Con la memorable Seven (1994), el thriller dirigido por David Fincher, el cine expresó de la forma más transparente su capacidad para representar y exorcizar la cara más turbia y siniestra del alma humana. Como un torrente de crueldad, la película protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman nos sumía en una pesadilla urbana escalofriantemente reconocible. Por su condición de compendio del horror, Seven se convirtió en un hito del cine “pecaminoso”, sin embargo, la exploración del mal por parte del cine no es algo extraordinario, sino totalmente habitual. “El adulterio, el asesinato o el ansia de poder se deslizan por los guiones de cine como una serpiente en un edén pecaminoso”, apunta Laura Ordóñez en HoyCinema. Una realidad que se renueva mes a mes en nuestras carteleras, que no se cansan de recoger incontables testimonios acerca de las prácticas pecaminosas del ser humano. Aquí, y de la mano de Ordóñez, presentamos una lista de siete pecados explorados por el cine que está o está a punto de llegar a la cartelera.

Adulterio (No es tan fácil). Aunque puede ser presentado como un acto de dramáticas consecuencias (como demuestran películas como Una proposición indecente o Atracción fatal), el adulterio puede ser también el germen de la comedia más ligera y desenfadada, como demuestra Nancy Meyers en No es tan fácil, un embrollo amoroso a tres bandas protagonizado por una interesante madurita (Meryl Streep), su ex marido (Alec Baldwin) y el arquitecto que contrata para renovar su cocina (Steve Martin). La lista de filmes sobre el adulterio es larguísima y comprende desde viejas obras maestras como Casablanca o Gilda hasta nuevos clásicos como Los puentes de Madison de Clint Eastwood o Hannah y sus hermanas de Woody Allen.

Ambición (Furia de titanes). La ambición es uno de los pecados más cinematográficos que existen. De hecho, la considerada “mejor película de la historia”, Ciudadano Kane, es la crónica de una ambición desmedida, un sentimiento que también encontramos en películas como Gigante, Scarface (de Brian de Palma con Al Pacino) o la reciente Pozos de Ambición de Paul Thomas Anderson. Mirando al presente, cabe atender al próximo estreno del remake de la cinta que Desmond Davis estrenó en 1981 sobre un clásico de la mitología griega regresa al cine en una versión mucho más moderna gracias a las mismas técnicas de filmación utilizadas en la película 300. Sam Worthington, Liam Neeson y Ralph Fiennes protagonizan este filme sobre la batalla por el poder que enfrenta a hombres, reyes y dioses.  

Crimen (Blindado). Los robos son otro ingrediente esencial de la historia del cine: de los complots más enrevesados (El golpe, Ocean’s Eleven) a los atracos más complejos (Atraco perfecto), pasando por los más pirotécnicos (Heat) o los más fallidos (Sospechosos habituales). La última heredera de este subgénero es Blindado. Matt Dillon y Laurence Fishburne protagonizan este filme en el que un guarda novato se ve empujado a intervenir en el robo de uno de los camiones blindados de su empresa.

Avaricia (Cuento de navidad). La representación de este pecado capital tuvo su bautizo fílmico en la fundacional Avaricia, del alemán Eric von Stroheim, pieza clave del cine mudo. Luego llegarían un sinfín de nuevas exploraciones sobre la ambición desmedida, de la cínica Wall Street de Oliver Stone a la desquiciada American Psycho de Mary Harron pasando por la clásica El tesoro de Sierra Madre de John Houston. Mirando a la cartelera, nos encontramos con la adaptación del clásico de Charles Dickens realizada por Robert Zemeckis, que narra cómo el viejo Scrooge abre su huraño corazón en Navidad. El director utiliza la misma técnica de animación (motion capture 3D) que en sus dos últimas películas, Polar express y Beowulf, y tira de un espectacular elenco de voces, Jim Carrey, Gary Oldman y Colin Firth.

Incomunicación (Tokyo Sonata). ¿Qué sería del cine moderno sin las odas a la incomunicación que fabricaron cineastas como Michelangelo Antonioni o Ingmar Bergman? Un testimonio que en los últimos años ha sido recogido por el cine asiático, tanto por cineastas coreanos, como Kim Ki-duk (Hierro 3), como por autores taiwanesas (Tsai Ming-liang) o de Hong Kong (Wong Kar-wai). La última perla sobre la incomunicación llegada de oriente es Tokyo Sonata del japonés Kiyoshi Kurosawa, que nos acerca a una familia japonesa que se desintegra silenciosamente.

Injusticia (The Lovely Bones). El crimen y la muerte como fuerza injusta y arbitraria puebla los rincones más dramáticos del séptimo arte. Películas como Antes y después, El dulce porvenir o En la habitación exploran el dolor que deja la a su paso la pérdida y el asesinato. Peter Jackson aprovecha este motivo dramático para regresar a territorios más intimistas (después de la trilogía de El señor de los anillos y King Kong). Basada en la novela Desde mi cielo y protagonizada por Mark Wahlberg y Rachel Weisz, The Lovely Bones está narrada por una niña de 14 años que, tras ser violada y asesinada, es testigo desde el cielo de cómo cambia la vida de su familia y amigos.

Violencia (Celda 211). Otra pieza fundamental del planeta cine. ¿Qué seria del séptimo arte sin las carnicerías de Samuel Fuller (Uno rojo, división de choque), Sergio Leone (Hasta que llegó su hora) o Sam Peckimpah (Grupo salvaje)? ¿Sería el cine igual sin la ultraviolenta La naranja mecánica de Stanley Kubrick o sin los festivales de violencia plástica e irónica de Quentin Tarantino? La última gran película en sumarse al carro de la violencia como energía narrativa es Celda 211. Construida sobre una tensión asfixiante y con un estilo cercano al documental, el filme de Daniel Monzón está sacudido por una violencia que va más allá de lo físico. Es la violencia sofisticada de nuestros tiempos que nos escupe una paradójica realidad: un asesino puede tener un código ético y un guardián de la ley puede esconder a un asesino.

Es curioso. Cuando se trata de comentar las mejores (o al menos las más divertidas) familias del cine, lo más habitual es que la conversación derive hacia la disfuncionalidad. Todo el mundo tiene su familia calamitosa favorita, sean los Tenenbaum de Wes Anderson, los Corleone de El Padrino o los Hoover de Pequeña Miss Sunshine. Por otra parte, si de lo que se trata es de encontrar familias avenidas, felices, compenetradas… la cosa se pone más difícil. Lo habitual es que este tipo de familia protagonice películas aburridas y convencionales. Sin embargo, para reivindicar la posibilidad de la armonía familiar, presentamos aquí, de la mano de la gente de Cinematical, a las mejores familias avenidas del cine. ¿Cuál es vuestra favorita? ¿Nos hemos dejado alguna que os parezca fundamental? 

