The money shot (El que rueda es el dinero). Se dice esto cuando una escena es lo que debe ser según la idea de su director. Una buena escena es aquella que incluso puede resumir lo que la película intenta decir o hacer. Siempre ha sido así, tanto en el cine como en la televisión.

Y esa escena es considerada la mejor de la película entera. La escena en la que el productor pone su dinero si se le obliga (¿convence?) a ello. Y cuando están bien hechas, estas escenas sobreviven a la película. Con el paso del tiempo, las jóvenes generaciones aún reconocen esa escena, lo que ocurría en ella, lo que había, lo que se dijo; pero no necesariamente la película a la que pertenece. Quizá sea un vestido o un sofá o un hermoso paisaje en la playa o un audaz traje o un divertido maquillaje.

Gracias a la web dailytop10.net, vamos a repasar las diez mejores escenas de todos los tiempos; o si no las mejores, las más populares.

10. La falda (La tentación vive arriba). Actriz: Marilyn Monroe. La escena muestra a Marilyn encima de una rejilla de ventilación. El aire, al paso del metro, sube hacia arriba, y le levanta la falda, enseñando sus piernas. Esta escena es la quintaesencia de lo considerado sexy. A partir de este momento fílmico, la Monroe se convirtió en un icono sexual, y pasó a la posteridad.

9. ¿Dónde está el dinero? (Jerry Maguire). Actores: Tom Cruise y Cuba Gooding Jr. Show me the money es la expresión que todo el mundo utiliza en una situación en la que haya pasta de por medio. Antes de esta escena, sin embargo, no era más que eso: una escena escrita por un agente deportivo al final de su carrera. Tom Cruise lo hizo tan bien que la frase ha pasado al vocabulario popular.

8. No mentir (Algunos hombres buenos). Actores: Jack Nicholson y Tom Cruise. El teniente Daniel Kaffee dice: "¡Quiero la verdad!", a lo que el Coronel Nathan R. Jessep responde:  "¡Usted no puede soportar la verdad!". Así que cuando tengas una situación comprometida por haber mentido, ya sabes qué puedes decir gracias a esta gran escena.

7. La bicicleta voladora (E.T., el extraterrestre). Actores: Elliot y E.T. Después de ver a E.T. levantar la bici y a su amigo Elliot del suelo, todos los niños del planeta quieren una bicicleta que vuele a través de la Luna y quiere tener un ET como amigo después de ver esta emotiva escena.

6. Él te está mirando (Casablanca). Actores: Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. La frase 'Aquí estoy, mirándote' es utilizada hoy en día por muchos padres. Pero si conocemos la película -y esta escena, en concreto- y el sentido en el que Bogart lo dice, podría sonar realmente mal decirle eso a un hijo/a. Anécdota del rodaje: debido a que la película se rodó durante la Segunda Guerra Mundial, no se les permitió rodar en un aeropuerto real. En su lugar, utilizaron un avión de cartón piedra y, para que pareciera de verdad, le añadieron sonido de motores y grabaron en perspectiva, para que pareciera un aeroplano de verdad.

5.¡Ríete, maldita sea! (El caballero oscuro). Actor: Heath Ledger. ¿Quién podría olvidar esta aterradora frase, ahora famosa, "¿Por qué tan serio?". Ledger interpreta la frase de manera simple, pero consigue que se vea la ira y la maldad de su alma, y también consiguió cambiar el significado de la frase para siempre con esta impresionante escena.

4. Besa mi mano (El padrino). Actor: Marlon Brando. Una curiosidad: besar la mano es una tradición bastante común en algunas partes de Asia, como muestra de respeto a los mayores. Gracias a esta escena, sin embargo, se ha convertido en un símbolo de humildad ante el diablo en persona.

3. ¡Esto es Esparta! (300). Actor: Gerald Butler. Esta escena nos ha enseñado que, si tienes una 'tableta de chocolate' en el vientre, y eres capaz de caminar sobre la nieve llevando tan sólo una capa y en ropa interior, eres capaz de conquistar cosa. Ah, y la moda de Hollywood de llevar sandalias se la deben a esta película.

2. Orgasmo fingido (Cuando Harry encontró a Sally). Actores: Billy Crystal y Meg Ryan. Una película, tan sólo una película -en realidad, una escena- es la que les ha abierto los ojos a los hombres: ¡ellas siempre han estado fingiendo!

1. Volveré (Terminator). Actor: Arnold Schwarzenegger. A partir de esta escena, esta frase fue, es y será siempre... una amenaza.

Todas estas películas han dejado huella. Las escenas han tenido tanto alcance, que se han incorporado a la vida cotidiana de muchas personas en todo el mundo. Pero ¡asegúrate de ver las películas enteras, para interpretar las escenas de forma correcta! ¿Echas en falta alguna? Si es así ¿Cuál?

