dieron con una idea tétrica: desenmascarar una conspiración gubernamental que proponía estrellas un avión de pasajeros en el World Trade Center. ¡Y todo esto seis meses antes del fatídico 11/S!   

La historia real: Lamentablemente, no se hace necesario contra demasiado. Todo el mundo conoce a la perfección los más terribles detalles del mayor atentado terrorista de la historia. En todo caso, los sorprendente aquí es la proximidad entre la idea televisiva y el acontecimiento real, lo que llevó a los guionistas de The Lone Gunmen a reiterar hasta la saciedad que ellos nunca fueron conscientes de que lo que estaban escribiendo se estuviese gestando en la realidad.

Más de diez millones de ejemplares vendidos en todo el mundo dan fe de que 'Los hombres que no amaban a las mujeres' fue el libro estrella el año pasado. Se convirtió en el más vendido en toda la Unión Europea y Stieg Larsson, su malogrado autor, fue el segundo escritor más vendido de todo el mundo, después de Khaled Hosseini, autor de 'The Kite Runner'. Por eso, no era de extrañar que pronto llegase a nuestras pantallas la adaptación cinematográfica. de la primera parte Millennium, la trilogía del escritor sueco. Stieg Larsson concibió 'Millenium' como una trilogía, de la cuál llega ahora su primera parte al cine, titulada, al igual que el primer libro, 'Los hombres que no amaban a las mujeres'.

Dirigida por el sueco Niels Arden Oplev, esta primera entrega relata el comienzo de la investigación que llevan a acabo el periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) y a la hacker informática Lisbeth Salander (Noomi Rapace) sobre la desaparición hace 40 años de Harriet Vanger, una joven que se esfumó durante una reunión familiar celebrada en una isla que pertenece y es habitada por el poderoso clan Vanger.

La exitosa trilogía de Larson se completa con 'La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina' y 'La reina en el palacio de las corrientes de aire'. El tercer y último volumen de la serie Millenium, escrita por Stieg Larsson, se publicará el 18 de junio, en lugar del 23, como estaba previsto y por motivos organizativos, según informó hace pocos días la editorial Destino.

No hay duda de que el fenómeno editorial que ha supuesto esta trilogía se vio aumentado cuando su autor, Stieg Larsson (Suecia, 1954-2004) falleció inesperada y trágicamente de un ataque al corazón, días después de entregar a su editor el tercer volumen de la trilogía Millennium y poco antes de ver publicado el primero. Periodista y reportero de guerra muy conocido como experto en los grupos de la extrema derecha antidemocrática, participó a mediados de los ochenta en la fundación del proyecto antiviolencia Stop the Racism, al que siguió en 1995 la Expo Foundation, de cuya revista Expo fue director. Luchador plenamente comprometido contra todo tipo de violencia, escribió varios libros de investigación periodística acerca de los grupos nazis de su país y de las oscuras conexiones entre la extrema derecha y el poder político y financiero.

Gran lector y entusiasta del género negro y la ciencia ficción, escribía sus novelas por las noches, prácticamente en secreto. Lectores de todo el mundo recomiendan una obra que ha generado una extraordinaria adicción y que ha sido saludada como una obra maestra, la novela de la década.

 GALERÍA: 'LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES'

A estas alturas, no hay dudas acerca del gran éxito cosechado por la última entrega de la saga de Star Trek. J.J Abrams ha conseguido lo que parecía imposible: reflotar una franquicia que parecía condenada a reposar en manos de nostálgicos y frikis. Sin embargo, siempre con la mirada puesta en los rincones oscuros de la noticia, queremos echar un vistazo a las pifias de la película. La gente de la web Spike nos acerca a siete cuestiones que escapan a la lógica particular que se le presupone a cualquier producto salido de la factoría Star Trek.

 

7. ¿Cómo es posible que la gente del SS Kelvin esté familiarizada con los Romulanos? El primer encuentro entre un miembro de la federación y los romulanos se produce en un episodio de la serie original, en la que Kirk y Spock ya son mayorcitos. Con lo cual, nadie en la nave SS Kelvin, capitaneada por el padre de Kirk, debería conocer a los romulanos, por no hablar del shock que debería suponerles el hecho de que esta raza sea tan similar a la vulcana. Por el contrario, los miembros de la tripulación responden ante la amenaza romulana con una extraña familiaridad, que no cuadra con la sucesión de acontecimientos según la línea cronológica de la saga.