Los increíbles (2004). Los Parr no son perfectos. Después de todo, Bob (el Sr. Increíble) suele esconderse en el patio trasero de casa para utilizar sus poderes cuando la familia ha decidido dejar atrás su vida “increíble”. Sin embargo, cuando un miembro de la familia se halla en peligro, el grupo al completo se pone en marcha en su ayuda. Así es la divertidísima familia protagonista de la película de Pixar, que comparte carisma y desenfado con otra magnífica super-familia, la de la saga de Spy Kids.

La familia Adams (1991). Puede que sea la familia más espeluznante y mórbida, pero también la más feliz. Morticia y Gómez se comportan como si se acabaran de casar (viven una luna de miel perpetua), apoyan de forma incondicional a sus hijos en todos sus proyectos (por muy peligrosos que sean), acogen afectuosamente a un hermano largamente perdido y dejan que la abuela viva con ellos. Y encima, la familia permanece unida durante toda la película. ¿Cómo es posible que cuando se reclama que no hay suficientes familias avenidas en el cine nadie piense en los Adams?

Cita en St. Louis (1944). Este dulzón y ultra-nostálgico musical es considerado un pliar del cine clásico. La familia protagonista, absolutamente idealizada, es tanto una celebración de los valores tradicionales como un estallido de iconografía kitsch. El padre de los Smith puede resultar un tanto dictatorial, aunque se gana la simpatía del espectador gracias a su exigente convivencia junto a cinco hijos e hijas (incluida Judy Garland) distribuidos entre la infancia, la pubertad y la adolescencia. Ahí es nada. El panorama lo remata el excéntrico abuelo y la servicial esposa, la mujer de la casa.

Juno (2007). Juno MacGuff (Ellen Page) es una adolescente embarazada y soltera… y en ningún momento recibe reproche alguno por parte de su familia. Su padre y su pareja la ayudan a decidir qué hacer con el embarazo, la llevan a las visitas al médico y están dispuestos a luchar contra todo aquel que se atreva a criticar a Juno. La relación con el padre (J.K.Simmons) es particularmente entrañable, aunque la esposa del padre (Allison Janney) tampoco se queda atrás: una de las escenas más memorables de la película es aquella en la que Janney y Page comparten ilusiones y emociones en una prueba de ultrasonido.

Charlie y la fábrica de chocolate (1971-2005). Ambas adaptaciones del clásico de Roald Dahl ofrecen una interesante perspectiva sobre las disfuncionalidades y la armonía familiar. Por una parte, están las familias que acompañas a Charlie en su visita a la fábrica de chocolate: todas amargadas en un sentido u otro. En la versión de Tim Burton, incluso Willi Wonka debe afrontar problemas familiares. Sin embargo, en el caso de Charlie, el abuelo Joe y el resto de la familia, la felicidad, la armonía y el respeto son las premisas a seguir y cumplir, por muy precaria que sea la situación económica.

Mujercitas (1933-1994). Los March deben ser, probablemente, la familia más revisitada de la historia del cine. Sus innumerables versiones van del clásico de 1933 (con Katharine Hepburn como Jo) a la versión renovada de 1994 (con Susan Sarandon y Winona Ryder). En la mayoría de estas películas, el personaje del Sr. March no aparece demasiado, sin embargo, el amor que todas las hijas comparten con su madre, Marnee, es una de las grandes razones por las que el libro de Louisa May Alcott y sus versiones fílmicas son tan adoradas. Sí, se trata de material ultra-sensible, situado en la frontera de la cursilería y el melodrama, pero la imagen del inquebrantable grupo de mujeres reunidas alrededor del piano es de un encanto inevitable.

'Cría fama y échate a dormir', esa parece ser la máxima que se sigue en el mundo del cine. O, por lo menos, es lo que vale para que una película sea seleccionada por España para competir por los preciados premios americanos.

¿Cómo se explica, si no, que la Academia de Cine haya seleccionado a El baile de la victoria, de Fernando Trueba, para pelear por el Oscar a la Mejor Película Extranjera? No es, precisamente, el tipo de película que puede agradar a los miembros de la academia norteamericana. La única razón parece ser, entonces, el reputado nombre del director en aquellas tierras (ya ganó el Oscar en 1993 por Belle epoque).

Pero no es la única vez que hemos hecho algo así. Recordemos, por ejemplo, el predicamento que ha tenido José Luis Garci desde que consiguiera la estatuilla, allá por 1982, con Volver a empezar (por la que, por cierto, nadie daba tampoco ni un duro). Antes de 'enemistarse' con los mandamases de nuestro cine, el director había sido el elegido también por El abuelo (1998), Asignatura aprobada (1987), y Sesión continua (1984). ¿Realmente eran las mejores películas hechas aquellos años? Evidentemente, no. Pero eran de Garci, y allá que las enviamos. No hace falta decir que no tuvieron nada que hacer, y se volvieron a casa de vacío.

Otros grandes nombres del cine español, como por ejemplo Carlos Saura, Jaime de Armiñán o Pedro Almodóvar, también han sido escogidos en más de una ocasión, de nuevo más por el nombre que por la calidad de sus filmes. Pero quizá, en esos casos, no quedaba tan patente que las posibilidades de éxito eran prácticamente nulas.

Saura optó a los premios con Carmen (1983) y Mamá cumple 100 años (1979), que no consiguieron la estatuilla. Armiñán lo intentó con Mi querida señorita (1972) y El Nido (1980), pero tampoco tuvo suerte. Almodóvar también ha tenido varias oportunidades, con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), con la que no venció pero le abrió las puertas del mercado americano, y Todo sobre mi madre (1999), que sí le valió el Oscar.

La mayor 'cagada' del cine español se produjo con Hable con ella (2002), también de Almodóvar, que no fue seleccionada por la Academia de Cine de nuestro país para mejor película extranjera, pero se llevó el Oscar al mejor guión original y estuvo a punto de ganar el Oscar a la mejor dirección.

Aún reconociendo que estos premios de la industria de EE.UU. tienen mucho que ver con ciertos intereses y cierto politiqueo, en ocasiones, y con según qué títulos, uno ya se imagina que no tenemos nada que hacer. Y si eso supone, además, renunciar a otras películas que pueden dar más juego, todavía peor.

Siempre puede haber sorpresas, pero con El baile de la victoria, la Academia española se vuelve a cubrir de gloria, yendo a lo 'seguro' y sin arriesgar. Habrá que ver si entra siquiera en el quinteto final que optará al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. Eso es algo que no está nada claro.