Este verano se ha estrenado X-Men: Primera generación, la precuela dirigida por Matthew Vaughn (Stardust, Kick-Ass) en la que tenemos la oportunidad de descubrir los orígenes de la saga de X-Men. Una gran oportunidad de asistir al inicio de las hostilidades entre los míticos Magneto (interpretado aquí por Michael Fassbender) y el Profesor Charles Xavier (James McAvoy). También podemos deleitarnos con el cuerpo juvenil de Mística (Jennifer Lawrence) o el encanto de Emma Frost (January Jones). En resumen, un viaje imaginario al pasado de nuestros superhéroes favoritos. Una tendencia cada vez más común en el ideario de Hollywood. De hecho, exprimidas las batallas presentes de los héroes del cómic, ¿qué mejor que rebuscar en su pasado? El filón parece no tener fin. Para demostrarlo, os presentamos una lista con las incursiones de Hollywood en la juventud de los superhéroes.

Batman Begins (2005). Después de que, en 1997, Joel Schumacher destruyera con la lamentable Batman y Robin (con George Clooney en la piel del hombre murciélago) todo lo construido por Tim Burton en sus estupendas películas de 1989 y 1992, la saga de Batman parecía condenada al ostracismo. Pero entonces apareció un joven genio llamado Christopher Nolan que decidió que era hora de empezar de cero. Para ello, se aferró a la posibilidad de plantear un Batman más oscuro y realista, atormentado y violento. Con esta idea entre ceja y ceja, contrató a Christian Bale para protagonizar Batman Begins, aunque antes de mostrarlo en pantalla dedicó un magnífico prólogo a la infancia y juventud de Bruce Wayne. Un hito de los reboot (arranques de cero) que convenció a Hollywood de que valía la pena invertir en los orígenes de los superhéroes.

Star Wars Episodios 1,2,3. En ocasiones, como en el caso de Nolan y Batman, las miradas al pasado o los arranques de cero permiten un interesante lavado de cara a mitos relativamente agotados, caducos. Sin embargo, en otras ocasiones, el intento de insuflar nueva vida a una vieja mitología resulta en catástrofe. Eso fue lo que ocurrió, a partir de 1999, con la saga de Star Wars. George Lucas tenía entre manos la saga fantástica más idolatrada de todos los tiempos y, para desgracia de sus fans, pensó que la tecnología digital le permitiría actualizar y ampliar la gloria de su ópera galáctica. Sin embargo, el Episodio I: La amenaza fantasma, una película que parecía más un videojuego para niños que una película para jóvenes, desalentó a la mayoría de sus seguidores. Luego, El ataque de los clones y La venganza de los Sith, maquillarían un poco el asunto, aunque no conseguirían quitar el mal sabor de boca a las ordas de indignados fans. 

Superman Returns (2006). Aunque, en este caso, no hablamos estrictamente de la juventud del superhéroe, esta película dirigida, co-producida y co-guionizada por Bryan Singer (X-Men, X-Men 2, Sospechosos habituales) es un buen ejemplo de reboot (reinicio). Sin embargo, en este caso, a diferencia del de Nolan y Batman, no se trata de comenzar estrictamente de cero, sino de echar la vista atrás e intentar olvidar los capítulos menos memorables de la saga. Aquí, Singer decidió que valía la pena descartar la tercera y cuarta entregas de la saga fílmica y conectar el nuevo filme con la segunda parte. La película retoma la historia partir de Superman II, con el Hombre de Acero volviendo a la Tierra tras una ausencia de cinco años. Un planteamiento interesante que tampoco terminó de cuajar entre los fans del Súper más super del cómic y el cine.  

The Amazing Spider-man (2012). Seguimos con los reboot, la última moda de Hollywood. En este caso, se trata de insuflar nueva vida al hambre araña, que después de dos grandes aventuras de la mano de Sam Raimi y Tobey Maguire (en 2002 y, sobre todo, 2004), empezó a mostrar síntomas de agotamiento en la película de 2007. Así, el guión de esta nueva entrega, dirigida por Mark Webb (el autor de (500) días juntos), se centrará en los años de instituto de los protagonistas y no estará basado en los cómics originales de los años 60 como la anterior franquicia, sino en la línea Ultimate creada por Brian Michael Bendis y Mark Bagley. La lista de nuevos y rejuvenecidos rostros estará encabezada por Andrew Garfield en la piel de Peter Parker, al que acompañarán Emma Stone como Gwen Stacy y Rhys Ifans como el Dr. Curt Connors. El estreno, en 3D, de la película está previsto para el 3 de julio de 2012.

Indiana Jones y la última cruzada (1989). Sí, antes de que alguien se inventara el concepto de reboot, al bueno de Steven Spielberg se le ocurrió que sería una buena idea explorar la juventud de uno de los grandes héroes de la gran pantalla. Sí, es cierto, Indy no es estrictamente un superhéroes, pero, para nosotros, su encanto y carisma (humano) lo convierten en el más “super” de todos. En fin, que en la tercera entrega de la icónica saga de aventuras, Spielberg nos permitió echar un ojo a la fundación del mito, con el magnífico, aunque malogrado, River Phoenix en la piel del joven Indiana Jones. Este maravilloso segmento del filme causó tanto furor que la dupla Spielberg-Lucas decidió que era una buena idea dedicarle una serie de TV a la juventud del personaje. Así nació la recordada Las aventuras del joven Indiana Jones, con Sean Patrick Flanery en la piel del joven Indy.