 

6. Da la casualidad de que Kirk y Spock acaban en el mismo sistema solar, en el mismo planeta y en la misma cueva al mismo tiempo. ¡Vamos hombre! El encuentro resulta más improbable que encontrarse con tu mejor amigo en unas vacaciones en Dubai. Pero aquí no acaba la cosa. ¿Qué hay del hecho de que Spock posea la tecnología necesaria para transportar a alguien a una nave volando a velocidad interestelar? Si es así, ¿por qué lleva 25 años encerrado en una cueva? ¿Por qué no se ha transportado a alguna nave de la federación antes?

 

5. Los niños vulcanos que se meten con Spock de pequeño muestran mucha emoción. ¿No resulta ilógico que un grupo de chavales vulcanianos se lo pasen bomba mofándose de uno de sus semejantes? ¿No se suponía que la raza vulcana se caracterizaba por la ausencia de emociones? Los fans pueden argumentar a su favor que los chicos utilizan a Spock como si se tratara de un experimento científico, sin embargo, es innegable que se lo pasan bomba burlándose del pequeño Spock.

 

4. ¿Por que existe el planeta Romulo en Star Trek: La nueva generación? Si el planeta de los romulianos explosiona cuando Spock todavía está vivo, ¿no sería lógico que los romulianos no existieran durante La nueva generación? Sin ser un genio de la física parece lógico pensar que Jean-Luc Picard no debería haber encontrado resistencia de parte de un pueblo sin planeta.

 

3. ¿Cómo es posible que estos planetas no tengan ningún tipo de defensa contra la taladradora gigante de Nero? Esto es simplemente estúpido. Si Kirk y Zulu consiguen derribar la taladradora con una espada y un láser, ¿cómo es posible que los planetas Tierra y Vulcano no tengan un modo de desactivar el artilugio mecánico de Nero? Por favor. No olvidemos que estamos hablando de una universo en el que ya existe una nave que se mueve a la velocidad de la luz, la Enterprise. Vamos, que no van cortos de tecnología.

 

2. ¿Por qué las leyes de la física no se aplican al universo de Star Trek? Un ejemplo sencillo e ilustrativo: Spock asiste a la destrucción de Vulcano, absorbido por el agujero negro provocado por Nero. Spock observa el desastre desde la superficie de un planeta helado, con lo cual no es descabellado pensar que la distancia a Vulcano puede ser parecida a la existente entre la tierra y la luna. Lo que significa que la orbita del planeta helado hubiese sufrido un importante desajuste. Con lo cual, lo más probable es que la atmosfera del planeta hubiese quedado aniquilada, dejando sin oxígeno el planeta y aniquilando las fuerzas gravitacionales del mismo. Y sin embargo, Spock y Kirk siguen tan panchos en una cueva helada discutiendo acerca del presente, el pasado y los enigmas de la existencia. 

 

1. ¿Por qué utiliza Nero una taladradora gigante para destruir planetas cuando una gota de la Materia Roja sería suficiente? Primera pregunta: ¿Era realmente necesario que Spock fabricase la Materia Roja? Estamos hablando de una substancia capaz de crear gigantescos agujeros negros. ¿Es la federación tan ingenua que no contempla la posibilidad de que sus enemigos puedan hacerse con dicha tecnología? Pero bueno, una vez fabricada el arma, ¿por qué utiliza Nero un armatoste mecánico para introducir en el centro de los planetas? Por como vemos que la utiliza Spock, da la impresión que para activarla sólo se necesita un pequeño detonador. Y sin embargo, en vez de enviar a una expedición en secreto, Nero decide utilizar un gigantesco taladro perforador. En fin, que la cosa no tiene ni pies ni cabeza.

Este post va dedicado a todos los actores que temen quedar encasillados en un tipo de papel, la demostración de que es posible transformar, incluso subvertir, la propia imagen pública. ¿Existe algún cambio más radical que pasar de ser visto como un friki debilucho a convertirse en un sex symbol? Difícil de imaginar. Es como ver al presidente del club de ajedrez de tu escuela convertido en el triunfador del instituto, conduciendo una motocicleta con un bombón despampanante de paquete. Pues bien, os presentamos aquí, cortesía de la gente de Spike, un espectacular TOP 7 con las mejores transformaciones de friki a sex symbol.

 

7. Val Kilmer. El actor consiguió su primer papel de éxito como el mega-friki Chris Knight de la mítica película de los 80 Escuela de genios. Sin embargo, parece que Kilmer estaba decidido a no ser encasillado en papeles de post-adolescente marginado, así que en su siguiente película decidió meterse en la piel del teniente Tom Kazansky de Top Gun, más conocido como Iceman. Y ese fue solo su primer papel de chulillo. Le siguieron el Madmartigan de Willow, el Jim Morrison de The Doors, el Bruce Wayne de Batman Forever y el Chris Shiherlis de Heat, solo por poner algunos ejemplos. Kilmer es la prueba de que interpretar a un tipo rarito e inteligente no significa que no puedas dar el pego en la piel de un fortachón aguerrido.

