De partida, una aclaración sobre el título del post. Aquí no nos referimos a las cicatrices sentimentales de las estrellas. Tampoco nos interesan los altos y bajos de sus carreras, sino su capacidad para dejarse, literalmente, la piel por su trabajo. En ocasiones, para triunfar hay que sufrir, y pocos lo saben tan bien como los 10 actores y actrices lesionados durante diferentes rodajes que presentamos en una lista confeccionada por la revista Empire. En la era de los dobles de acción, de los edificios virtuales y las pantallas verdes, los rodajes deberían ser uno de los lugares más seguros del planeta; sin embargo, las torceduras, los puntos de sutura y las cicatrices están a la orden del día.

Sylvester Stallone (The Expendables). A pesar de tener ya 63 años, Stallone sigue empeñado en seguir forjando su leyenda como héroe de acción, hasta el punto de haber convertido la temeridad en un sella personal. Durante el rodaje de su nueva película, el actor/guionista/director sufrió una serie lesión de cuello. “Mi lucha contra Stone Cold Steve Austin fue tan dura que terminé con una fisura en el cuello”, explico Sly al Times Live. “No le he explicado esto a nadie, pero tuve que pasar una operación bastante seria. Ahora llevo una placa de metal en mi cuello”.

Daniel Craig (Quantum of Solace). Durante la filmación de una de las trepidantes escenas de acción de la última entrega de la saga de Bond, Craig se cortó la punta de un dedo de la mano. Según un miembro del rodaje, “hubo bastante sangre y se decidió llevar a Daniel al hospital para un tratamiento de urgencia”. En las entrevistas promocionales de la película, Craig relativizó la gravedad de la lesión, aunque lo de perder una parte de un dedo, por pequeña que sea, no debe hacer mucha gracia.

Hilary Swank (Posdata, te quiero). Rodar una comedia romántica con Gerard Butler no parece un deporte de riesgo, sin embargo, Swank comprobó los riesgos de la aventura cuando uno de los tirantes que se sacaba ante Butler en una escena de striptease íntimo fue proyectado hasta su frente, obligándola a acudir al hospital y recibir varios puntos de sutura. “Unos centímetros más abajo y podría haberse sacado el ojo”, ha explicado Butler. Conclusión: no existe el rodaje 100% seguro.

Dennis Quaid (Cuando me enamoro). Durante el rodaje de esta película, Quaid se metió tanto en la piel de un jugador de fútbol americano que terminó pagando las consecuencias: quedó inconsciente al ser arrollado por Tim Fox, un verdadero jugador de los New England Patriots. “Era el último plano y quería entregarme a fondo”, explicó Quaid. El incidente tuvo parado el rodaje durante semanas.

Channing Tatum (The Eagle Of The Ninth). El ultimo en sumarse al club de los lesionados es este joven valor emergente de Hollywood, que durante su último rodaje tuvo que sumergirse en las heladas aguas de un río en Escocia. Para mantener en calor al actor, durante los descansos, el equipo de rodaje le tiraba encima una mezcla de agua hirviendo y agua helada (dando como resultado agua templada). “Habíamos terminado el día de rodaje”, explica Tatum, “y uno de los chicos me ofreció echarme agua caliente. El problema es que se olvidó de hacer la mezcla y me tiró agua hirviendo encima. Intentaba separar el traje de mi piel para aliviarme, pero entonces el agua iba bajando cada vez más… ¡casi me quemo las partes bajas!”.

Halle Berry (Muere otro día). Tratándose de una película de James Bond, uno imagina que el incidente de Berry tuvo lugar en el contexto de una escena de acción, pero nada más lejos de la realidad. La incomodidad fue causada por un simple trozo de fruta: “Estaba intentando ser super-sexy”, explica Berry, “y de repente algo se quedó atascado en mi garganta. No podía respirar. Por suerte, Pierce (Brosnan) se dio cuenta rápidamente, se colocó detrás de mí e hizo algo que me desatascó la garganta”. Eso es un Bond.  

Shia LaBeouf (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal). “Esta es la primera película en la que sufrí una lesión”, explica el actor. “Sufrí una rotura muscular en la cadera y estuve tres o cuatro meses en rehabilitación. Estábamos rodando una lucha de espadas en la jungla e hice algo que no debía hacer y todo estaba muy húmedo y me golpeé. Tuve que recibir terapia electrónica, que consiste en colocarte en una máquina que lanza unas descargas sobre el músculo que ha quedado dañado. Tenía que hacerlo cada tres horas”.

Angelina Jolie (Salt). Lo más probable es que nunca veamos en pantalla la escena de la lesión de Angelina, que se produjo durante el rodaje del nuevo thriller de la super-estrella. Según la web TZM, Angelina “recibió un impacto en la cabeza, produciéndose un pequeño corte entre los ojos. Sangró un poco y fue llevada al hospital”. Más tarde, el estudio confirmó la lesión de la actriz, aunque también informó de que la Jolie había regresado sin problemas al set de rodaje.

Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes). En la recientemente estrenada nueva aventura del detective británico, Downey Jr. tuvo que enfrentarse en un ring al gigantón Robert Maillet, luchador profesional. Según Movies Online, “Durante la filmación, Downey Jr. cayó inconsciente cuando Maillet le propinó un soberano, aunque involuntario, puñetazo en la mandíbula”. Además de pasar varios segundos en el limbo de la inconsciencia, Downey Jr. tuvo que recibir seis puntos de sutura en el rostro para cerrarle un corte provocado por el puñetazo. 

Buster Keaton (Sherlock Jr.). De todas las estrellas de cine, Keaton se lleva, de calle, el premio al más temerario. En una escena de Sherlock Jr. debía recibir la descarga de un enorme bidón de agua sobre su cuerpo. El impulso del líquido lo arrastró hasta golpearse con unas vías de tren. En el momento, Keaton siguió trabajando como si nada hubiera pasado. No se dio cuenta de que se había fracturado el cuello... ¡hasta diez años después! En un chequeo rutinario le diagnosticaron la fractura, lo que explicaba los terribles dolores de cabeza sufridos por el actor durante años.