Casino Royale (2006). Seguimos con otro héroe que, por veteranía y carisma, merece ser incluido en entre los “super”. Nos detenemos aquí en la 21ª aventura de Bond, la primera protagonizada por el musculoso y rubio Daniel Craig, basada en la novela homónima de Ian Fleming y dirigida por el neozelandés Martin Campbell. Se trata, como no, de un reinicio de la franquicia, cuestión que no sólo significó que, por primera vez, después de más de cuatro décadas de continuidad, la serie podía adoptar un nuevo enfoque sino que además permitió que se proyectara a un Bond menos experimentado y más vulnerable. De partida, la imagen de un Bond más tosco y bruto desencantó a los fans de la saga; sin embargo, tras el estreno del filme, público y crítica reconocieron el magnífico trabajo de Craig y el nuevo vitalismo de la saga.

Star Trek (2009). Terminamos con un ejemplo más ortodoxo, el de la saga de Star Trek, que en 2009 decidió echar la vista atrás y volcarse con la temperamental juventud de Kirk (Chris Pine), Spock (Zachary Quinto), Uhura (una espectacular Zoe Saldaña) y compañía. El responsable de este reboot fue JJ Abrams (el creador de Alias y Lost), que consiguió imprimir un ritmo de vértigo a la película, aunque también optó por meterse en un buen berenjenal al apostar por los viajes en el tiempo como motor narrativo de la película (una materia siempre delicada y proclive al caos). Si todo sigue por buen camino (la película fue un gran éxito de crítica y público) es més que probable que este reinició tenga continuidad en la gran pantalla.

Tradicionalmente, el verano es la estación preferida, y la más esperada, por los ejecutivos de Hollywood. Es el momento de los grandes estrenos, las grandes superproducciones. Cada estudio hace girar su maquinaria de promoción a máxima velocidad, mientras las estrellas del momento exhiben sus mayores virtudes en la gran pantalla. Por su parte, los espectadores se suman a la fiesta eligiendo las salas de cine para luchar contra el asfixiante calor veraniego. Una oportuna combinación lúdico-comercial que convierte la taquilla en un hervidero de esperadísimos títulos. Para adelantaros algunas de las mieles del verano 2011, os presentamos un ranking con algunas de las joyas más esperadas de la temporada.

10. Amigos con derecho a roce (Estreno: 23 de septiembre). Un cazador de talentos contrata a una editora de revistas y como ambos están demasiado ocupados como para “perder el tiempo buscando pareja” deciden acostarse dejando a un lado cualquier lazo emocional. Está claro que no se trata del argumento más original que uno pueda imaginar (como demuestra la reciente Sin compromiso), pero los ingredientes de esta comedia romántica prometen. De partida, tenemos al director Will Gluck, que el año pasado nos demostró con Rumores y mentiras que sabe jugar con habilidad dentro de los márgenes del cine con fórmula. Y luego tenemos al dúo protagonista: la siempre deslumbrante Mila Kunis y el siempre sexy Justin Timberlake. Promete.

9. Haywire (Estreno: 24 de junio). La hermosa Mallory Kane (Gina Carano) es una joven soldado que trabaja encubierta y es contratada por numerosos gobiernos para realizar tareas que ellos mismos no podrían llevar a cabo... Se le encomienda una misión en Dublín, donde la joven fracasa al ser traicionada. Deberá utilizar todas sus habilidades para escapar de una persecución internacional e intentar llegar a Estados Unidos para proteger a su familia y preparar la venganza hacia aquellos que la han traicionado.Un thriller lleno de acción y aventura, con un reparto impresionante: Ewan McGregor, Michael Douglas, Antonio Banderas, Channing Tatum, Michael Fassbender, Mathieu Kassovitz, Bill Paxton... y dirigida por Steven Soderbergh. Ahí es nada.

8. Super 8 (Estreno: 19 de agosto). El director y productor J.J Abrams ha hecho del secretismo una de sus armas más poderosas. Lo dejó bien claro durante su etapa al mando de la seri Lost y volvió a jugar con el misterio durante la promoción de la película Monstruoso, de la cual no se vio ni se supo prácticamente nada hasta el día de su estreno. Para su nuevo filme, Abrams ha contado con la producción del gran Steven Spielberg y, para no perder la costumbre, ha sumergido el proyecto en el secretismo más absoluto. En una época en la que la información parece circular sin límites, se agradece que un director te de la oportunidad de acudir al cine sin saber casi nada de lo que vas a ver.