No es extraño que los directores de cine se lo piensen dos veces a la hora de elegir a un actor joven. Es bien sabido que la adolescencia suele ir acompañada de inseguridades, cambios (físicos y de humor) continuos y una desgana crónica (conocida como edad del pavo) que no suele dar buen resultado en la gran pantalla. Sin embargo, una cosa es contratar a un actor post-adolescente para que encarne a un jovenzuelo y otra muy diferente hacer pasar por chaval a un actor aposentado en la edad adulta. Presentamos aquí, de la mano de la página College Humor, una lista de siete actores que eran demasiado mayorcitos para interpretar a estudiantes de instituto.

Harland Williams en La casa de la fraternidad (2002) - Edad en la película: 25, siendo generosos. / Edad real: 40. He aquí un diálogo imaginario entre el director de casting de esta película y su productor. Director de casting: “Lo siento jefe, pero hemos enviado ofertas a todos los comediantes de Hollywood y ninguno quiere aparecer en esta película”. Productor: “¿Nadie?”. Casting: “Bueno, el tipo de El astronauta (1997) está libre, pero parece lo suficientemente mayor como para ser el padre de los chavales de la peli”. Productor: “¡¡Bueno!! ¿Qué más da? Tampoco es que estemos haciendo Ciudadano Kane. Contrátale”. 

Judd Nelson en El club de los cinco (1985) – Edad en la película: 17 / Edad real: 26. Que el “bad boy” al que daba vida Judd Nelson en el clásico juvenil de John Hughes fuese un poco mayor que sus colegas de castigo tenía su lógica. Lo que era más difícil de asimilar era la sensación de que el tipo llevaba un par de décadas bebiendo y fumando como un cosaco. Como en la mayoría de casos de esta lista, la culpa no debería recaer en actor, sino en el director de casting, que obligó a Nelson a encubrir su aspecto de veterano bajo unos (míticos) guantes sin dedos y una casaca con pinta de cantar a kilómetros vista.  

Richard Dreyfuss en American Graffiti (1973) - Edad en la película: 18 / Edad real: 26. A la práctica, o mejor dicho, en la ficción, Richard Dreyfuss pasó, en sólo un año, de estudiar en el instituto de American Graffiti a perseguir a un tiburón en el clásico de Steven Spielberg. De hecho, la edad de Dreyfuss, en general, es un auténtico misterio de la naturaleza, ya que el actor pasó de chaval a tipo maduro en un santiamén y se quedó ahí, interpretando a personajes en la cincuentena, durante varias décadas.

Stockard Channing en Grease (1978) - Edad en la película: 17 / Edad real: 33. Si hablamos del musical Grease, cualquiera de sus protagonistas merecería un lugar en esta lista. John Travolta y Olivia Newton-John los primeros. Sin embargo, hay algo profundamente inverosímil en el hecho de ver a Stockard Channing (Betty Rizzo en la ficción) interpretando a una adolescente. Hay algo en su amargura que tiene aroma a viejo. Y es que de hecho, la actriz, que había celebrado sus 33 primaveras, iba ya por su segundo y atribulado matrimonio.

Eric Christian Olsen en No es otra estúpida película americana (2001), ¡Este cuerpo no es el mío! (2002), Dos tontos muy tontos: Cuando Harry encontró a Lloyd (2003), Fired Up (2009) - Edad en la película: 17 / Edad real: 23 – 32. Otro extraño milagro de la ficción cinematográfica. Christian Olsen alcanzó el estrellato gracias a esa más bien estúpida comedia satírica americana. Y luego, como por arte de magia, se quedó en esa edad de forma indefinida… hasta este mismo año, donde interpretó, sin atisbo de ironía (en Fired Up), a un personaje muy similar al que le dio la fama.

Shannon Elizabeth en American Pie (1999) - Edad en la película: 18 / Edad real: 26. Cuando hablamos de Nueva comedia americana, la verosimilitud queda siempre en un segundo plano. Más aun si de lo que se trata es de sobre-excitar los instintos básicos de los jóvenes espectadores de teen movies. ¿Que Shannon Elizabeth no puede pasar de ninguna manera por una chavalita de 18 años? ¿Tiene eso alguna importancia? La inclusión de la inigualable y despampanante Shannon tenía un objetivo muy concreto… y ampliamente cumplido.

Las historias de amor forman parte de las materias primas con las que los guionistas de Hollywood cocinan sus relatos. En la mayoría de casos, lo que cuenta es la verosimilitud de la historia, la credibilidad de los personajes y la capacidad del espectador para identificarse con los protagonistas. Sin embargo, hay ocasiones en las que la intensidad de los emociones acaba con todo lo demás. Es entonces cuando, casi sin quererlo, las películas de la meca del cine pueden acercarse peligrosamente a conceptos en principio muy distantes a la moral imperante. Para demostrar esta tesis, os presentamos seis ejemplos de historias de amor muy, pero que muy raras. 

Big (1988, Penny Marshall). El planteamiento lo dice todo: un chavalín de doce años llamado Josh Baskine se transforma de la noche a la mañana en un hombre con la pinta de Tom Hanks y termina liándose con una ejecutiva sexy y ambiciosa interpretada por Elizabeth Perkins. ¿No os viene a la cabeza la palabra “ilegal”? Sin intención de ponernos en un plan excesivamente moralizador, resulta inevitable advertir los esfuerzos de los guionistas de Big por intentar que el espíritu joven de Josh no parezca demasiado aniñado (aunque esa es la principal baza de la película) y así hacer más verosímil la relación con Perkins, a la que le fascina justamente la ingenuidad e inocencia de Hanks. A la postre, es imposible no pensar en la diferencia de edad cuando el primer gran encuentro amoroso se produce después de que Josh celebre su 13º cumpleaños.

Superman (1978, Richard Donner). Afrontémoslo, ¿qué posibilidad tendría cualquier hombre de arrebatar a Lois Lane de los brazos de Superman? ¿Qué pueden hacer unas flores y una caja de bombones contra un paseo por el cielo y la capacidad de echar el tiempo atrás cambiando el sentido de rotación de la tierra? En fin, nada que hacer. Lo que nos lleva a advertir un pequeño detalle. Superman es de otro planeta y Lois es humana. Es decir que su relación apunta directamente al sexo interplanetario (aun cuando por la casualidad más grande jamás conocida) los habitantes de Krypton son como los hombres.    

Un mar de líos (1987, Garry Marshall). Kurt Russell es un carpintero con cuatro hijos a los que alimentar y Goldie Hawn es una ricachona que lo contrata, lo trata de pena y termina tirándolo por la borda de un barco sin pagarle. Pero claro, Goldie también se cae de su yate y sufre un severo caso de amnesia, hecho que aprovecha Kurt para embaucarla y convencerla de que llevan trece años casados. La venganza está servida: él la trata a ella como si fuera una escalava. Pero claro, como en toda buena comedia romántica, al final triunfa el amor… y el odio y el acoso psicológico son olvidados como si nunca hubieran estado ahí. 