Permitidnos, por un día, que nos olvidemos de esos monumentos a la solemnidad y el narcisismo que son los premios cinematográficos (léase Oscars, Goyas, BAFTAs…). Aunque, en realidad, no es que los olvidemos, sino que aprovechamos el anuncio de la lista de ganadores de los YoGA (los anti-Goya) para sustituir el oropel habitual de las entregas de premios por una buena dosis de sano cachondeo. Y es que el buen humor y la mala leche con los ingredientes básicos de los YoGa, premios que llegan a su 21ª edición y que, como es habitual, destacan, con originalidad y desparpajo, a las peores películas, actores y directores del año, en este caso el 2009. Sin más dilación, y de la mano de la página web del colectivo Catacric (organizadores de los premios), os presentamos los YoGa 2009:

CINE ESPAÑOL 

Peor película: YoGa ¿Hacemos una porno? a Mentiras y Gordas, de Alfonso Albacete y David Menkes.

Peor director: YoGa Mauvais èpoque a Fernando Trueba, por El baile de la Victoria. 

Peor actor: Yoga Gomina power a Rubén Ochandiano, por Los Abrazos Rotos.

Peor actriz: YoGa Qué he hecho yo para merecer Tetro, a Carmen Maura, por idem (Tetro).

Como puede apreciarse, nadie está a salvo del pitorreo e irreverencia del que hacen gala estos premios (primos hermanos de los Razzies, los anti-Oscar), que se atreven con lo más comercial y popular (Mentiras y gordas), con los jóvenes emergentes (Ochandiano), los consagrados (Trueba) y la vacas sagradas (Carmen Maura). ¡Nadie está a salvo! 

CINE INTERNACIONAL 

Peor película: YoGa La tita asustada a Anticristo, de Lars von Trier.

Peor director: YoGa Festival de Canas a Jim Jarmusch, por Los Límites del Control.

Peor actor: Yoga Lo puto gusiluz a Robert Pattinson, por Luna Nueva.

Peor actriz: YoGa Meganvixen, Megan Fox, por Transformers 2 y Jennifer’s body.

En el plano internacional, los YoGa apuestan por sumarse a los debates más encendidos del año. ¿Es Anticristo de Lars Von Trier una obra maestra o una tomadura de pelo? ¿Es el fenómeno Crepúsculo el gran renovador de la cultura juvenil o un monumento a la “edad del pavo”? ¿Es Megan Fox una verdadera actriz o un simple modelito confeccionado para agitar la testosterona del personal? ¿Es Jim Jarmusch el un gran director de cine independiente norteamericano o un pseudo-artista autocomplaciente? Los YoGa se mojan. 

UNO DE LOS NUESTROS

A Boris Izaguirre, por A-ventura-rse ‘A la deriva’. 

Lo de Uno de los nuestros, en referencia a la película de Martin Scorsese, responde al hecho de que el colectivo Catacric está formado por críticos de cine, y de todos es sabido que una de las múltiples facetas de Izaguirre es el de comentarista cinematográfico. 

ESPECIALES

YoGa Apaltamento pala tles a Jaume Roures, Isabel Coixet y Sergi López, por Mapa de los Sonidos de Tokio. 

YoGa Un xiguagua en Beverly Hills, a la Academia del Cine Catalán en Hollywood.

YoGa La chica con una cerilla y un bidón de gasolina, a la ministra de Cultura. 

YoGa Arráncame la vida y arrástrame al infierno, donde viven los monstruos, ¡malditos bastardos!, a la SGAE.

En este último apartado, los YoGa han querido sumarse a varias de las controversias que han marcado el año cinematográfico en España. Así, tanto la “incendiaria” ministra de cultura, Ángeles González-Sinde, como la “vigilante” SGAE reciben su toque de atención.

¿Qué os parecen los premios YoGa 2009? ¿Os parece que hacen justicia a lo que ha sido el año cinemtográfico? ¿Qué premios habríais dado vosotros?

Para terminar, os dejamos con el autorretrato de los miembros del colectivo Catacric, que se presentan así en su página web: “El colectivo Catacric es un nombre inventado a partir del nombre de quienes los formamos: un puñado de críticos de cine catalanes (CATAlan CRítiCs, de ahí viene lo del logotipo). Pero, eso sí, somos la facción más cachonda, porque la otra, la seria, nunca acude a nuestras reuniones. (…) Existen decenas, ¡qué digo!, centenares de malas películas que desfilan por nuestras pantallas. Así que, un buen día de 1989, el colectivo Catacrics decidió crear los Contrapremios de Cine YoGa que, como habrás imaginado, son todo lo contrario de unos galardones de cine”.

¡Larga vida a los YoGa!

El director italiano Tinto Brass, conocido por una filmografía trufada de títulos eróticos, anunció que rodará lo que él llamó la primera película pornográfica en 3-D, informa la publicación especializada The Hollywood Reporter.

Brass, de 76 años, cuyo filme más famoso y polémico fue Calígula, en la que, con la ayuda del guionista Gore Vidal, repasaba la vida del depravado y sanguinario emperador romano, afirmó que este es el momento adecuado para usar el 3-D en un filme de ese estilo.

Explicó que esta cinta será no sólo el primer título erótico en 3-D del mundo, sino también la primera película en este formato que se haga en Italia.

El cineasta dio detalles sobre el filme y explicó que piensa "retomar un proyecto abandonado, sobre un emperador romano, que fue arruinado por los americanos", abundó, en alusión a Calígula, una cinta de la que renegó en su postproducción y que, cuando se estrenó en 1979, sufrió el maltrato de la censura e, incluso en países como el Reino Unido, fue prohibido su estreno.

El realizador italiano manifestó que empezaría de inmediato a escribir el guión del filme y a seleccionar su reparto, y añadió que pretende comenzar a rodar en mayo o junio.

IMDB ha sacado en exclusiva el tráiler de la secuela de Wall Street, de nuevo con Oliver Stone a cargo de la dirección, aunque esta vez no se ocupa del guión.

En esta ocasión, Gordon Gekko, sale de la cárcel y se encuentra con un mundo extraño, que una vez dominó. En un intento por mejorar la relación con su hija (Carey Mulligan), se juntará con su novio, un joven broker interpretado por Shia LaBeouf, que comienza a verle como una figura paterna. Y el joven le ayudará a adaptarse a los nuevos tiempos en los que está inmersa la banca mundial. Aunque también aprenderá que Gekko es todavía un manipulador y está muy lejos de redimirse.