 

6. Matthew Broderick. La primera película de éxito de Broderick fue la magnífica Juegos de guerra, donde interpretó a David el super-hacker. De hecho, puestos a recordar, cabe apuntar que el personaje de David era un auténtico adelantado a su tiempo. ¡En 1983, el tipo tenía Internet! Y entonces, en 1986, vino Todo en un día. De la noche a la mañana, Broderick se convirtió en el símbolo de la rebeldía juvenil más cool. De ahí en adelante, Broderick sería recordado por su época de apogeo como bad boy adolescente. Luego vendrían otras películas memorables, como Tiempos de gloria, Negocios de familia o El novato; pero las cotas de carisma de Broderick nunca llegaría a igualar a las de Ferris Bueller.

 

5. River Phoenix. ¿Recordáis la película de 1985 en la que Phoenix y Ethan Hawke exploraban el espacio propulsados por unos ingeniosos campos de fuerza? Pues bien, en la película en cuestión, titulada Exploradores, Phoenix interpretaba al friki del grupo, el cerebrito que inventaba el modo de volar. Años después, en 1989, Phoenix sería elegido para interpretar uno de los papeles más deseados del momento: el del joven Indiana Jones en la tercera parte de la saga (Indiana Jones y la última cruzada). Puede que en Los fisgones, Phoenix recuperara su perfil más friki, pero ya nunca perdería el halo glamoroso de las grandes estrellas. 

 

4. Patrick Dempsey. Lo más probable es que nadie se acuerde de esa película de los 80 llamada No puedes comprar mi amor. Si alguien consigue rememorarla, quizás recuerde que el protagonista, Ronald Miller (un chaval que le pagaba a una cheerleeder para que simulase ser su novia), estaba interpretado por Dempsey, mucho antes de ser uno de los tipos más deseados del planeta gracias a su papel en Anatomía de Gray. Si podemos sacar alguna lección del caso de Dempsey es que a veces la transformación de friki en Sex Symbol es sólo una cuestión de tiempo, de saber hacerse adulto con una cierta elegancia. Y bueno, si de paso uno se hace con un papel de médico, con estetoscopio alrededor del cuello, pues mejor que mejor.

 

3. Michael Keaton. El camino del frikismo al glamour puede ser largo y duro, como en el caso de Keaton. Al actor le costó empezar en el cine, y cuando lo consiguió no fue exactamente en papeles de galán. Sólo hace falta recordar a esa monstruosa creación de Tim Burton llamada Beetlejuice. Sim embargo, fue justamente el encuentro con Burton lo que le permitiría dar el salto al otro lado del espectro actoral. Fue todo gracias al papel de Bruce Wayne en Batman. Es este uno de los cambios de registro más impresionantes de la historia. Y es más, Keaton, valiente donde los haya, se permitió regresar al territorio de la escatología y la estupidez supina en su papel de Dogberry en Mucho ruido y pocas nueces. Para conseguir dar credibilidad a personajes tan dispares un actor debe poseer un rango interpretativo amplísimo, algo de lo que va sobrado Keaton.

 

2. Jeff Goldblum. He aquí un actor que se ha pasado gran parte de su carrera transitando la amplia línea divisoria que separa al friki del tipo chulillo, guaperas. Buen ejemplo de esto es el primer papel de su carrera, que en la web IMDB aparece como el Freak nº1 de la película El justiciero de la ciudad. La época de perdedor duró un buen tiempo, hasta que llegó la versión de La mosca que dirigió David Cronenberg. Allí, el personaje empezaba siendo un cerebrito para terminar adquiriendo poderes gracias al cruce genético con una mosca. El proceso de transformación dentro de un personaje se repetiría tanto en Jurassic Park como en Independence Day.

 

1. Anthony Michael Hall. Es el número 1 indiscutible. Hasta el día de hoy, Hall es el rey de los frikis de instituto. Entre Dieciséis velas, El club de los cinco y La mujer explosiva, Hall y el director John Hughes dejaron marcadas las normas básicas del personaje del adolescente rarito, marginado. Pero entonces, en 1990, llegó Eduardo Manostijeras, donde Hall se transformó en Jim, el novio cruel y violento de Winona Ryder. La víctima de los abusos se convertía en uno de los peores abusones de todos los tiempos.

La meca del cine celebra este año el centenario de la apertura del primer estudio de producción fílmica en el área de Los Ángeles, una pequeña casa hoy desaparecida que supuso el inicio de la multimillonaria industria de Hollywood.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (AMPAS) rendirá un homenaje a partir de hoy y hasta el 30 de agosto a los pioneros cineastas que se lanzaron a la conquista del oeste apenas tres décadas después de que llegase el primer ferrocarril a la ciudad allá por 1880.