7. Resacón en Las Vegas 2 (Estreno: 23 de junio). Hace dos años, Resacón en Las Vegas pilló desprevenido a más de un fan de la comedia. Cuando muchos esperaban otra entrega de previsible humor yanqui, la película de Todd Phillips puso patas arriba todos los clichés y arquetipos del género. Ahora, el cuarteto de intrépidos colegas irán hasta Bangkok para celebrar la boda de Stu, un viaje que muy probablemente acabará en un nuevo desmadre de colosales proporciones. En este caso, el mayor riesgo está en que la película se convierta en un calco con menos gracia del original. Habrá que ver.

6. Cowboys y Aliens (Estreno: 2 de septiembre). Uno de los proyectos más curiosos de la temporada. Una nave espacial aterriza en Arizona, USA, en 1873, con la intención de conquistar el planeta Tierra, empezando por el oeste americano. Pero claro, estamos en la época del western y los cowboys no van a dejarse amilanar por unos bichos del espacio exterior. La batalla está servida. Un combate en el que participarán, del bando de los cowboys, caras conocidas como las de Harrison Ford y Daniel Craig. Dirige el ascendente Jon Favreau, responsable de la saga de Iron Man.

5. Caballeros, princesas y otras bestias (Estreno: 1 de julio). Las historias caballerescas siempre hablan de apuestos caballeros que rescatan a hermosas doncellas, matan dragones y vencen al mal. A menudo, detrás de estos grandes héroes hay un hermano pequeño que se esfuerza en no aparecer por ningún lado. El protagonista de Superfumados y Tropic Thunder: una guerra muy perra, Danny McBride, y James Franco (127 horas y Superfumados) vuelven a encontrarse en el papel de dos príncipes en una atrevida misión para rescatar a la prometida del heredero al trono antes de que el reino de Mourne caiga en el caos. La presencia femenina tampoco tiene desperdicio: Natalie Portman y Zooey Deschanel lucen sus encantos -nunca mejor dicho: la escena del baño de Portman con un 'tanga medieval ha dado mucho de qué hablar)- en esta comedia que suena a taquillazo de los inesperados.

4. Bad teacher (Estreno: 8 de julio). Algunos profesores simplemente pasan. Por ejemplo, Elizabeth (Cameron Díaz). Es mal hablada, despiadada e inapropiada. Bebe, se coloca y en lo único que piensa en es casarse con un buen partido que le mantenga y le permita dejar de trabajar. Cuando su prometido la deja, pone en marcha un plan para sustituirle por un rico y guapo profesor (Justin Timberlake). Para ello tendrá que competir con Amy (Lucy Punch), otra profesora hiperactiva y llena de energía. Cuando al mismo tiempo un sarcástico e irreverente profesor de música (Jason Segel) no para de tirarle los tejos a Elizabeth, las consecuencias de su salvajes y escandalosas confabulaciones aportarán a sus estudiantes, colegas e incluso a ella misma, una educación sin igual.

3. Capitán América: El primer vengador (Estreno: 5 de agosto). Después de ser descartado para el servicio militar, Steve Rogers se presenta voluntario para participar en un proyecto secreto que lo convertirá en el Capitán América, un superhéroe volcado en la defensa de los ideales norteamericanos. Mes a mes, la moda del cine de superhéroes se impone con más fuerza en el planeta Hollywood. Y aquí tenemos a uno que lleva décadas amenazando con asaltar la gran pantalla. Finalmente, lo hará con el rostro de Chris Evans (al que ya vimos en la saga de Los cuatro fantásticos), una decisión de casting que generó cierto revuelo cuando muchos fans pusieron en dudas las dotes actorales del cachitas Evans.

2. Linterna Verde (Estreno: 29 de julio). Un piloto de pruebas recibe un anillo verde místico que le otorga poderes sobrehumanos, así como acceso a un escuadrón intergaláctico encargado de conservar la paz en el universo. Estamos ante la primera película surgida del acuerdo entre el estudio Warner Bros y la mítica editorial DC Comics. Parece haber mucho en juego. La película está dirigida por Dirigida por Martin Campbell y protagonizada por Ryan Reynolds, que últimamente se ha convertido en una garantía de calidad. Además le acompaña la bellísima Blake Lively. En su momento, la película generó dudas debido a su larga gestación, pero desde que fue presentada en la Wondercon, donde se ofreció a los asistentes (un verdadero ejército de frikis) un sugerente adelanto de 9 minutos, las expectativas no han dejado de crecer.

1. Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte II (Estreno: 15 de julio). En la guerra entre las grandes producciones, la veteranía es un valor a tener en cuenta; más aún cuando va acompañada de diversión de calidad. Para muchos, la primera parte de la última entrega de la saga de Harry Potter fue la mejor película de la franquicia. Con lo cual, la multitudinaria legión de fans de Harry y compañía no dudará en acudir en masa a los cines para asistir en primera persona al final de una saga que lleva en circulación la friolera de ¡11 años! Para los fans, se trata de un momento histórico. Los ejecutivos de Hollywood se friegan las manos mientras buscan el siguiente gran filón.