Estreno en España: 23 de abril

Aquí os dejamos el tráiler.

El proyecto de la nueva Ley del Cine nacional no deja contento a casi nadie. La plataforma Cineastas contra la orden anuncia que seguirá luchando contra la Orden ministerial que desarrolla esta Ley, a pesar de la autorización dada por la Comisión Europea a esta normativa, que regula el régimen de ayudas al cine.

En un comunicado difundido tras conocerse la decisión de Bruselas, la plataforma -integrada por 205 miembros- insiste en que la orden es "de carácter industrial y no cultural", además de "un giro mercantilista en la concepción de la promoción y fomento del cine".

El nuevo reparto de ayudas deja a las producciones con menos de 600.000 euros de presupuesto con la única opción de optar a las subvenciones sobre proyecto, lo que provoca, según la plataforma, que "un rango de películas vaya a ser extraordinariamente difícil de producir, porque no va a contar con ayuda significativa por parte del Estado". Eso sin contar con que se obligará a las televisiones comerciales ha invertir, como mínimo, un 5% en la producción de cine español, y se mantendrá la cuota de pantalla para el cine nacional y europeo en las salas.

A expensas de ver qué ocurre con la Ley del Cine español, otra normativa, la Ley del Cine catalán, ya ha puesto en pie de guerra a distribuidores y exhibidores en Cataluña. El motivo principal es la obligación de doblar al catalán los títulos más comerciales. Los que están en contra dicen que esta norma agravará el ya acusado descenso de asistentes a las salas de cine; los que están a favor argumentan que pretende reforzar y relanzar el sector audiovisual catalán.

Pero ¿hay algo más de fondo? Los nacionalistas e independentistas levantan la voz ante estas situaciones. Uno de los que hablan abiertamente de ello es el actor catalán Sergi López, reconocido independentista, que apunta que "me parece bien que se quiera equiparar el cine en catalán al doblado en castellano, pero tengo la sensación de que, de esta cuestión, se hace mucho más ruido desde fuera que desde Cataluña. Respecto al catalán [como única lengua vehicular] en la enseñanza pasa exactamente lo mismo; desde fuera de Cataluña se ve como una amenaza, como algo excluyente, mientras que aquí se vive con toda normalidad".

Otro actor que se pronuncia públicamente es Joel Joan, presidente de la Academia de Cine Catalán, que, bien por el cargo que ostenta, bien por intereses de otro tipo, ha radicalizado su postura en los últimos años. Los empresarios de cine catalanes protestan -de hecho, programaron una huelga el pasado 1 de febrero, que consistió en el cierre de las salas de cine ese día; y la secundaron el 72% de las salas, según sus datos-. Ante esta situación, Joan -un tanto olvidado por la profesión- dice no entender "el pánico a que el catalán haga huir a la gente del cine". A su entender, la ley "se queda corta" porque debería apoyar más el subtitulado, en detrimento del doblaje, pero aplaudió que "ponga orden" respecto a las películas originales en catalán y castellano, que no se doblarán. "Antes los productores, para conseguir dinero" subvencionado, "sacaban algunas copias en catalán. Pero, ¿por qué ver En la ciudad en catalán, o Excuses doblada al castellano, si entiendo perfectamente el idioma original?".

En fin, tarde o temprano veremos si todo esto beneficia o perjudica al cine, aunque me atrevo a pensar que es una discusión como muchas de las que se prodigan en España: estéril. Mientras se hable públicamente de todas estas cosas, menos se hablará de lo que realmente importa.

¿Qué pensáis vosotros?

Unos primatólogos del zoo de la capital escocesa, Edimburgo, diseñaron una cámara especial resistente para que los chimpancés grabaran lo que ocurría dentro del recinto. Después, enseñaron a los animales a manejarla, y el resultado es una serie de imágenes que suponen la primera película realizada por chimpancés -y animales- en todo el mundo.

Durante 18 meses los científicos observaron su comportamiento en el zoológico escocés, y a los primates les encantaba jugar con la cámara, mucho más que con unas pantallas táctiles, que también tenían a su disposición y que también les habían enseñado a utilizar.

El rodaje se enmarca dentro de un estudio científico de la Universidad de Stirling, encabezado por la primatóloga Betsy Herrelko sobre el comportamiento de estos animales. Y el resultado, que aquí podéis ver, será emitido por la BBC.

Los actores James Earl Jones, la voz de Darth Vader en la versión original de la saga Star Wars, y Tom Hanks son las estrellas que despiertan más confianza entre el público. Así lo constata una encuesta realizada por la prestigiosa revista Forbes, en la que interrogaron al respetable sobre qué figuras del mundo del espectáculo les inspiraban más confianza, es decir, a quién pedirían consejo o dejarían al cuidado de sus niños.

Y en el primer lugar de la lista aparece James Earl Jones, un veterano de 79 años, con una dilatada carrera de más de medio siglo en el teatro y el cine, que incluye títulos como 'Juego de Patriotas', 'Peligro inminente' o 'La caza del Octubre Rojo'.

Pero el trabajo que le ha reportado fama mundial fue poner voz al villano más popular de la historia del Séptimo Arte, el temido Darth Vader en las películas de 'Star Wars'. James Earl Jones también ha puesto su voz profunda y penetrante a otros personajes, como Mufasa en 'El Rey León'.

El segundo puesto es para Tom Hanks, un seguro para los estudios en taquilla y también para el público. Papeles como el enfermo de SIDA en 'Philadelphia' el entrañable 'Forrest Gump' o el del profesor Robert Langdon en la saga de 'El Código Da Vinci' le han valido, además de varios Oscar, una imagen cercana y confiable entre el gran público.

El tercer puesto es para Michael J. Fox, la antaño joven estrella de la serie 'Enredos de familia' y la saga de 'Regreso al futuro' ha sido un destacado activista contra el mal de Parkinson durante más de una década tras haber sido diagnosticado con la enfermedad. Su sinceridad y afán de superación a la hora de superar su dolencia le han encumbrado al tercer puesto del podio en esta lista.