Un montaje de las primeras películas realizadas en Los Ángeles entre 1909 y 1914 llamado "Movies! Moguls! Monkeys! and Murder!" mostrará aquellas primitivas producciones, junto con una exposición de objetos de la época que irán desde fotografías o cartas hasta un antiguo equipo de grabación.

Una colección que fue posible conservar gracias al interés de William N. Selig por guardar y catalogar esa parte de la historia del cine que vivió en primera persona. Selig, un mago de Chicago convertido en productor, abrió en el verano de 1909 una sede en Los Ángeles de su empresa Selig Polyscope Company, que había creado años antes tras conseguir construir su propia cámara de cine a imagen y semejanza de la fabricada por los hermanos Lumière.

Por aquel entonces, el séptimo arte aún estaba en fase experimental, se producía en blanco y negro y sin sonido, y el sector se desarrollaba en la costa este de EE.UU. al amparo del teatro. "Me encanta ver cómo se creó el lenguaje cinematográfico, cómo se editaba, cómo se experimentaba. Claramente no sabían cómo había que trabajar, casi todo se hacía sobre un escenario sobre el que iban probando cosas distintas", explicó a Efe Randy Haberkamp, director de Programas Educativos y Proyectos Especiales de AMPAS.

Unos conceptos creativos básicos con aire de prehistoria pero que para Haberkamp guardan la esencia del cine. "Creo que hoy se puede aprender de los primeros realizadores. Hay algo excitante en la forma en la que se elaboraba aquella magia con pocos medios", indicó.

Fueron varias las razones por las que la industria del cine comenzó a desplazarse desde la costa este hacia California, un proceso que tuvo lugar gradualmente y en el que influyó especialmente el clima de la región ya que permitía rodar durante todo el año. La búsqueda de ese "paraíso" cinematográfico en EE.UU. llevó al propio Sigel y a otros empresarios a probar suerte en Colorado o en Florida, donde el peligro de huracanes atemorizó a estos emprendedores.

Antes de comprar un local en Los Ángeles, en una zona hoy conocida como Echo Park al noroeste del centro de la ciudad, Sigel ya había utilizado los escenarios naturales del sur de California para una de sus primeras películas, "The Count of Monte Cristo" (1908) dirigida por Francis Boggs.

Por aquel entonces el entorno de la ciudad estaba despoblado y tenía un aspecto salvaje, ideal para las producciones que empezaban a demandarse. "Los 'westerns' eran muy populares y hacerlos aquí era mejor que en Nueva Jersey -por razones estéticas- Había interés en la cultura de los indios americanos, incluso había cineastas indios que hacían filmes desde el punto de vista de un experto, más allá del estereotipo", comentó Haberkamp.

Otra de las temáticas que empujó a los estudios hacia el oeste fue su adaptabilidad para reproducir filmes de aventuras en selvas inhóspitas, que hicieron furor a principios de siglo, una ambientación que Sigel reprodujo a las faldas de Hollywood.

"Se hicieron con una colección de monos, leones, elefantes y crearon historias estilo Tarzán que fueron muy exitosas. Tenían como un zoo. Más tarde donaron esos animales al zoo de Los Ángeles", señaló Haberkamp. "Hunting Big Game in Africa" (1909), "Zulu-Land" (1911) o "Lost in the Jungle" (1911) fueron algunas de esos títulos sobre historias selváticas de factura californiana.

Después de Sigel llegarían a la región míticos nombres del cine como D. W. Griffith, quien dirigiría "In Old California" (1910), y Cecil B. DeMille que en 1914 estrenaría "The Squaw Man". Hasta 1911 no aparecería el primer estudio en Hollywood propiamente dicho, el Nestor Studio, que ocuparía el espacio de una antigua cantina.

 Terra Cine - EFE

Ben Stiller es uno de esos personajes que no deja indiferente. Sus fanáticos los adoran de forma desmedida, riéndole cada gesto, cada mueca, cada payasada; mientras sus detractores ven cada una de sus películas como un crimen en toda regla contra la salud mental del espectador medio.

¿A vosotros qué os parece? ¿Es Ben Stiller el último gran maestro de la comedia norteamericana o es la mayor fraude cinematográfico desde, pongamos, Macaulay Culkin?

El debate queda abierto y el momento resulta más que idóneo, ya que llega a nuestras pantallas Noche en el museo 2, la secuela de Noche en el Museo que supone el regreso de Ben Stiller desde Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!, para muchos su obra maestra tras la celebrada Zoolander. Y para poner las cosas en situación, os presentamos algunos argumentos a favor y en contra del comediante más sufrido y apocado de Hollywood.