¿Cuál de todos ellos espráis con más interés o ganas? ¿O quizá el que más entusiasmo despierta no está incluido en la lista? ¡Opinad!

Todo hombre sobre la faz de la Tierra sabe que las sirenas son unas de las criaturas más fascinantes y sensuales del folclore antiguo. Cuenta la leyenda que bajo su embrujo no hay resistencia posible, aun cuando su naturaleza animal ofrece serias dudas en cuanto a las posibilidades sexuales de un encuentro amoroso. Poco importa, ya que las sirenas pertenecen a la esfera más platónica del deseo masculino. En fin, que a pesar de los obstáculos físicos, las sirenas han transitado desde las profundidades del océano hasta el corazón de la gran pantalla, donde han tomado las formas más diversas, desde los benevolentes ejemplares de Peter Pan hasta las crueles devora-hombres de Harry Potter o la más reciente entrega de Piratas del Caribe. A pesar de estas diferencias, las sirenas del cine suelen compartir la buena disposición a la hora de ayudar a un marinero de buen corazón que se encuentre en apuros. ¿Cuántas de estas sirenas darían el tipo como felices compañeras en el mundo real? Nosotros hemos encontrado cinco. 

5. Aquamarine (Sara Paxton) en Aquamarine (2006). Sara Paxton, antigua sensación del universo teen y pariente lejana del gran Bill Paxton, protagonizó está comedia juvenil en la piel de una de esas encantadoras sirenas capaces de transformarse en seres humanos durante el día. La premisa de la película es que Aquamarine hace un trato con dos jovencitas (Joanna Levesque y Emma Roberts) para que la ayuden a encontrar el amor a cambio de un deseo. La situación parece particularmente atractiva para el receptor de dicho amor, sobre todo si se trata de un tipo adepto al amor platónico adolescente, la especialidad de las sirenas.

4. Charlotte (Winona Ryder) en Sirenas (1990). ¡Oh, Winona! Qué gratos recuerdos nos despiertan tus películas de finales de los 80 y principios de los 90, cuando reinabas como la más encantadora, vulnerable y fresca de las jóvenes estrellas de Hollywood. Te adorábamos hasta tal punto que nos permitimos la libertad de traicionar las reglas de este post para incluirte por tu papel de joven judía de los años 60 obsesionada con el catolicismo y en perpetuo conflicto con tu conflictiva madre. En realidad, la producción de Sirenas fue de todo, menos un cuento de hadas. La protagonista, Cher, traía los humos por todo lo alto tras el bombazo de Hechizo de luna y se permitió el lujo de despedir a dos directores durante el rodaje. De hecho, de no ser por Cher, Winona no habría participado en el film, ya que esta sustituyó a Emily Lloyd, la primera Charlotte, que no convenció a la gran diva.

3. Ariel (Jodi Benson) en La sirenita (1989). Además de alegrar la infancia de millones de niños de varias generaciones, los dibujantes de la factoría Disney tienen el dudoso honor de haberlos traumatizado de por vida y de haber encendido la mecha del deseo en sus inocentes mentes. Madres y padres asesinados (Bambi y El rey león), infancias tortuosas (Dumbo, Pinocho), familias crueles (La cenicienta)… a lo que debemos sumar un curioso conjunto de bellezas juveniles. Un plantel que tiene como una de sus líderes a la espabilada Ariel, una joven sirena enfundada en un nada recatado bikini de conchas marinas. La chica deseaba ser “parte de tu mundo” con tanta fuerza que se hace difícil imaginarnos diciéndole que no.

2. Syrena (Àstrid Bergès-Frisbey) en Piratas del Caribe: En mareas misteriosas (2011). Ella pertenece al mismo grupo de maquiavélicas sirenas que acaban con un buen número de marineros en la última aventura del Capitán Jack Sparrow. Sin embargo, Syrena siente debilidad por Philip Swift (Sam Clafin), el misionero y único tipo de noble corazón entre la tripulación de Barbanegra. De hecho, ambos entablan un fuerte lazo, que trasciende los límites tradicionales de la relación entre hombres y peces. Aunque el resto de sus hermanas sirenas parecen bastante malvadas, Syrena es la excepción que confirma la regla.

1. Madison (Daryl Hannah) en Splash (1984). Citando a otra reliquia de los 80, Robert Palmer, la maravillosa sirena a la que da vida Hannah es “simplemente irresistible”. Puede que esta fantasía dirigida por Ron Howard propulsara la figura de Tom Hanks hasta límites insospechados, pero es la imagen de Ana, estirada sobre la arena en su forma “natural”, la que ha quedado sellada con fuego en nuestra memoria. Como a Syrena, a Madison le crecen (unas espectaculares) piernas cuando está sobre tierra firme, lo que amplía notablemente las posibilidades amorosas de un encuentro soñado.