El presentador de televisión Mike Rowe quedó en el cuarto lugar, seguido por el actor Morgan Freeman, a quien este fin de semana podremos ver en los cines españoles interpretando al ex presidente sudafricano Nelson Mandela en el filme 'Invictus', de Clint Eastwood.

En el sexto puesto lugar aparece Sally Field, la veterana actriz que interpreta a una matriarca de la serie de televisión 'Cinco hermanos', seguida por Ron Howard, director de cintas como 'Una mente maravillosa', 'Ángeles y Demonios', 'Willow' o 'Cocoon'. Cierran la lista tres actores afroafricanos: el hipertaquillero Will Smith, el comediante Bill Cosby y el recto Denzel Washington.

El día 26 de febrero llegará a nuestras pantallas Al límite (Edge of Darkness), película en la que el bueno de Mel Gibson da vida a un policía que decide vengar el asesinato de su hijo. ¿No os suena a deja vu? La verdad es que, como apuntan en la página web Screenjunkies, Mel Gibson es a las películas de venganza lo que Jenna Jameson al porno: su máximo exponente, símbolo y portavoz. Además, Gibson se ha especializado en vengar la muerte de sus hijos/as en la ficción, un resorte dramático que tiene mucho sentido: ¿Existe una tragedia más atroz que la pérdida de un hijo? Para ilustrar la afición de Hollywood al ojo por ojo, una tendencia moralmente cuestionable, os presentamos diez de las más grandes películas protagonizadas por padres vengadores. ¿Cuál es vuestra favorita?

Mad Max (1979). Esta película australiana, situada en un futuro cercano y distópico, fue la responsable de catapultar a la fama internacional a Gibson. Y, como no podía ser de otra manera, el éxito le llegó de la mano de un policía obsesionado con acabar con los tipos que atropellaron a su mujer y su hijo. Convertido en miembro del panteón de la fama de Hollywood, Gibson se convirtió en un experto en películas de venganza, pero ninguna de ellas logró igualar, en crudeza y desesperación, a la brutal Mad Max.

Yo soy la justicia 2 (1982). He aquí otro actor-emblema del cine de venganzas: el impertérrito Charles Bronson. En la primera parte de la saga de Yo soy la justicia, situada en Nueva York, una banda callejera, liderada por Jeff Goldblum, acababa con la vida de la esposa de Paul Kersey (personaje mítico donde los haya) y violaba a su hija. La venganza no se hacía esperar. Luego, Kersey se iba a vivir con su hija a la peligrosa Los Angeles, donde, ya en la secuela, una banda callejera, liderada por Lawrence Fishburne, violaba y asesinaba a la hija. A eso se le llama tener mala pata. La venganza estaba servida, claro.

Rescate (1996). Más Gibson. Aquí, este ángel de la venganza encarnado en actor interpretaba a un propietario de aerolíneas multimillonario al que le secuestraban el hijo. Cualquier hijo de vecino hubiese intentado exprimir a fondo la carta diplomática: negociar el rescate, jugar con la paciencia de los secuestradores… pero con Mel no hay tiempo para la reflexión, la prioridad es siempre pasar a la acción, con la histeria como motor y un revolver como miembro ejecutor.

Commando (1985) Si quieres que un antiguo coronel de la Fuerzas Especiales colabore en la realización de un golpe de estado en Suramérica, puede que secuestrar a su hija no sea la mejor de las ideas. Los villanos de Comando, uno de los primeros grandes hits de Arnold Schwarzenegger, aprenden la lección a golpe de metralleta y bazoca.

Viernes 13 (1980). Cuando unos monitores de campamento con las hormonas disparadas dejan al joven Jason Voorhees desatendido, este se mete en el lago y se ahoga. Su madre, la señora Vorhees tiene una manera muy particular de lidiar con su pérdida: 20 años después del suceso, decide empezar a asesinar a un grupo de inocentes adolescentes. Para gustos, las venganzas.

El patriota (2000). Sí, lo sabemos, estabais esperando otra dosis del Mel Gibson vengador. Aquí, Mel interpreta a Benjamin Martin, un granjero de Carolina del Sur que está en contra de la esclavitud. En un principio, el personaje no tiene ningún interés en alistarse al ejército para combatir a los ocupantes británicos, sin embargo, los acontecimientos terminan arrastrando al personaje. Y es que al pobre le queman la casa, le asesinan a un hijo, luego encierran a sus vecinos en una iglesia para luego incendiarla, y finalmente matan a su otro hijo. Ni el Mel más santurrón podría quedarse de brazos cruzados.

La última casa a la izquierda (1972). Como ya hemos visto con Viernes 13, el terror es otro gran escaparate para los padres vengadores. Cuando Estelle Collingwood se da cuenta de que los viajantes que alberga en su casa son responsables de la muerte de su hija, decide hacer lo que toda Buena madre haría: promete sexo oral a uno de los asesinos y luego le estruja sus partes nobles a golpe de dentada. Y ese es sólo el principio de esta dulce venganza.

Finding Nemo (2003). Incluso en las películas más aparentemente inocentes podemos encontrar rastros de padres vengadores. Sin ir más lejos, esta joya de la factoría Pixar está protagonizada por un pez, Martin, cuyo hijo es secuestrado por un sádico dentista australiano. Para recuperar y vengar a su hijo, Martin viajará hasta Sidney, enfrentándose a tiburones y tortugas, siempre empujado por una intensa sed de venganza.

El expreso de Corea (1977). Cuando el teniente Charles Rane regresa a casa tras sobrevivir a un campo de prisioneros de Vietnam, es recibido con un héroe, aunque pronto descubre que su mujer tiene a una nueva pareja y su hijo no le recuerda. La depresión en la que cae Rane toca a su fin cuando un grupo de forajidos acaba con la vida de su hijo. Su vida adquiere un nuevo sentido: acabar con la vida de los maleantes. Finalmente, los caza y acaba con ellos de forma brutal. ¿Un final feliz?

Kill Bill Vol. 2 (2004). En Kill Bill Vol. 1, la Novia (Uma Thurman) despierta de su coma y emprende una venganza contra los responsables de la muerte de su hija (no nacida). En la segunda parte del díptico de Tarantino, un hecho sorprendente cambia el curso de los acontecimientos, pero no de la venganza, en la que la Novia invierte toda su furia y conocimientos en el terreno de las artes marciales. El objetivo sigue siendo matar a Bill.