 

A favor: Compañero de fatigas de nombre ilustres como Will Ferrell o Adam Sandler, colega de Jim Carrey (al que dirigió en Un loco a domicilio) y la mitad del surrealista tándem que forma junto al genial Owen Wilson, Ben Stiller se ha forjado, a base de trabajo e insistencia, una carrera marcada por la coherencia. El estilo Stiller es inconfundible: sus encarnaciones suelen ser hombres marcados por la inseguridad y las dudas, chicos normales acomplejados cuyos intentos por ser aceptados lo empujan una y otra vez al pozo del ridículo, el terreno preferido del cómico. Este patrón delirante y no carente de zonas oscuras, sobretodo en el retrato de la familia y el éxito social en la sociedad americana, podemos encontrarlo tanto en la saga de Los padres de ella, como en Algo pasa con Mary, Los Tenenbaums, Duplex, Y entonces llegó ella o Starsky & Hutch. Luego, por otra parte, tenemos también al Stiller más descerebrado, salvaje e histriónico, capaz de llevar hasta extremos impensables la figura del “anormal”. Cansado de ser el buen chico, el actor se reserva cada cierto tiempo un personaje que le permite revolver entre sus instintos más básicos, dando rienda suelta al poder huracanado que emerge de su menudo cuerpo cuando se abre la veda de la locura. Es el Stiller de Cuestión de pelotas y Zoolander. Y también el de Tropic Thunder, donde carga con fuerza contra la vanidad y estupidez que campa a sus anchas por la meca del cine. En estas películas, el actor pone en funcionamiento la máquina de parodiar y se marca unas buenas risotadas a costa de los valores en alza de nuestro tiempo: el éxito, las apariencias, la belleza.

 

En contra: Repetirse no es algo malo de por sí, pero sí lo es cuando no haces más que patraña. Y eso es justamente a lo que se dedica Ben Stiller, a realizar comedietas engañabobos donde juega habitualmente la carta del sufridor para hacerse con el aprecio del público. La estrategia de por sí no es despreciable. De hecho, el gran Charlie Chaplin era un maestro a la hora de despertar ternura gracias a la vulnerabilidad de Charlot. Sin embargo, es un insulto a la inteligencia del séptimo arte pensar que Ben Stiller le pueda llegara a la suela del zapato a Chaplin. Lo de Stiller es comedia barata, fabricada a golpe de chiste vulgar, escatológico o, en el peor de los casos, ofensivo. Ha aprendido bien de otros despreciables comediantes del cine americano actual: los Farrelly, una gente que confunde la inteligencia con la capacidad de provocación, el talento con la incorrección política. Más aún, puede ser que Stiller tuviera sus momentos de gloria, hay que admitir que Zoolander tenía buenos gags y un ritmo trepidante, pero el pobre tipo de ha dormido en los laureles y lleva por lo menos desde 2004 (Starsky y Hutch) sin hacer una película que se pueda ver sin sentir arcadas. Ojo a la lista de despropósitos: Los padres de él, Escuela de pringaos, Noche en el museo (1 y 2) y Matrimonio compulsivo. Siempre lo mismo y cada vez peor. Sin gracia, con desgana, así es como se ve hoy en día a Ben Stiller, un humorista injustamente alabado y artísticamente muy limitado.

 

Y bien, ¿con quién os posicionáis vosotros? ¿A favor o en contra de Ben Stiller? ¿Maestro del humor o fraude en toda regla?

La treintañera solterona con unos kilos de más descrita por Helen Fielding en su libro "El diario de Bridget Jones" será también la protagonista de un musical en Reino Unido, después de que la versión cinematográfica se convirtiera en un auténtico éxito de taquilla.

La productora Working Title ya está trabajando en este proyecto, según confirmaron a Efe fuentes de la compañía, quienes también aseguraron que por el momento se desconoce la fecha de su estreno, aunque medios británicos ya han especulado con la posibilidad de que todo esté listo para el año 2011.

"El diario de Bridget Jones" sigue de esta manera la estela de otros éxitos cinematográficos como "Billy Elliot", película que fue trasladada a los teatros en forma de musical también por Working Title, y que desde que se estrenara en 2005 ha sido visto por más de tres millones de personas en Londres, New York, Sydney y Melbourne.

La historia creada por Helen Fielding retrata en clave de comedia los miedos que acechan a una mujer británica -interpretada en la película por Renée Zellwegger- que ha superado la treintena y que pasa las noches en su apartamento londinense cenando comida "basura" y suspirando por encontrar un príncipe azul que la rescate de su monótona vida.