Hace unos diez años o así, España emergió como uno de los principales 'exportadores de terror' del planeta. Si en la década de los 70 y 80 fueron los Estados Unidos, y en los años 90 Japón, la primera década del siglo XXI es España quien ha conquistado el cetro de 'el país más espantoso' de la Tierra. España ha acaparado el mercado de thrillers psicológicos - como ejemplo de esto Los ojos de Julia machacó la taquilla, Juan Carlos Fresnadillo da rienda suelta a los Intrusos y Pedro Almodóvar sorprende en Cannes con La piel que habito. Con la ayuda de la web Empire, echamos una mirada a las 'horrorosas creaciones' de fabricación española hasta el momento ...

La piel que habito (2011). La última película de Pedro Almodóvar es una mezcla de estilo, desde el 'film noir' hasta el terror psicológico que tan de moda está en el cine nacional.Protagonizada por Antonio banderas como principal estrella, trata de la historia de un cirujano plástico que trata de vengarse de la muerte de su hija.

REC 3 (2011). Paco Plaza, que consiguió reventar la taquilla junto a Jaume Balagueró con esta saga, dirige en solitario esta nueva entrega de este fenómeno de terror 'vecinal'. Las historias de esta franquicia se basan en asustar al personal identificándolos con los vecinos de un inmueble, que son atacados por sus convecinos, convertidos en zombies. Todo un 'pelotazo' en las salas, aunque no tampoco es sorpresa, ya que los zombies siempre han triunfado. Ya hay productores de Hollywood peleando por los derechos del remake

El espinazo del diablo (2001). Del Toro es un orgulloso mexicano, pero ha contribuido a este fenómeno con El laberinto del fauno y esta cinta anterior. Esta película, rodada en Madrid y ubicada en el medio rural durante los últimos meses de la Guerra Civil Española, es una historia de fantasmas extraños donde los personajes vivos son más peligrosos que los muertos. Bueno, lo raro o extraño es relativamente común en este cine español, lo que podría ser una de las razones del éxito que consiguen asustándonos.

Los ojos de Julia (2010). La crítica la calificó como un 'psychothriller con ecos del gran Hitchcock'. La historia nos expone el caso de Julia, una mujer que se está quedando ciega debido a una enfermedad degenerativa, y que tiene que investigar la muerte de su hermana, en teoría un suicidio, pero Julia cree que ha sido un asesinato. Convenció a la taquilla.

Intacto (2001). Podríamos incluir 28 semanas después aquí - después de todo, es una secuela impresionante y sangriennta y un escaparate bastante decente del talento de Juan Carlos Fresnadillo - pero de alguna manera ese trabajo carece de este sabor ibérico. En cambio, hemos elegido este Intacto, la película con la que el nombre de Fresnadillo comenzó a sonar. Danny Boyle se quedó impresionado por la película de suspense del español que domina a la perfección el miedo psicológico que traspasa la lógica.

Los otros (2001). Una película que a muchos no les parecía española, tanto por la factura como por el reparto. Pero lo es. Amenábar nació en Chile pero se crió en Madrid, y escribió esta película en español antes de su traducción al inglés para que lo estudiaran los actores. Es más, aunque la historia trata de una madre y sus dos hijos,s sensible a la luz, y encerrados en una casa a oscuras y aislada que se encuentra en Jersey, justo después de la Segunda Guerra Mundial, todo fue rodado en el norte de España. Una obra maestra de la tensión y el suspense.

El orfanato (2007). El protegido de Del Toro, Juan Antonio Bayona, firma una película de casa encantada, y en gran medida evita trucos y saltos en favor de los valores del antiguo terro gótico: la atmósfera del estado de ánimo, y la historia. Hay choques - y los momentos de horror te golpean el cuerpo como si fuera un tren -, pero realmente no los necesita para asustarte, especialmente una vez que la amenaza que acecha a la madre y al hijo hace sentir su presencia. La gran estrella de la película, sin embargo, es la mansión chirriante que se destaca como una lápida en el corazón de la historia.

Hierro (2009). No, no es una película biográfica sobre el legendario futbolista del Real Madrid. Podría ser una película, menor eso sí, del mismísimo Alfred Hitchcock. Un viaje en ferry a una remota isla de Canarias (El Hierro, de ahí el nombre) termina en pánico cuando el hijo de María desaparece. Tres años más tarde, una llamada de teléfono le da la gran noticia de que su hijo ha aparecido, y antes de poder decir, "No es su hijo!" resulta que no es su hijo. ¿O sí lo es?

Agnosia (2010). Ésta no es exactamente una cinta de terror, ni siquiera un thriller psicológico. Es uno de esas película difíciles de clasificar que existen únicamente para hacer la vida más difícil a aquellos que ordenan su DVD por géneros. Ambientada en el siglo XIX, la heroína es una chica que, después de una caída, ya no puede interpretar correctamente la información que proporcionan sus sentidos. Puede ver y oír, pero todo lo interpreta como si fuera un galimatías. Los problemas vienen cuando resulta que la chica es la poseedora de una clave de enorme valor que su padre le dejó antes de morir, pero que la tiene en su desordenada y confusa cabeza.