En este mundo occidental en el que vivimos, que se autoproclama el edén de la igualdad de sexos -y de credos, entre otras cosas-, de vez en cuando nos encontramos con datos que, aunque como tales son insignificantes, reflejan situaciones abrumadoramente injustas.

Es el caso de la nominación de mujeres en la historia de los Oscar, que llevan ya 82 años celebrándose, y en los que tan sólo tres directoras femeninas han optado al galardón de Mejor Directora: Lina Wertmüller, por Siete bellezas, en 1976; Jane Campion, por El piano, en 1993, y Sofia Coppola, por Lost in Translation, en 2003; aunque ninguna de ellas ha conseguido ganarlo. Tampoco una película con dirección femenina ha conseguido jamás llevarse el reconocimiento como Mejor Película.

Esto, que resulta ridículo frente a los más de 100 hombres que han optado a ese mismo galardón -algunos, incluso, más de una vez- puede cambiar este año, ya que las quinielas auguran que puede haber cinco mujeres -pleno- que sean candidatas a obtener el preciado galardón.

La directora del drama bélico En tierra hostil, Kathryn Bigelow, es la apuesta femenina que suena con más fuerza este año, pero no la única. La revista Variety asegura que, al menos, otras cuatro películas bajo la dirección de una mujer podrían competir por la estatuilla en la 83ª edición, aunque es difícil pensar que, por lo menos, el ex marido de Bigelow, James Cameron, no esté nominado al mismo premio por su exitosa Avatar.

Las directoras que acompañarían a Bigelow son: la neozelandesa Jane Campion, con Bright Star; la neoyorquina Nora Ephron, responsable de la comedia culinaria Julie y Julia -por la que Meryl Streep acaba de ganar un Globo de Oro a la Mejor Actriz-; la danesa Lone Scherfig, que con Una educación ha sido nominada en los Premios del Cine Independiente Británico; y la estadounidense Rebecca Miller, guionista y directora de Las vidas privadas de Pippa Lee.

En España, también contamos con un número bastante reducido de realizadoras, si lo comparamos con sus compañeros de profesión masculinos. De entre ellas, destacamos a Gracia Querejeta, directora de Cuando vuelvas a mi lado y Siete mesas de billar francés, y a Icíar Bollaín, responsable de Hola ¿Estás sola? y Te doy mis ojos, ganadoras de varios premios nacionales. Es destacable el caso de Isabel Coixet, autora de obras como Cosas que nunca te dije, Mi vida sin mí o Mapa de los sonidos de Tokio, que, en sus inicios como cineasta, tuvo que salir al extranjero a rodar porque en nuestro país nadie confiaba en ella. Y ahora, varios premios Goya adornan su casa.

Un caso curioso es el de Mira Nair, ya que esta directora nació en la India, lugar donde las mujeres no gozan de los mismos derechos que en Occidente (de hecho, Mira vive en Sudáfrica). La mayoría de su filmografía se ha centrado en reflejar la situación de las mujeres en su país natal, y consiguió reconocimiento internacional con su película La boda del monzón, que fue uno de los cimientos que puso de moda el llamado 'bollywood', la industria india del cine alrededor de Bombay. El último trabajo de esta cineasta la ha llevado a Estados Unidos, donde ha dirigido Amelia, la vida de la legendaria piloto Amelia Earhart, en un evidente ejercicio de apoyo y admiración femenino hacia esta pionera.

Pero lo cierto es que siempre ha sido más complicado ser directora de cine que director (aunque esto ocurra en muchas otras profesiones). Aunque, a la hora de la verdad, el negocio del cine no muestra demasiados prejuicios ni parece tenerlas olvidadas. La premisa es clara: si da dinero, adelante, dirija el proyecto quien lo dirija.

¿Qué pensáis vosotros? ¿Es Hollywood machista? ¿Es el mundo del cine, en general, sexista?

Las montañas flotantes de 'Avatar' existen... y están en China. Un escarpado pico situado en una pintoresca zona del sur de China ha sido rebautizado con el nombre de Montañas Aleluya, el mismo que el de los picos flotantes que aparecen en la supertaquillera cinta de James Cameron.

Una maniobra con la que los responsables de esta zona esperan potenciar el turismo en la provincia y llenar sus arcas al abrigo del tremendo éxito de la que es ya la película más taquillera de la historia.

La Columna del Cielo del Sur en Zhangjiajie, en la meridional provincia de Hunan, cambió formalmente de nombre a Montaña Aleluya Avatar en una ceremonia, según la página web oficial del Gobierno de Zhangjiajie (www.zjj.gov.cn).

El Gobierno de la región asegura que las Montañas Aleluya de la película estaban inspiradas por la Columna del Cielo del Sur, ya que un fotógrafo de Hollywood pasó tiempo haciendo fotos allí en el 2008. "Muchas fotos que tomó entonces se convirtieron en prototipos de varios elementos en la película 'Avatar', incluidas las Montañas Aleluya", dijo la página.

Zhangjiajie espera capitalizar esa fama. Los turistas pueden hacer ahora un "Viaje mágico a Avatar-Pandora" o un "Viaje milagroso a la montaña flotante de Avatar", dijo el departamento de China International Travel Service en Zhangjiajie en su página web (www.citszjj.com). "Pandora está lejos pero Zhangjiajie está cerca", añadió el Gobierno municipal en su página. "Bienvenidos a Zhangjiajie para ver las Montañas Aleluya de Avatar y descubrir el mundo real de Pandora".

Los cines chinos comenzaron a retirar de sus pantallas la semana pasada la versión en 2D de la cinta de James Cameron, para dejar paso a películas nacionales de cara a las vacaciones del año nuevo chino, aunque la popular versión de 3D está aún disponible.

Avatar ha recaudado hasta ahora unos 80 millones de dólares en China, y se ha convertido en la película más popular de la historia en el país.