¿Conoces a Joe Black? (1998, Martin Brest). Cuando la muerte llama a tu puerta, lo más probable es que tu vida esté a punto de tocar a su fin… a no ser que seas un tipo inteligente e intrigante como Anthony Hopkins y, sobre todo, tengas una hija cañón con el cuerpo de Claire Forlani. Puede sonar descabellado y ruin, pero ese es, literalmente, el planteamiento de ¿Conoces a Joe Black? En fin, que encima la muerte queda prendada por Claire y para seducirla se mete en el cuerpo de Brad Pitt. Al final, y como era de esperar, la cosa termina en un caso explícito de necrofilia sensiblera. Para que luego hablen del puritanismo de la meca del cine. 

Ghost (1990, Gerry Zucker). Todo el mundo conoce la historia: Patrick Swayze y Demi Moore es una pareja (aficionada a moldear cerámica) cuya historia se ve truncada por la muerte. Sin embargo, el amor trasciende los límites de la vida y la muerte y Patrick se pasa la película intentando comunicarse con Demi, algo que logra finalmente gracias a la ayuda de una excéntrica pitonisa interpretada por Whoopi Goldberg. Y entonces llega el momento raro, raro, raro: Whoopi deja que el espíritu de Patrick la posea para tener un momento físico de intimidad con Demi. Nosotros, los espectadores, asistimos a un romántico baile/arrumaco entre los amantes. Sin embargo vale la pena recordar que ¡las que están abrazadas son Whoopi y Demi! En fin, que estamos a favor de todas las opciones sexuales y sentimentales, pero en este caso la imagen y la realidad están a años luz de distancia en materia de potencial sensual. 

Crepúsculo (2008, Catherine Hardwicke). Terminamos con el más reciente, y quizás más flagrante, de los casos. Cuando Bella ve a Edward Cullen por primera vez, la chica no tiene dudas acerca de que es el hombre de su vida. Afortunadamente, el sentimiento es mutuo y Edward se convierte en el protector (y perseguidor) de Bella. Lo de meterse en la habitación de ella para verla dormir puede ser romántico, pero también inquietante. Sin embargo, lo que nos preocupa aquí, como en el caso de Big es la diferencia de edad. No olvidemos que ¡¡¡Bella tiene 17 años y Edward 108!!! ¿Qué pueden tener estos dos en común? ¿A cuantos institutos habrá ido Edward? ¿Cuántas chicas habrán intentado ligárselo? Y la pregunta clave: ¿Cuántas Bellas deben haber habido anteriormente en el historial de Edward? Cuesta creer que un guaperas se haya pasado 90 años yendo al instituto sin ligar unas cuantas veces.

Es difícil explicarlo de otra manera. Los acontecimientos se amontonan en los archivos de noticias y formulan una tétrica pregunta: ¿Estará gafado Tom Cruise? Cuando todavía colean los flecos del accidente acontecido durante el rodaje de Valkiria, la anterior película de Cruise (sobre el intento de asesinato a Hitler), que dejó una triste lista de once extras lesionados, ahora leemos en la web de The Hollywood Reporter que siete toros utilizados en el rodaje de la nueva película del actor (titulada Knight and Day) se han escapado y herido a dos mujeres.

La información es un tanto difusa. Se explica que dos mujeres no identificadas han resultado heridas cuando los toros se han dispersado de forma no controlada por el centro de Cádiz, corriendo por las calles hasta una playa cercana. Todavía no está claro si las mujeres heridas forman parte del equipo del filme. Los hechos han sucedido durante un ensayo. Cruise y Cameron Diaz no se hallaban en el rodaje en el momento del incidente. Está previsto que el dúo de estrellas llegue a la ciudad durante la presente semana. De hecho, el rodaje debía empezar hoy mismo, pero Ignacio Romani, miembro del consistorio de Cádiz ha anunciado que la filmación ha sido provisionalmente suspendida. 

Lo dicho, la mala suerte parece perseguir a Cruise desde hace tiempo. El actor lleva varios años sin conseguir un gran éxito de taquilla (ni siquiera Misión Imposible 3, de 2006, logró cumplir las expectativas) y hace más de un lustro de su último gran papel, en Collateral (2004). De por medio, escándalos mediáticos, conflictos derivados de su adhesión a la Iglesia de la Cienciología, excesos temperamentales… y encima, los accidentes parecen ser la norma en sus últimos rodajes. Además del de Valkiria y el del fin de semana en Cádiz, a finales de la semana pasada, otro incidente marcó la actualidad del rodaje de Knight and Day en Sevilla, cuando el caos se desató durante el rodaje de una secuencia con toros en la Plaza de la Maestranza.

De hecho, la página web “El guardián entre el orégano” ha dejado un testimonio audiovisual de los acontecimientos. En el video en cuestión, se puede ver cómo están grabando en la Plaza de La Maestranza una secuencia de acción que transcurre en una plaza de toros en la que un coche y una moto se mezclaban con corredores de un encierro taurino. Por lo visto, entraba dentro de lo previsto que algún toro se colara al callejón, pero lo que no se barajaba era que se colara el encierro entero, como sucedió. Los toros circularon con total libertad por el exterior de la plaza, aunque por suerte las rejas que delimitaban con el paseo exterior, en el que se habían agrupado algunos curiosos, estaba cerrada.

Quienes lo pasaron peor fueron los dobles de Tom Cruise y Cameron Diaz, que se tuvieron que subir precipitadamente a las rejas que rodean la plaza para evitar ser atacados por lo toros. Finalmente fueron los pastores que guiaban a la manada quienes lograron reconducir a los astados de vuelta al ruedo y de ahí a los corrales. 

Knight and Day, dirigida por James Mangold, es una comedia romántica de acción en la que el protagonista, un agente secreto que encarna Tom Cruise, le enseña a su novia, Cameron Diaz, los lugares más bonitos del mundo, entre los que se encuentran las ciudades de Cádiz y Sevilla. Según había adelantado el productor en España del proyecto, José Luis Escolar, una de las escenas que se iban a rodar en Sevilla era una persecución en la que Tom Cruise daba esquinazo a sus perseguidores gracias al tranvía que recorre el centro de la ciudad. Aunque ahora habrá que ver si el accidente en Sevilla no trastoca el grueso del rodaje.

Dejémonos llevar un poco por la nostalgia: ¿Quién recuerda a los míticos Gladiadores Americanos? Todos aquellos que crecimos aferrados a la pantalla de televisión durante la década de los 90, guardamos en un rinconcito de nuestra memoria catódica a los musculosos protagonistas de este programa, mezcla de apología de la vigorexia, gincana psicotrónica y celebración patriótica yanki. En fin, una salvajada para mentes adolescentes. De hecho, si hacéis memoria, seguramente recordaréis que el programa se emitía en las mañanas de Telecinco acompañado por otras cumbres de lo kitsch como Pressing Catch y Humor Amarillo (el hermano gemelo asiático de los Gladiadores). ¿Erais fans de los Gladiadores Americanos? ¿Lo recordáis con cariño o quizás como un espectáculo algo casposo (muy cerca del Walker Texas Ranger de Chuck Norris)?