Los rumores acerca de la aparición de un musical basado en "El diario de Bridget Jones" comenzaron a hacerse más fuertes a mediados de la semana pasada, cuando un columnista del sensacionalista "Daily Mail" avanzó la noticia.

La historia de Bridget Jones comenzó en las columnas que escribía Helen Fielding para "The Independent" en 1995, y con las que posteriormente escribió un libro titulado "El diario de Bridget Jones". En 2001 llegó la versión cinematográfica de la obra, protagonizada por Renée Zellweger, Hugh Grant y Colin Firth, quienes también repitieron en la secuela, titulada "El diario de Bridget Jones: Sobreviviré" y que se estrenó en el año 2004.

Terra Cine - EFE

En materia de festivales cinematográficos, no hay nada que se parezca al Festival de Cannes. En magnitud, glamour, relevancia, peso mediático, influencia artística y volumen comercial, Cannes gana por goleada a cualquier otra muestra cinematográfica. Es el festival de festivales y los números que genera hablan por sí solos. Con más de 4000 periodistas acreditados, hay pocos eventos en el mundo que generen la cantidad de minutos de información televisiva y páginas de diarios y revistas como Cannes. Durante once días, todos los ojos del Planeta Cine apuntan hacia la lujosa ciudad-balneario de la Costa Azul francesa. Este año, el festival se está celebrando entre el 13 y el 24 de mayo, y cumple nada más y nada menos que 62 años. ¡Feliz aniversario!

 En el circo mediático que es Cannes, se genera una de las grandes paradojas del cine mundial: el choque entre los máximos exponentes del cine como arte y del cine como negocio. Cannes es un gran monstruo de dos cabezas, en el que mientras uno mira hacia las propuestas cinematográficas más audaces y personales (históricamente, Cannes ha sido una de las catedrales del cine de autor), el otro se queda ensimismado en el volumen de negocios y tratos que se firman durante el festival. Contratos de distribución internacional, acuerdos de producción, acuerdos para la promoción de las películas, grandes aparatos mediáticos para la promoción de los grandes filmes de Hollywood... Cannes luce como el templo del cine-arte, y sin embargo, en sus profundidades laten con fuerza las leyes del mercado y el negocio, las leyes del mundo real. Y de echo, eso es lo que sostiene a algo tan gigantesco como el festival, que durante 62 años ha sobrevivido a toda clase de conflictos políticos y artísticos.

Por otra parte, Cannes también muestra dos caras bien diferenciadas para el espectador que puede seguir el festival a través de la cobertura de los medios y para el periodista que cubre la muestra. Así, mientras de puertas para afuera el festival no hace más que generar glamour a golpe de grandes estrellas del cine europeo y norteamericano, los entresijos del festival son más agitados y, en el mejor de los casos, cinéfilos. Seguir el festival como periodista supone muchas carreras, empujones para entrar a las salas, esfuerzos para conseguir entrevistas y para entrara a las ruedas de prensa... al final, el esfuerzo vale la pena. Para el cinéfilo, Cannes es el gran templo en el que se escriben las páginas de oro de la historia de un arte. Los organizadores del evento se lo tienen bien creído, y eso es esencial para que toda la pompa, el ceremonial y los rituales que acompañan al festival no se conviertan en algo vacuo, banal.

 En el apartado fílmico, Cannes siempre promete una visión propia de lo que es el mundo del cine a día de hoy. Y lo relevante es que el paisaje que construye Cannes es el que acabada trascendiendo e imponiéndose como el definitivo. Si un país presenta dos o tres buenas películas en una edición del festival, ya tiene asegurada la atención mundial sobre su cinematografía, y lo mismo pasa con los directores. Una Palma de Oro (el gran premio de la muestra) o una buena acogida por parte de la crítica le puede asegurar al director no sólo un gran prestigio, sino también la garantía de que su cine será mirado con atención y respeto en casi todo el mundo. El problema es que ese juego cuenta con una moneda de dos caras, y la cara fea dice que un fracaso en Cannes puede hundir la carrera de hasta el más consagrado de los directores-autores.

Porque en Cannes se escribe la historia, porque el festival es una versión del mundo en miniatura, porque allí se ven las películas importantes del año, por la emoción de estar en el corazón de la noticia... por todo ello nos chifla Cannes.

>>ESPECIAL CANNES 2009 

"Luke, yo soy tu padre". Estas cinco palabras que hace casi treinta años pronunció Darth Vader en El Imperio contraataca componen la frase más memorable de la historia del cine.

Al final de La guerra de las galaxias: El imperio contraataca, y tras una encarnizada lucha de espadas láser, el malvado Darth Vader confesaba a Luke Skywalker su secreto mejor guardado: su mayor enemigo era en realidad su padre. Ese "Luke, yo soy tu padre", que a golpe de estertor pronunció David Prowse y que en la versión en castellano llevaba la inconfundible voz de Constantino Romero, ha sido elegido como la frase más mítica de la historia del cine en una encuesta realizada por la web especializada 'lovefilm.com'.