Si ya es tarea difícil identificar las mejores secuelas de algunos los éxitos de cine de todos los tiempos, imaginad lo complicado es elegir la mejor tercera parte en una saga. Así que como consideramos que esta es una tarea que roza lo imposible, vamos a hacer algo mucho más fácil: señalar con el dedo de la vergüenza a las peores terceras películas del cine.

¿Qué es lo que una película tiene que tener para estar en esta lista de las 10 de las peores? Dos cosas indispensables: en primer lugar, haber dejado por los suelos el listón de calidad establecido por la primera o las dos primeras películas de la saga. Y, en segundo, deben ser también culpables de haber perdido el foco central de su historia o directamente a su personaje principal.

10. Terminator 3: La rebelión de las máquinas
Terminator 2 basaba toda su premisa en la prevención y el temor al Día del Juicio Final; sin embargo, la tercera parto evitó este tema por completo. O al menos eso creemos. Terminator 3 establece la idea de que el Día del Juicio Final ha sido simplemente aplazada, y que es inevitable. Si este es el caso... ¿no niega la importancia y el significado de las dos películas anteriores?

Sin embargo, por el bien de argumento, digamos que aceptamos esa premisa aunque contradiga su propia mitología. Pero es que nos encontramos con que la ejecución de la historia no es mejor. El nuevo modelo de Terminator, T-X es, simple y llanamente, una porquería. El único avance tecnológico importante con el que cuenta es que es una mujer, y una bastante 'hot', por cierto. En principio, parece capaz de controlar todo tipo de máquinas y armas, pero en realidad sólo es capaz de sacar partido a su doble flexibilidad articulada en batalla. El T-1000 habría sido mejor enemigo, aunque fuera una repetición. 

9. Blade Trinity
La tercera película de la saga Blade es en sí misma un manual para niños sobre cómo no hacer una secuela. Uno podría pensar que es de idiotas enfrentar a Blade contra Drácula, aunque al menos así se mantendría la diversión que nos proporcionó la segunda parte. Pero en lugar de eso, lo que tenemos es una muestra impresionante de la ineptitud de su director, David Goyer, y a un Drácula parece un cadáver en busca bronceado urgente.

La película no podía haber sido mayor fracaso, aunque siendo justos, hay que tener en cuenta que no hay mucho que sacar de cualquier película de la saga Blade, excepto ver al propio Blade haciendo polvo a otros vampiros y seguir pareciendo 'cool' mientras lo hace. Pero es que el objetivo de esta secuela era proporcionar un trampolín para llevar a cabo un 'spin-off' de los Nightstalkers (interpretados por Ryan Reynolds y Jessica Biel); el problema fue que esto supuso que Blade fuera relegado a un segundo plano y que la escena de su muerte fuera menos convincente que Ana Obregón en 'Ana y los siete'. Blade era un héroe y, por tanto, deberiá haber muerto como tal.

8. Regreso al futuro III
Sinceramente, nosotros preferiríamos escuchar toda la discografía de Kenny G. antes que volver a ver esta película. Y es una pena, porque aunque la idea de McFly en el salvaje Oeste tuviera bastante posibilidades, comprobamos que ninguna fue considerada a la hora de hacer la película.

'Regreso al futuro III' se olvida totalmente de dar una continuación digna a la narrativa de la segunda, y eso, por decir algo. Vamos, que va a su bola. Aunque reconozcámoslo: poco más se podía hacer. Sencillamente, esta tercera parte, sobraba.

7. Alien III
Renny Harlin y Vincent Ward fueron elegidos en un principio para dirigir esta continuación de la historia de Ripley, pero no pudieron por diversas razones, de manera que el trabajo recayó definitivamente en David Fincher. El director de 'El curioso caso de Benjamin Button' se las tuvo que ver con un guión sin una historia sólida, una fecha límite y un montón de ejecutivos del estudio presionándole, así que no es de extrañar que el resultado final fuera un capricho tan decepcionante.

Ripley termina abandonada en un 'planeta prisión'; está rodeada de reclusos y llena de piojos, lo que le obliga a afeitarse la cabeza. Y todos sabemos que hay un problema cuando el pelo (o la falta de él) del personaje principal en una película gana más atención que los acontecimientos en sí... 'Alien 3' adolece fundamentalmente de ser muy episódica con sus emociones y sus temores, pero hay que reconocer que es muy coherente con su mediocridad, aunque por supuesto esto decepcione muchísimo a los amantes de las dos primeras películas. Ripley merecía una buena película que cerrara la trilogía, y lo que obtuvo fue esto y, por si fuera poco, después vino 'Alien: Resurrección'.

6. Piratas del Caribe: En el fin del mundo
Nos encanta Jack Sparrow y creemos Johnny Depp pueden interpretar cualquier papel. Pero no nos gusta que una franquicia basada en el tremendo éxito y reacción que entre el público tuvo el personaje de Sparrow se olvide de que esa es su razón de ser. No nos gusta una tercera película que antepone la épica historia de amor entre Elizabeth y Will a las payasadas de Sparrow. Y nos disgusta seriamente una película que hace de Sparrow una caricatura de sí mismo.

Gore Verbinksi es, en el mejor de los casos, un irregular narrador que tuvo suerte con el inesperado éxito de la primera película. Antes de 'Piratas del Caribe' no tenía experiencia en blockbusters de éxito. Eso explica muchas cosas, especialmente que en la segunda y, sobre todo, en la tercera parte de la saga, se centrara tanto en los efectos especiales y tan poco en ese encanto de Depp que hizo tan popular y divertida la primera.

5. Batman Forever
La franquicia Batman llevó a cabo un significativo cambio en cuanto a enfoque, tema, público y prioridades con 'Batman Forever'. Los espectadores todavía estaban asimilando 'Batman Vuelve', con un protagonista muy oscuro y un pingüino muy gordo, y en el estudio querían sacudirse ese recuerdo. Salió Tim Burton y entró Joel Schumacher. El siempre estoico Batman de las dos primeras partes fue sustituido por una especie de hombre de plástico, interpretado por Val Kilmer. Pero peor que esto es lo que la película le hace al propio Batman: le quita su razón de ser metiendo a Bruce Wayne en una búsqueda absurda de los motivos que le hacen salir de noche vestido de murciélago. ¿No había quedado ya claro en las dos primeras partes?