Enterrado (Buried) (2010). Si esta es una cinta de terror o una película de suspense es discutible, pero si alguien se despierta enterrado vivo en un ataúd es como para asustarse, aunque sea un poco. Sin embargo, ese es exactamente el destino que se cierne sobre el pobre Ryan Reynolds en esta película de Rodrigo Cortés: se despierta en algún lugar de Irak en una caja de madera con tan sólo un encendedor y un teléfono móvil de empresa, sin mucha batería y con poca cobertura. Terrorífico, ¿no?

Estos son sólo algunos títulos que han llevado a nuestro país a triunfar en taquilla. ¿Nos hemos aolvidado alguno que queráis añadir? ¿Cuál os parece a vosotros que debería estar en esta lista? ¿Consideráis que es cierto que hay un fenómeno de 'terror español' de calidad y de éxito?

La falta de creatividad en el mundo del espectáculo no es nada nuevo; se han hecho adaptaciones, nuevos comienzos y remakes desde que se empezaron a contar historias. Pero puede que no os hayáis dado cuenta -o no lo sabíais- de que algunas de las más grandes películas de todos los tiempos eran, en sí mismas, remakes de otras películas que nadie recuerda. Gracias a la web Cracked hacemos un repaso a seis de esas películas.

6. El Mago de Oz (1939). Todo el mundo conoce la cantidad de premios que consiguió este gran clásico del cine, basado en un cuento para niños, que cuenta la historia de un león, un hombre de hojalata, un espantapájaros y una chica llamada Dorothy interpretada por una joven Judy Garland. Pero... ¿era un remake? ¿Hubo películas antes de ese año? Pues sí, incluso muchas de ellas eran también remakes de 'El Mago de Oz'. Y todos ellos están basados en el libro infantil 'El Maravilloso Mago de Oz', escrito por L. Frank Baum, publicado en 1900. Hubo hasta 10 versiones del libro antes de que se rodase el clásico del 39. Y una de esas películas, del año 1925, incluso se atrevió a dar a la trama un vertiente claramente sexual que ni remotamente aparece en el libro, por supuesto.

5. El precio del poder (1983). El que haya sido un adolescente en los últimos 30 años, seguro que recuerda esta épica historia de mafiosos. Al Pacino es Tony Montana, un refugiado cubano que llega a al cima del poder del tráfico de drogas de Miami con tan sólo una camisa hawaiana, un curioso acento y un rifle con un cargamento infinito de munición. Pacino, el guionista Oliver Stone y el director Brian de Palma consiguieron nominaciones tanto a los Globos de Oro como a los Razzies ese año. La cinta original, llamada 'Scarface' -ese también es el título original de la película de Pacino-, está basada en la vida del gángster Al Capone. La censura se cebó con ella, y no se pudo estrenar. Cuando los productores quisieron retomar el proyecto años más tarde, decidieron cambiar la época y reescribir el guión, que fue encargado a Stone. Su talento hizo que la cinta fuese un éxito.

4. Por un puñado de dólares (1964). ¿Qué se nos viene a la cabeza cuando pensamos en Clint Eastwood y en un clásico del western? Probablemente, una curiosa mezcla de americanos y europeos -no ingleses- rodando en España, asimismo con curiosos acentos. De aquí surgió el término spaghetti western, creado por un equipo italiano rodando en Almería, con un reparto internacional, la cinta pone a Eastwood luchando él solo contra bandas de criminales en la frontera mexicana. La película es un calco, plano por plano, de la japonesa Yojimbo, de Akira Kurosawa. Pero Sergio Leone había comprado los derechos, así que no hubo problemas legales. De hecho, Kurosawa aseguró que había ganado más dinero con el remake euroamericano que con su cinta original.

3. El hombre que sabía demasiado (1956). Esta historia de dobles agentes, asesinatos, secuestros y un precioso escenario en Marruecos no sólo es un remake, sino que es un remake de una película del propio Hitchcock, del mismo título, rodada en 1934. Ambas películas son exactamente iguales, lo único que hizo el genio inglés fue adaptar su historia a un escenario americano.

2. La última casa a la izquierda (1972). Debut de Wes Craven en la dirección, que nos cuenta el horrible crimen de dos padres que matan a los asesinos de su hija. O se ama o se odia, pero lo cierto es que esta película tocó muchas fibras sensibles. Fue un tremendo éxito de taquilla en todo el mundo, pero estuvo prohibida hasta hace bien poco en Australia y Reino Unido por su salvaje sadismo y violencia. La cinta es un remake de una de las mejores películas del director sueco Ingmar Bergman, que incluso ganó con su 'El manantial de la doncella', de 1960, el Oscar a mejor film extranjero. La película de Craven no resultó de tan alto nivel.