Los más de 1.500 internautas que han participado en esta peculiar encuesta han colocado a la Reina mala de Blancanieves y los Siete Enanitos y su "¿Espejito, espejito quién es la más bonita del reino?". La medalla de bronce es para Clint Eastwood, metido en la piel de su personaje más emblemático, Harry el Sucio. En la escena en cuestión esta jugando psicológicamente con el malo apuntándole con un Magnun descargado y soltándole un despectivo: "¿no deberías sentirte afortunado, vago?".

El cuarto puesto del ranking es para un clásico entre los clásicos: el "Tócala otra vez, Sam" de Humphrey Bogart en la inolvidable Casablanca. Justo detrás aparece Anthony Hopkins metido en la piel del caníbal más famoso de la historia del cine, el Doctor Hannibal Lecter, que se cuela en los primeros puestos del ranking con su macabro "Hola Clarice" en El silencio de los corderos.

La saga Star Trek también aparece en la lista por boca del capitán Kirk y su "¡más potencia, Scotty!" con el que el Enterprise eludía cualquier peligro, mientras que en séptimo puesto está Clark Gable su contundente "francamente querida, me importa un bledo" en Lo que el viento se llevó.

El top-ten de las citas más memorables del Séptimo Arte lo completan  "Si lo construyes.. ellos vendrán", la gran enseñanza de la cinta protagonizada por Kevin Costner Campo de sueños, "Toto, creo que ya no estamos en Kansas" de la pequeña Dorothy en El Mago de Oz y "Señora Robinson... está usted intentando seducirme ¿verdad?" de El graduado.

Terra Cine - Europa Press

 

Con más de 2,7 millones de reacaudación, 'Hannah Montana. La película' se alzó hasta lo más alto de la taquilla española imponiéndose con una superioridad aplastante al otro estreno de la semana, Star Trek.

Spock, Kirk y el resto de la tripulación del Enterprise no fueron rival para Miley Cyrus/Hanna Montana que en su versión para la gran pantalla superó en un millón y medio de euros a 'Star Trek' de J.J.Abrams. La cinta protagonizada por la estrella adolescente del Disney Channel fue vista por 439.000 espectadores y logró una media de 7.000 euros por copia (387 copias). En Estados Unidos la película ha recaudado ya 74 millones de dólares.

El otro estreno de la semana llamado también a ser número uno, 'Star Trek', tuvo que conformarse con el tercer puesto con poco más de un millón de euros recaudación. En el segundo aparece 'X-men Orígenes: Lobezno', la película protagonizada por Hugh Jackman que tras debutar la pasada semana en lo más alto se agarra con uñas y dientes a los primeros puestos la taquilla.

En su tercera semana en la cartelera, la comedia española 'Fuga de cerebros' cae a la cuarta plaza aunque ya acumula un total de casi 4 millones de euros. En el quinto puesto encontramos otro estreno, 'Nunca es tarde para enamorarse' el drama romántico protagonizado por Dustin Hoffman y Emma Thompson.

Tras él aparece 'La sombra del poder', el thriller protagonizado por Russell Crowe, Zac Efron y su comedia '17 otra vez' y la cinta de animación en 3D Vamos a la luna, que debuta en el octavo puesto. Cierran la lista 'The International', la película protagonizada por Clive Owen y Naomi Watts, y el drama de época 'La Reina Victoria'.

Hace pocas semanas, uno de los templos del cine norteamericano, el Lincoln Center de Nueva York, dedicaba su gala anual a homenajear la vida y obra de Tom Hanks, uno de los más eminentes actores de Hollywood. La fiesta se convirtió en un auténtico desfile de estrellas y pesos pesados de la industria. Y es que con dos Oscars bajo el brazo (por sus papeles en Forrest Gump y Philadelphia) y cinco nominaciones en total, Hanks es toda una institución en el panorama fílmico norteamericano. Ahora, además, podemos verle metido de nuevo en la piel de Robert Langdon en Ángeles y demonios (secuela de El código Da Vinci), donde el experto en religión de la Universidad de Harvard descubre evidencias del resurgir de una ancestral hermandad secreta conocida como los Illuminati, la más poderosa organización clandestina de la historia. Al darse cuenta de que el reloj de una imparable bomba de los Illuminati está en marcha, vuela inmediatamente a Roma, donde aúna fuerzas con Vittoria Vetra (Ayelet Zurer), una hermosa y enigmática científica italiana. Embarcados en una trepidante cacería a través de criptas selladas, peligrosas catacumbas y catedrales desiertas, Langdon y Vetra seguirán el rastro de 400 años de símbolos ancestrales que señalan la única esperanza de supervivencia para el Vaticano.