4. Matrix Revolutions

3. X-Men: La decisión final

2. Spider-Man 3
'Spider-Man' trataba sobre un empollon que se hace con un gran poder, y con él, una gran responsabilidad. 'Spider-Man 2' va del sacrificio de nuestro héroe a causa de esa responsabilidad. Y 'Spider-Man 3' es sobre... algo, suponemos, que se perdió en medio de todas las secuencias de efectos especiales.

Si de algo puede presumir Hollywood es de la solidez de su Star System. Las estrellas, portavoces de la cara más glamorosa de la industria, deben someterse a la atención continua de los medios y, como recompensa a su esfuerzo, se les premia no sólo con salarios estratosféricos sino que también se los sitúa en un panteón público en el que se venera su condición multimillonaria. Como viene siendo tradición, la revista Forbes ha confeccionado un ranking con las parejas más rentables de la industria. Una lista formada, en su mayoría por actores de cine, aunque también se ha colado algún deportista y, sobretodo, algunos músicos. Sin ir más lejos, la pareja formada por el rapero Jay-Z y la diva del pop Beyonce Knowles encabezan la lista.

1) Jay-Z y Beyonce Knowles (122 millones de dólares). 2009 fue, sin lugar a dudas, el año de estas dos jóvenes estrellas de la música. Jay-Z se apeó a los primeros lugares de las listas de ventas con su hit Empire State of Mind, que cantó junto a Alicia Keys; mientras que Beyonce arrasó, como de costumbre, con su single Single Ladies para luego marcarse el tanto de cantar en el baile inaugural de la presidencia de Obama. El éxito de taquilla de Obsessed y el buen funcionamiento de las líneas de moda terminaron de cerrar el gran año de Beyonce.

2) Harrison Ford y Calista Flockhart (69 millones). A la chita callando, esta espléndida pareja demuestra que el éxito no está reñido con la veteranía. Tras varias temporadas apartado de los focos de atención, Ford volvió a arrasar con la cuarta entrega de la saga de Indiana Jones. Por su parte, Calista volvió a triunfar (como hizo en su día con Ally McBeal) gracias a la serie Brothers & Sisters.

3) Brad Pitt y Angelina Jolie (55 millones). La pareja más fotogénica, envidiada y perseguida de Hollywood ha demostrado sacar provecho económico de su fama. El tándem conocido como Brangelina tuvo un 2009 sensacional gracias a los éxitos de taquilla de El curioso caso de Benjamin Button (película protagonizada por Pitt) y de Wanted (en la que Jolie volvió a las andadas como icono del cine de acción). ¿Alguien se atreve a pararlos?

4) Will Smith y Jada Pinkett Smith (48 millones). A día de hoy, Will Smith es el actor más rentable de Hollywood. Según datos oficiales, el conjunto de sus películas ha recaudado casi 6 billones de dólares en todo el mundo. Así, es fácil entender que su caché esté bastante por encima de los 20 millones por película. Y ahí no termina la cosa, ya que la esposa de Will, la señora Jada Pinkett Smith, también posee una carrera propia, que incluye trabajos tan rentables como el doblaje del personaje de Gloria, la hipopótamo de Madagascar.

5) David y Victoria Beckham (46 millones). David sigue siendo una atracción en el mundo del fútbol. En la actualidad, pasa medio año jugando para Los Angeles Galaxy y el otro medio año en el Milan. Su objetivo: ser seleccionada para participar como miembro de la selección británica en el próximo mundial de Sudáfrica. Por su parte, Victoria Beckham ha sido elegida para participar como juez en la próxima edición de American Idol, el Operación Triunfo yanki.

6) Ellen DeGeneres y Portia de Rossi (36 millones). DeGeneres se ha convertido en una verdadera magnate: presenta un popular espectáculo televisivo, es la imagen de American Express y posee una empresa de comida canina. Además, sustituirá a Paula Abdul como juez del American Idol. Su pareja, la actriz Portia de Rossi es la protagonista de la serie de culto Better Off Ted.

7) Tom Hanks y Rita Wilson (35.5 millones). Hanks es uno de los pocos actores que todavía juegan en la liga de los salarios de 20 millones de dólares. El pasado año, triunfó con Ángeles y demonios y en 2010 volverá a ceder su voz al Woody de Toy Story en la tercera entrega de la saga. Por su parte, Wilson forma parte de la lista de grandes secundarias de Hollywood, especializada en papeles de “mejor amiga” (como en la reciente No es tan fácil, junto a Meryl Streep).

8) Jim Carrey y Jenny McCarthy (34 millones). Carrey y McCarthy llevan cuatro años como pareja y, durante este tiempo, el perfil profesional de McCarthy ha cambiado notablemente: de modelo de Playboy a activista contra las vacunas. Carrey contribuye la mayoría de las ganancias de la pareja, pero la cosa puede cambiar cuando McCarthy estrene un programa televisivo bajo la tutela de la gran Oprah Winfrey.

9) Tom Cruise y Katie Holmes (33.5 millones). A pesar de la devaluación que ha sufrido el caché de Cruise y la práctica retirada de Holmes del mundo de la interpretación, la pareja sigue gozando de importantes dividendos. Entre junio de 2008 y de 2009, Cruise se embolsó la friolera de 33 millones de dólares, mientras que Holmes hizo sus pinitos en Mad Money, donde compartió cartel con Diane Keaton.

10) Chris Martin y Gwyneth Paltrow (33 millones). Como líder del grupo británico Coldplay, Martin le ganó la partida de ingresos a Paltrow por poco. 2009 fue un año particularmente afortunado para Martin, que vio como su álbum Viva la Vida vendía 2.6 millones de copias en Estados Unidos y 3 en Europa. 2010 apunta que será el año de Paltrow, con su regreso como la Pepper Potts en Iron Man 2.

Cuando se habla de trastornos psicológicos en relación al cine suele caerse en simplistas clasificaciones: psicópatas, asesinos, locos… Sin embargo, la realidad es mucho más compleja y difícil de categorizar. Para demostrarlo, os presentamos una lista de 10 personajes, cortesía de la página Unreality, sumidos en los lugares más siniestros de la psique humana. Diez (en realidad once) auténticos perturbados de película. ¿Cuál os parece el más desprecible y retorcido?