Sea como sea, es incuestionable que el programa, que se rodaba en los Universal Studios de Hollywood, nos regaló incontables horas de evasión heroica. ¿Cómo olvidar las legendarias pruebas eliminatorias que los luchadores amateurs debían superar para hacerse con el derecho de enfrentar a los Gladiadores “profesionales”? ¿Recordáis la Bola Gigante, en la que se metían los pobres pipiolos/concursantes para intentar llegar hasta unas casillas, mientras los Gladiadores les lanzaban todo tipo de objetos desestabilizadores? ¿Y qué decís de La Muralla Americana o Los Palillos (en la que los concursantes se enfrentaban, stick acolchado en mano, a los temibles luchadores vestidos con sus barras y estrellas)? En fin, un clásico imperecedero. De hecho, el programa, que duró siete temporadas en Estados Unidos (de 1989 a 1996), tuvo un revival reciente, en 2008, que fue presentado por el mismísimo Hulk Hogan, aunque sin demasiado éxito de audiencia.

Pues bien, los fans de este programa-icono de los 90 pueden considerarse de enhorabuena, ya que, según informa la web de Variety, American Gladiators tendrá su versión cinematográfica. El guionista Peter Iliff, conocido por haber escrito filmes míticos de acción como Juego de patriotas o Le llaman Bodhi, ha recibido el encargo de llevar a la gran pantalla a los hercúleos protagonistas del programa de TV, que a lo largo de su historia ha sido retransmitido en más de 90 países. Ahí es nada. En la película, también intervendrán, como productores, Scott Mednick (Teenage Mutant Ninja Turtles) y Johnny Ferraro, el creador del programa original. De momento, no se conocen detalles del argumento del filme, aunque sí ha trascendido que se está tanteando el año 2011 como fecha de estreno posible.

¿Os gustaría ver a los Gladiadores Americanos en acción en la gran pantalla? ¿Qué recuerdos tenéis del programa original? ¿A qué actores os imagináis interpretando a los forzudos y atléticos luchadores? ¿Hugh Jackman, Brad Pitt, Jason Statham? ¿O por qué no recuperar a verdaderos "héroes americanos" como Chuck Norris o Sylvester Stallone? Por soñar que no quede.

La gala de los Oscar honoríficos no sólo sirvió para premiar a los homenajeados, sino también para que uno de los productores de la ceremonia de este año desvelara ya algunos secretos de la gala del 7 de marzo.

Según confirmó el productor Bill Mechanic, Pedro Almodóvar y Quentin Tarantino entregarán el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Agregó, además, que él y Adam Shankman no repetirán la pauta de la entrega de los Oscar de interpretación del año pasado, en el que cinco anteriores ganadores de la categoría entregaban el Oscar a un nuevo ganador.

Sobre los posibles números musicales, fue evasivo y dijo que no estaba seguro de lo que podría suceder en este sentido todavía.

Estas novedades rompen con el absoluto secretismo en el que Bill Condon y Laurence Mark prepararon la ceremonia el año pasado, incluso evitando que trascendieran los nombres de los invitados que entregaban los diferentes Oscar.

Este año, a mediados de noviembre, ya tenemos dos: Almodóvar y Tarantino

Hollywood no perdona. La meca del cine se alimenta del resplandeciente brillo de sus estrellas, sin embargo, cuando estas dejan de ser rentables financieramente, no se duda en someterlas al escarnio público, que año a año se materializa en la temida lista que realiza la revista Forbes con “Los actores más sobrevalorados de Hollywood”. Para empezar, cabe dejar claro que el término “sobrevalorado” se aplica con una connotación únicamente económica. No se discute aquí el talento de las estrellas, sino su capacidad para atraer al público a las salas. Además, la lista de este año llega en un momento particularmente delicado para el star system de Hollywood, cuando el enorme éxito de los filmes de animación y de las sagas sin super-estrellas (Star Trek, Crepúsculo, Transformers) ha puesto en duda el valor de coste de los actores mejor pagados.

Pues bien, en este contexto, la patata caliente de ser considerado el actor más sobrevalorado del momento ha caído en manos del estupendo comediante Will Ferrell. Conocido por filmes como Zoolander (2001), Patinazo a la gloria (2007) o Hermanos por pelotas (2008), Ferrell lidera el ranking de Forbes con los supuestos “enemigos de la taquilla” (temible calificativo). El actor se ha encaramado hasta la cima de la fatídica lista gracias, en gran medida, al fracaso de la película El mundo de los perdidos, que tuvo un coste de alrededor de cien millones de dólares y que consiguió recaudar tan sólo 65 millones tras su estreno el pasado verano. Según los responsables de la lista, “por cada dólar que ha cobrado Ferrell, sus películas han ganado de media 3,29 dólares". Lejos parecen quedar los tiempos en que el carisma de Ferrell (forjado en sus años como estrella del Saturday Night Live norteamericano) arrastraba al público a las salas a ver películas como El reportero (2004) o Elf (2003), que facturó en las salas de cine 220 millones de dólares.

Por su parte, el escocés Ewan McGregor, conocido por su participación en Moulin Rouge (2001) y en la segunda trilogía de Star Wars, ocupa la segunda posición del ránking, ya que por cada dólar invertido en él, sus últimas cintas ganaron una media de 3,75 dólares. Billy Bob Thorton completa el podio de “enemigos de la taquilla” debido a al prácticamente invisible estreno de películas como Cuestión de pelotas o The Astronaut Farmer, que recaudaron 34 y 11 millones de dólares, respectivamente.

En la cuarta posición de la lista encontramos a otro comediante en horas bajas: Eddie Murphy. El bueno de Eddie lleva muchos años jugando con fuego. Su talento como comediante se difuminado hasta aniquilar el recuerdo de sus frescos y transgresores años dorados. De hecho, el favor del público le acompañó incluso en películas bastante olvidables, como Dr Doolittle o el desastroso remake de El profesor chiflado, películas que alcanzaron la sorprendente cota de los 300 millones. Sin embargo, el público se ha agotado de verle repetir una y otra vez los mismos chistes y sus últimas cintas han sido sonados fracasos de taquilla. Atrapado en un pirado e Imagine That han ganado 4,43 dólares por cada dólar que los estudios han invertido en Murphy.