 

Todo el mundo parece reverenciarse ante la figura de Hanks, ¿pero es realmente tan prodigioso su talento interpretativo? ¿Estamos ante uno de los grandes actores del Hollywood contemporáneo o simplemente ante un actor que ha sabido sacar partido de su limitado registro actoral? ¿Tom Hanks, un actor brillante o mediocre?

 

A FAVOR. ¿Qué define a un buen actor? ¿Su versatilidad, presencia, intensidad, instinto, credibilidad, constancia, buen olfato, criterio…? Pues bien, Tom Hanks posee todas esas cualidades y muchas más. En definitiva, estamos probablemente ante uno de los pocos actores que podrían haber triunfado en el marco del viejo Star System de Hollywood. Uno de los pocos que podría haberse codeado con los Brando, Dean, Wayne, Stwart o Grant… Puede que si nos remontamos a los orígenes de la carrera de Hanks alguien tenga la tentación de desacreditar el aire adolescente y frívolo de sus primeros papeles, como el de Big, sin embargo, incluso entonces, su aparente dejadez no hacía más que esconder el sensible retrato de la inseguridad juvenil. Luego, sobre todo a partir de Philadelphia, llegó la etapa de oro en la carrera del actor, que dura hasta nuestros días. Repasar sus trabajos es rendirse ante la evidencia de la maestría. Nadie como él nos ha emocionado con mayor intensidad (en Salvar al soldado Ryan o Camino a la perdición), nos ha hecho reír y llorar de forma más desatada (Forrest Gump, Náufrago) y nos ha permitido identificarnos con mayor facilidad (Apollo 13, La milla verde). Hanks es el actor al que todos adoramos, porque podemos reflejarnos en él y eso nos gusta y al mismo tiempo nos da miedo. Una cualidad sólo al abasto de los grandes.

 

EN CONTRA. Tom Hanks, uno de los mayores fraudes del cine de las últimas décadas. Poseedor de uno de los Oscar más deleznables de la historia (el que consiguió por su absurdo y facilón papel de Forrest Gump), Hanks está en el trono de Hollywood porque ha sabido jugar como nadie las pocas cartas que posee: el oportunismo, una expresión neutra que puede querer decir muchas cosas, pero que no dice nada, y el olfato necesario para cazar todo éxito de taquilla que se le cruza. Y es que repasando las películas protagonizadas por Hanks es fácil encontrar los valores más comunes y despreciables del cine norteamericano: la ñoñería, el sentimentalismo, la falta de toda crítica social, la comodidad de los finales felices… Y así, una película tras otra, cosechando millones y extendiendo hasta el infinito su perenne sonrisa socarrona y sus aires de hombre común. La historia de su carrera se remata además con una de las peores películas de los últimos años: El código Da Vinci. Probablemente le veremos protagonizando muchas más películas de éxito, pero desde aquí renunciamos a continuar siguiéndole la pista.

VÍDEO: Entrevista con Tom Hanks sobre 'Ángeles y Demonios'

El actor británico Christian Bale obligó a reescribir la próxima película de acción "Terminator Salvation", debido a que dice ser demasiado famoso para el pequeño papel de John Connor, el cual escogió personalmente, señalaron los cineastas el viernes. El director McG, cuyo verdadero nombre es Joseph McGinty Nichol, dijo que vivió la desconcertante experiencia de viajar a Inglaterra para intentar convencer a Bale para que interpretase al personaje central, Marcus Wright, pero que en su lugar Bale le pidió el rol de Connor.

McG comentó a la prensa que el guión sufrió varios golpes y que se convirtió en un desafío el filmarlo, que trabajó día y noche con Bale para dar más cabida a Connor en la historia. Bale interpretó el año pasado a Batman en "The Dark Knight", un gran éxito de taquilla.

Connor es un personaje central de la franquicia de películas que comenzó en 1984 con "The Terminator", pero originalmente su papel era más pequeño en "Terminator Salvation", la cuarta entrega, que se estrena el 21 de mayo en los cines de Estados Unidos.

El guionista John Brancato dijo que originalmente el personaje central era Marcus Wright, un reo condenado a muerte que dona su cuerpo a la ciencia tras cumplir su sentencia. Posteriormente, Wright resucita luego de que las máquinas toman control del planeta tras un holocausto nuclear.

En la película, Connor y Wright se transforman en personajes de igual importancia. Wright es intepretado por el actor australiano Sam Worthington.

Terra Cine - Reuters

Trailer de 'Terminator Salvation'