Maynard y Zed (Duane Whitaker y Peter Greene) en Pulp Fiction (1994). En esta película plagada de personajes sin escrúpulos, la pareja formada por Maynard y Zed se llevan el premio a los más degenerados. Aficionados a la sodomía bondage, el dúo la toma con el bueno de Butch (Bruce Willis) y el temible mafioso Marcellus Wallace (Ving Rhames). El único misterio aquí es intentar aclarar cual de los dos está más perturbado: Zed, por ser el violador, o Maynard, por disfrutar como voyeur.

Bill Maplewood (Dylan Baker) en Happiness (1998). Con este cóctel de irreverencia e incorrección política, Todd Solondz dinamitó los cimientos de la bienpensante clase media norteamericana. En la cúspide de su teatro del horror suburbial, Solondz situó a Bill Maplewood, padre de familia por el día y despiadado pedófilo por las noches. Para echar a correr.

Casper (Justin Pierce) en Kids (1995). Otra película que sacudió a la sociedad yanki de los años 90. De entre el festival de trastadas adolescentes cometidas por los protagonistas del filme, no hay peores que las de Casper. ¿Ejemplos? El tipo bebe ponche de frutas de un tampón o viola a una chica borracha que ha perdido el conocimiento.

Jim Cunningham (Patrick Swayze) en Donnie Darko (2001). Uno de los últimos papeles a los que dio vida el gran Patrick Swayze… y uno de los mejores. El actor interpretaba a un gurú de la autoayuda que, en sus ratos libres, se dedicaba a coleccionar pornografía infantil. Queda claro que los directores americanos tienen sienten debilidad por el retrato de la hipocresía social.

Buffalo Bill (Ted Levine) en El silencio de los corderos (1991). Un clásico. Cuando se comenta este filme, todo el mundo suele recordar a Hannibal (Anthony Hopkins) y a Clarice (Jodie Foster); sin embargo, para muchos, la escena más perturbadora de la película es aquella en la que Buffalo Bill baila ante la cámara escondiendo el pene entre las piernas.

Sport (Harvey Keitel) en Taxi Driver (1976). Aquí se juntan tres factores: la gran habilidad como escritor de Paul Shrader, la majestuosa puesta en escena de Martin Scorsese y, finalmente, el talento interpretativo de Harvey Keitel, que interpreta con sibilina mala uva al implacable chulo de una jovencísima Jodie Foster. Probablemente, el más inmoral de los proxenetas fílmicos.

Sean Nokes (Kevin Bacon) en Sleepers (1996). Para muchos, este personaje es la encarnación misma del concepto de “monstruo”. Abusar de unos chicos jóvenes es un crimen, pero hacerlo en el contexto de una desangelada prisión responde a una forma de perversidad que nuestra mente desearía que existiera únicamente en las peores ficciones.

Dino Velvet (Peter Stormare) en Asesinato en 8mm. (1999). Stormare parece un actor nacido para encarnar el mal. Sus rocosas facciones trazan un verdadero mapa de la locura y la perversión. En esta película protagonizada por Nicolas Cage, el bueno de Stormare da vida a un productor de snuff movies (películas en las que se tortura y asesina a gente) que se toma su trabajo muy en serio. Imposible pedir más.

Alex (Malcolm McDowell) en La naranja mecánica (1971). Un miembro indiscutible del panteón de los maníacos cinematográficos. Siguiendo sus impulsos más primarios, este aficionado a la violencia más descerebrada e irracional encuentra en los golpes y la agresión la única fuerza embriagadora que pone en funcionamiento su libido. 

Corwin Earle (Matthew Maher) en Adiós pequeña, adiós (2007). El tipo no aparece en escena más que unos breves momentos, pero lo suficiente para que echemos un vistazo en el pozo más negro del alma humana. En el momento en que ves al niño en la bañera, sabes que te enfrentas al mal en estado puro.

Ya está aquí el primer cartel de 'La reina en el palacio de las corrientes de aire', la tercera y última entrega cinematográfica de la saga 'Millennium' basada en la trilogía literaria del sueco Stieg Larsson.

La película llegará a los cines españoles el próximo 5 de marzo y en su poster oficial podemos ver a la protagonista Lisbeth Salander con un cambio radical de look. Cresta, collar de pinchos botas de plataforma y una maza (para impartir su vengativa justicia) forman parte del atuendo con el que Lisbeth promociona el final de la trilogía que en nuestro país ha recaudado casi 15 millones de euros con sus dos primeras entregas.

La cinta volverá a estar dirigida por Daniel Alfredson, el hombre que ya dirigió la segunda entrega de la saga, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, sustituyendo a Niels Arden Oplev, director de 'Los hombres que no amaban a las mujeres'.

Michael Nyqvist y Noomi Rapace volverán a dar vida a los protagonistas de la saga que el periodista Mikael Blomkvist y la atormentada hacker Lisbeth Salander que en 'La reina en el palacio de las corrientes de aire' continuarán con la peligrosa trama que ha enganchado a millones de lectores y espectadores en todo el mundo.

Comienza el Festival Internacional de Cine de Sundance, con diferentes temáticas, como inmigración, educación, perturbación de los hábitos alimentarios en una vegetariana y la situación emocional de un discapacitado.

En el festival, que concluirá el 31 de enero, participarán 115 películas –seis menos que en 2009–, de las cuales 64 competirán; la mayor parte son producciones de bajo presupuesto.

En la selección destaca el estreno de Abel, de Diego Luna y Agusto Mendoza, que formará parte de los filmes representantes de 31 países. En ella participan José María Yazpik, Karina Gidi y Carlos Aragón, entre otros; los actores John Malkovich y Gael García Bernal son los productores ejecutivos.

El único largometraje español en el festival es Buried, protagonizada por Ryan Reynolds, y dirigida por Rodrigo Cortés, un inquietante relato sobre un hombre que se encuentra dentro de un ataúd, provisto tan sólo de un teléfono móvil. La representación de nuestro país se completa con los cortometrajes Cómo conocí a vuestro padre, de Alex Montoya, Mi amigo invisible, de Pablo Larcuen, y Notas sobre el otro, de Sergio Oksman, que competirán en la sección oficial de drama.