En el ecuador de la lista de diez actores se encuentra la estrella de hip-hop Ice Cube, seguido en este orden por pesos pesados de Hollywood como Tom Cruise, Drew Barrymore, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson y Jim Carrey. Queda claro que los reveses de taquilla no perdonan ni a la más legendaria de las estrellas. "Durante mucho tiempo, Cruise tuvo uno de los mejores contratos en Hollywood. En algunas ocasiones, la estrella acabó ganando dinero, mientras el estudio seguía en números rojos". La escasa resonancia de Valkiria ha condenado a Cruise al puesto 6 de la lista.

Drew Barrymore es la única mujer que aparece en la lista de Forbes, de quien la revista asegura que ha tenido últimamente "más suerte como productora que como actriz". Aunque el gran fracaso (financiero) de Barrymore le ha llegado con su primera película como directora: Whip It, filme al que ni las buenas críticas ni el sugerente casting (liderado por Ellen “Juno” Page) han conseguido salvar de la quema de la taquilla. 

Otro peso pesado del star system, Leonardo DiCaprio, es según Forbes el octavo actor más sobrevalorado de Hollywood. Sin ser grandes fracasos, las películas que estrenó en el último año, Revolutionary Road y Body of Lies fueron "modestos éxitos en taquilla", y para los despiadados periodistas de Forbes "una estrella que cobra el salario de DiCaprio no se puede conformar únicamente con éxitos modestos". Cierran la lista Samuel L. Jackson (protagonista de recientes fracasos de taquilla como The Spirit, Gospel Hill o Jumper) y Jim Carrey (al que el público dio la espalda en Di que sí y I Love You Phillip Morris). Los trabajos de estas dos ex–estrellas de éxito reportaron a sus películas ingresos de 8,59 y 8,62 dólares, respectivamente.

Penélope Cruz podría ser la protagonista femenina de de la cuarta entrega de Piratas del Caribe. Una cinta que, según apunta 'The Telegraph' convertirá a Johnny Depp en uno de los actores mejor pagados de la historia al embolsarse más de 23,5 millones de euros.

La nueva película de la saga de Disney llevará por título 'On Stranger Tides' y, según apunta el periódico británico, echará la vista atrás en el tiempo a través de flashbacks para relatar los orígenes del protagonista, Jack Sparrow, que tendrá como partenaire femenina al personaje que encarnará Penélope Cruz.

Además, 'Piratas del Caribe 4' convertirá a Depp en uno de los actores mejor pagados de la historia con un salario que superará los 23,5 millones de euros. Finalmente, el actor ha llegado a un acuerdo con Disney que ha tirado la casa por la ventana para asegurarse el regreso de Depp, el alma de su saga más taquillera de los últimos tiempos. Además que ni Orlando Bloom ni Keira Knightley vayan a repetir en sus papeles deja las manos libres a Disney para 'invertir' en Jack Sparrow.

Los emolumentos que recibirá por embarcarse de nuevo en la Perla Negra colocarán a Depp en el quinto puesto de la lista de los mejor pagados de Hollywood por delante de Mel Gibson, Will Smith o Matt Damon. Un ránking que sigue encabezando Harrison Ford, por su trabajo en 'Indiana Jones 4' que le reportó casi 43 millones de euros, Tom Hanks con 'Ángeles y Demonios' y Cameron Díaz por 'Sucedió en Las Vegas' (ambos con 32 millones de euros) y Jim Carrey  por 'Un loco a domicilio' (casi 29 millones).

Según la teoría sociológica, todo gran fenómeno de masas pone en juego un gran número de mensajes (evidentes u ocultos) que tienen relación con los deseos o anhelos de sus participantes. ¿Y acaso existe un movimiento de masas más llamativo que el fenómeno fan generado en torno a la saga Crepúsculo? Y así, siguiendo los pasos de series como Buffy la cazavampiros, la popular saga vampírica ha generado un amplio debate en el contexto académico. Curiosamente, la cuestión que está generando una mayor controversia y discusión es: ¿Existe en Crepúsculo una apología de la abstinencia sexual?

Según leemos en la página web Cinematical, un grupo de investigadores, autores del libro “Bitten by Twilight: Youth Culture, Media, and the Vampire Franchise” (Mordidos por Crepúsculo: Cultura juvenil, medios de comunicación y la franquicia vampírica), han realizado un amplio número de entrevistas a fans de la saga y han llegado a varias conclusiones. De partida, según los investigadores, “lo que nos ha sorprendido es la respuesta favorable de los adolescentes ante el obvio mensaje a favor de la abstinencia que hay en los libros. Muchas de las chicas a las que entrevistamos habían sentido, en algún momento, la presión por mantener relaciones por parte de su pareja, pero ahora esperan encontrara a su propio ‘Edward’, que se interesará por ellas por motivos no sexuales”.

Aunque claro, como apunta la periodista Monika Bartyzel, también se puede argumentar que la abstinencia que se desprende de Crepúsculo tiene poco que ver con la idea de mantenerse virgen hasta el matrimonio; sino más bien con un simple ideal romántico que conduce a una simple conclusión: es mucho más tentador imaginar a un pretendiente elegante, super-protector y super-hot que a un compañero de clase inmaduro, moderadamente atractivo y con las hormonas totalmente descontroladas.

Además, como también apunta Bartyzel, puede que en los libros de Stephenie Meyer se hable del interés de Edward por la personalidad de Bella, pero a la practica, el 95% de su interacción consiste en pasar juntos las “noches sin sexo”, que suelen derivar en tensas, repetidas y a la postre frustrantes sesiones de arrumacos. ¿Es todo esto algo “no sexual”? Visto desde la perspectiva contraria podría afirmarse que la Crepúsculo lidia, ante todo, con la idea de la obsesión física y la tensión sexual adolescente. De hecho, lo único que impide que haya sexo entre Edward y Bella es la condición vampírica del primero, algo con lo que no pueden contar los chicos y chicas del mundo real.

La pregunta podría ser en todo caso: ¿Qué harían estas chicas, las fans de Crepúsculo, si encontraran a su Edward? ¿Pensarían realmente en la abstinencia sexual? ¿Existe un verdadero interés en la abstinencia o es simplemente que estas novelas provocan que las chicas tengan más ojo a la hora de escoger a sus parejas (sexuales o no)? 

Es probable que la saga de Crepúsculo lleve a muchos a situarse en una posición extrema, dogmática (“¡Viva la abstinencia sexual!”), lo que indica una importante ceguera ante los matices de la historia. Como bien remata Bartyzel: “En realidad, debería aprovecharse este debate para fomentar una educación sexual honesta que incluyera una discusión sobre los roles del hombre y la mujer. Si hay algo muy claro en Crepúsculo, es su condición de metáfora de los conflictos que pueden desatar los sentimientos reprimidos y el deseo no realizado”.

A lo largo de su historia, Hollywood ha patentado un sinfín de estrategias para atraer al gran público. Una de las más viejas apunta directamente a los instintos básicos del espectador medio: ver a sus adoradas estrellas en paños menores. Así, no es descabellado imaginar a un equipo de guionistas preguntándose “¿y cómo nos lo montamos para desnudar a X?” (cambiar X por el nombre de cualquier actor o actriz situado en el Top 100 de los hombres/mujeres más sexys del planeta). Las excusas son incontables y, más o menos originales o verosímiles, casi siempre son efectivas. Para demostrarlo, presentamos aquí, de la mano del estupendo equipo de redacción de la revista británica Empire, 10 maneras de desnudar a las estrellas.

1) Utilizar su ropa como vendaje (Taylor Lautner en Luna Nueva). Hipótesis: uno de los actores más atractivos del fenómeno juvenil del momento (la saga Crepúsculo) ha desarrollado unos abdominales dignos de aparecer en pantalla. Exhibirlos ofrece una garantía de aullidos entre las devotas fans adolescentes. Solución: hacer que la protagonista tenga un accidente de moto. Así, el joven actor podrá quitarse la camiseta para ofrecer a la heroína un (inútil) vendaje para su herida. ¿Básico? Sí, muy básico; pero de indudablemente efectivo.

2) Para salvarse de morir electrocutada (Saffron Burrow en Deep Blue Sea). Con el tiempo, esta película, protagonizada por unos tiburones del tamaño de un camión, se ha convertido en un objeto de culto de la serie B. Entre los muchos giros inverosímiles de la trama, encontramos una jugarreta maestra destinada a dejar en paños menores a la atractiva Saffron Burrow: ante la imposibilidad de acabar con el gran tiburón por otros medios, la científico decide electrocutar al escuálido. ¿Y qué mejor manera de protegerse que refugiándose encima de su traje de neopreno? Sin comentarios.

3) Como elemento folclórico o cultural (Gerard Butler en 300). Lo cierto es que si llevasen armadura y faldas cortas, no habría manera de distinguir a los Espartanos de 300 de los guerreros griegos de Troya. Además, batallar prácticamente desnudos facilita la exhibición de la musculatura de los audaces luchadores (además de su conversión en iconos gay). Los fanáticos de la película pueden llegar a argumentar que la ausencia de ropa reduce el riesgo de enredar el arma en los flecos del vestuario. Aunque lo cierto es que la lógica no deja de indicarnos que una pequeña armadura no les hubiera ido mal a estos Espartanos.

4) Utilizar la ropa como arma (Jason Statham en Transporter). Dado que el bueno de Statham domina un amplio espectro de artes marciales, se le da por sentada la habilidad en el uso de un sinfín de armas. Lo que no descubrimos hasta su aparición en Transporter, era que una simple camiseta podía convertirse en una arma blanca (y de paso, en un medio para que el actor luciera palmito). 

5) Para demostrar que “las chicas somos así” (Jessica Biel en Yo os declaro marido y marido). No falla. En toda película en la que un hombre se hace pasar por mujer o por gay (de Con faldas y a lo loco a Tootsie), en un momento u otro, el protagonista se descubre rodeado de espectaculares féminas muy ligeritas de ropa. El caso más espectacular es el de Jessica Biel en la reciente Yo os declaro marido y marido. ¿Quién no vendería su alma por ser Adam Sandler en esta magnífica sátira acerca de los prejuicios homófobos de la sociedad actual?

6) Como preparación para la hibernación (Sigourney Weaver en Alien). Nuestra intuición nos sugiere que en el fresquito del espacio exterior lo más recomendable sería arroparse con unas buenas capas de ropa gruesa. Sin embargo, Ellen Ripley nos revela nuestra ignorancia cuando se queda en ropa interior mientras se prepara para el híper-sueño que debe llevarla de vuelta a casa. El problema, como bien sabe todo buen cinéfilo, es que un bicho extraterrestre poco amigable ha quedado atrapado en el interior de la nave. El resto es parte de la gran historia de la ciencia ficción.   

7) Como preparación para un viaje en el tiempo (Arnold Schwarzenegger en la saga Terminator). He aquí otra pequeña lección de física-ficción. Teoría: la materia no orgánica no puede viajar en el tiempo. Objetivo: mostrar las cachas del más cachas de los forzudos del cine de las últimas décadas, el gran Arnold Schwarzenegger. Aunque claro, por una sencilla regla de tres, la misma teoría nos ha permitido ver en paños menores a los otros Terminators de la mítica saga: Michael Biehn, Robert Patrick y, sobre todo, Kristianna Loken.

8) Para facilitar la transformación en hombre lobo (David Naughton en Un hombre lobo Americano en Londres). Cuando de lo que hablamos es de una transformación corpórea radical, lo más recomendable es eliminar cualquier tipo de ropa de la ecuación. Ni la más resistente pieza de lycra podría resistir tal nivel de convulsiones y cambios de forma. ¿La excepción que confirma la regla? El increíble Hulk, claro. Esos pantaloncitos azules son el elemento más mágico que ha parido la factoría Marvel.

9) Para producir arte (Kate Winslet en Titanic). Un viejo truco. Estrategia: engatusar a una fémina con un buen discurso sobre la belleza artística de la mujer sin adornos. Segundo paso: convencer a la modelo de que la única forma de capturar su pureza es retratarla desnuda (un joya al cuello es el límite en la vestimenta). Anotación: Una cierta habilidad artística es recomendable, pero no estrictamente necesaria. Si el plan sale a la perfección, lo más probable es que la modelo no llegue nunca a fijarse en la “obra de arte” en cuestión.  

10) Para demostrar que eres Hugh Jackman (Hugh Jackman en cualquiera de sus películas). La norma es simple: sea la película que sea, venga al caso o no, el bueno de Hugh va a terminar sacándose la camiseta y mostrará sus espectaculares pectorales y abdominales. A veces tiene su lógica, como en la saga de los X-Men, cuando Lobezno debe ser operado, o en Australia, cuando su personaje debe darse un necesario baño. Sin embargo, ¿eran necesarias las muestras de hombría de Swordfish o Van Helsing? Para nada. Y por cierto, esta misma regla se puede aplicar al caso de Matthew McConaughey, otro abonado al exhibicionismo cinematográfico.

Hacía días que no recibíamos ninguna noticia desde el Planeta-Stallone y ya empezábamos a estar preocupados. Dado que su carrera se halla sumida en un vendaval de hiperactividad, no hay semana en la que no recibamos alguna noticia sobre sus proyectos en marcha. Y bien, cuando parecía que la semana iba a cerrarse sin novedades, descubrimos en la página STALLONEZONE un mensaje de esperanza e ilusión firmado por el mismísimo Sylvester. ¿Alguien dudaba de la intención de Sly de realizar Rambo 5? Duda aniquilada. Os presentamos aquí la traducción de la carta de Stallone.

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Hola Craig,

Este mensaje es de Sly a sus seguidores: 

Para todos los fieles seguidores de StalloneZone que hay ahí fuera,

Os comunico que Rambo ha cambiado su curso y que la historia de la caza del hombre/bestia será utilizada para otra película, con otro personaje protagonista. Por su parte, RAMBO se dirigirá hacia la frontera, a una violenta ciudad donde se ha dado por desaparecidas a muchas jóvenes mujeres. 

Habrá sangre (There Will Be Blood).

Todo lo mejor, 

Sly Stallone

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¡Grande Stallone! Siempre cercano a sus fans, siempre genuine, siempre Sly. Aunque breve, el mensaje sacia toda nuestra sed de información respecto a la esperadísima nueva entrega de Rambo, la quinta después de la resurrección del personaje en John Rambo (2008). De la carta de Sly se desprende que el actor/director/guionista/mito tiene en cartera dos proyectos bien perfilados. Por una parte, el nuevo Rambo, y por la otra, la esperada adaptación de la novela Hunter (la película con el hombre/bestia), que James Bryon Higgins ha escrito pensando en una adaptación cinematográfica a manos a de Sly. Se multiplican los focos de interés y la esperanza de grandes nuevas películas.

Por su parte, si las previsiones no fallan, Stallone debe estar en estos momentos sumergido en el montaje de su última película, la esperadísima The Ependables, un proyecto que ha acaparado una atención inusitada gracias a su espectacular elenco de viejas y nuevas glorias. Capitaneados por Stallone, encontramos, de protagonistas, a figuras como Jet Li, Mickey Rourke, Jason Statham o Dolph Lundgren. Los secundarios tampoco tienen desperdicio: Forest Whitaker, Robert Knepper (el T-bag de Prison Break) y Juliana Paes. Y la ecuación se remata con dos apariciones de lujo: Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. Una auténtica liga de hombres extraordinarios. La película seguirá las aventuras de un grupo de mercenarios que se dirigen a Suramérica con la misión de derrocar a un dictador y tiene previsto su estreno para 2010. ¿Seremos capaces de aguantar el ansia de la espera?

El fenómeno Luna Nueva desembarca con toda su fuerza en nuestro país. El trío protagonista de la saga Crepúsculo, Robert Pattinson, Kristen Stewart y Taylor Lautner, presenta en Madrid la segunda entrega de la franquicia inspirada en los libros de la escritora Stephanie Meyer.

A los actores que interpretan a Edward Cullen, Bella Swan y Jacob Black en Crepúsculo les acompañará, Chris Weitz, el cineasta que en Luna Nueva sustituye en la dirección a Catherine Hardwicke. Además de la presentación oficial de la cinta y el encuetron con los medios de comunicación Pattinson, Stewart y Lautner, que acaban de darse otro baño de multitudes en París, también celebrarán un multitudinario encuentro con los fans de la saga.

La cita será a las 19.15 horas en el Palacio de Vistalegre de Madrid y las 1.500 entradas que darán acceso al recinto serán repartidas de forma gratuita, y en orden de llegada, en la taquilla del propio pabellón desde las diez y media de la mañana. La locura por Crepúsculo es tal, que desde hace días hay fans desafiando al frío para conseguir ver de cerca a los protagonistas de esta historia que mezcla misterio, terror y romancie con humanos, vampiros y hombres lobo como protagonistas.

La premiere de Luna Nueva tendrá lugar el próximo martes 17 de noviembre en los cines Kinépolis de la capital. La secuela de Crepúsculo se estrenará en las salas españolas el miércoles 18, dos días antes de que vea la luz en los cines estadounidenses. La tercera parte de la saga, titulada Eclipse, se rodó recientemente en Vancouver, Canadá y su estreno está previsto para el 30 de junio de 2010. La cuarta y última entrega de la saga de Stephenie Meyer, Amanecer, se rodará en otoño de 2010 y podría llegar a los cines en 2011

Si nos dejamos guiar por la cantidad de noticias que se generan a su alrededor, no cabe duda de que la adaptación cinematográfica de El Hobbit es uno de los proyectos estrella del momento (junto a la saga Crepúsculo y al nuevo Equipo A). Dirigida por el mexicano Guillermo del Toro, producida por Peter Jackson y con fecha de estreno prevista para 2011, la película (o mejor dicho, las dos películas que formarán la adaptación) se ha convertido en el centro de multitud de rumores e informaciones. Hoy traemos las dos últimas novedades referentes al proyecto. En primer lugar, el interés de Viggo Mortensen por retomar su personaje de Aragorn, y en segundo, la revelación de que Guillermo del Toro realizará un cameo en la película.

Desde que se hicieron públicos los planes de llevar El Hobbit a la gran pantalla, se ha sucedido las especulaciones sobre si el casting original (uno de los grandes hallazgos de la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson) estaría dispuesto a participar en el proyecto. Hace pocos días, nos enterábamos de que John Rhys-Davies, el actor que interpretó a Gimli en la trilogía, había renunciado a volver a encarnar a su carismático personaje. Sin embargo, en lo referente a Viggo Mortensen (seguramente el mayor acierto de Peter Jackson, junto a la elección de Ian McKellen como Gandalf), parece que las cosas pintan de otro color.

Según ha declarado a la página web Coming Soon, Viggo “Aragorn” Mortensen no tendría inconveniente en volver a calzarse el traje de Rey de la Tierra Media. Lo que está por ver es si Del Toro decide echar mano de su personaje. “Creo que ahora mismo están centrados en la primera de las dos películas. Mi personaje aparece sólo ocasionalmente, y sería más probable que apareciera en una segunda película o si decidieran hacer una película puente entre El Hobbit y El señor de los anillos”. De hecho, esa fue una de las ideas que se barajaron al inicio del proyecto (hacer El Hobbit más una película puente), pero al final se impuso la idea de las dos películas para adaptar la novela. Habrá que ver en qué termina todo esto. Los fans no perdemos la esperanza de volver a ver a Mortensen en la piel del gran Aragorn.  

Por otra parte, y a través de la página web TheOneRing.net, nos enteramos de que Guillermo del Toro ha decidido realizar un curioso cameo en su película. “Yo mismo he participado en el diseño de la criatura a la que daré vida. Y me ocuparé personalmente de esculpir las prótesis que llevaré sobre la cara y las manos. Solía esculpir las criaturas para NECROPIA, mi compañía de efectos especiales, y la verdad es que lo echo de menos”. Además, sin miedo a los spoilers, Del Toro ha explicado: “Mi personaje tendrá una o dos líneas de diálogo y morirá en seguida”. ¿Seremos capaces de reconocer a Del Toro sin su inconfundible barba y sus gafas?