1. El halcón maltés (1941). Seguro que es una película que todo el mundo conoce, incluso aunque no se haya visto. Es la cinta que comenzó el género 'cine negro', y convirtió a Humphrey Bogart en una estrella. Inspirada en una novela y en otra película anterior del año 1931, homónimas, todos son bastante fieles al libro, incluso hay diáologos directamente copiados de él. Y la produjo la misma productora. ¿Por qué hacer un remake entonces? La primera cinta tenía demasiado contendio sexual implícito, y la Warner decidió realizar otra película con un argumento parecido, llamada en esta ocasión 'Satan met a lady', en clave de comedia, y protagonizada por una joven Bette Davis. Así que cuando John Huston decidió realizar una nueva versión de 'El halcón maltés', no era la segunda película sobre el tema. Era la tercera. Eliminó la evidencia del asunto sexual y la convirtió en el clásico que es hoy en día.

¿Qué pensáis de esta fiebre americana de los remakes? ¿Conocíais estos casos? Y si las habéis visto ¿qué películas creéis que son mejores, los remakes o las originales?

Al pensar en las grandes estrellas de la meca del cine, solemos imaginarlas como si fueran dioses inmortales: eternamente jóvenes, siempre triunfadoras. Sin embargo, la realidad es que los habitantes de la galaxia de Hollywood son tan humanos como cualquiera de nosotros. En el caso de los actores, esto significa tener que pasar por un arduo aprendizaje, marcado por la lucha por el éxito y la aparición del fracaso. Se hace difícil imaginar a una directora de casting descartando para un papel a gente como Leonardo DiCaprio, Brad Pitt o Johnny Depp, pero esa es la cruda realidad. Antes de convertirse en leyenda, estos actores debieron morder el polvo en más de una ocasión. Para demostrarlo, os presentamos, de la mano de la web Unreality, una suculenta lista con los papeles que se les resistieron a ocho iconos masculinos del cine de las últimas décadas.

Al Pacino. El mismo año en que se convirtió en el Michael Corleone de El padrino y un año antes de dar vida al mítico Serpico, Al Pacino intento hacerse con el papel de San Francisco de Asis en la película Hermano sol, hermana luna, dirigida por el italiano Franco Zeffirelli (experto en adaptación de Shakespeare). El problema es que a Zeffirelli le pareció que Pacino era un actor demasiado histriónico y expansivo, incapaz de dotar de humanidad y serenidad al emblemático santo, papel que terminó recayendo en el olvidado Graham Faulkner.  

Robert de Niro. Este es seguramente uno de los casos más curiosos de la lista. Y es que, en un principio, De Niro se propuso conseguir un papel en la primera parte de El padrino. Participó en el casting de los papeles de Sonny y Michael, que terminaron recayendo en James Caan y Al Pacino. La derrota fue sonada, pero el bueno de Bob tuvo una segunda oportunidad cuando Francis Ford Coppola decidió encomendarle la misión de dar vida al joven Vito Corleone en la segunda parte de la mítica saga. Por otra parte, corren rumores de que De Niro iba a protagonizar El resplandor, pero que Stanley Kubrick lo descartó después de ver Taxi Driver.

Leonardo DiCaprio. Después de trabajar en la película independiente Diario de un rebelde y en el western Rápida y mortal, Leo DiCaprio pensó que el siguiente paso en su carrera debía ser ganarse un lugar en una gran producción de Hollywood. La película elegida fue Batman Forever y Leo se postuló para el papel de Robin. No lo logro. Perdió contra Chris O'Donnell. Lo que no se sabía en aquel momento es que la película, dirigida por Joel Schumacher, iba a ser un completo desastre. De hecho, ha quedado como una de las peores películas de la historia del cine. Un extraño golpe de suerte para Leo, que un año después saborearía las mieles del éxito popular por su papel en Romeo y Julieta, de William Shakespeare.

Brad Pitt. Cuenta la leyenda que cuando todavía era un don nadie Brad Pitt intentó hacerse con un papel en la memorable Escuela de jóvenes asesinos, pero que los directores del casting pensaron que el chico parecía demasiado “dulce” e “inofensivo” y terminaron dándole el papel a Christian Slater. No queremos ni imaginar la reacción de aquellos directores de casting cuando vieron a Pitt convertido en el Tyler Durden de El club de la lucha. Otro de los rumores que rodean a Pitt apunta a que el actor deseaba ser el Willy Wonka de la película de Tim Burton; aunque esto resulta difícil de creer.

Johnny Depp. Según una entrevista concedida por Francis Ford Coppola, Johnny Depp fue su primera elección para el papel de joven abogado de Legítima defensa, la adaptación de la novela de John Grisham. El problema es que, a pesar de haber protagonizado éxitos independientes como Eduardo Manostijeras, Ed Wood o Dead Man, el estudio pensó que Depp no tenía suficiente nombre como para incrementar el caché del proyecto. Hoy en día, convertido en el actor más rentable y taquillero de la meca del cine, suponemos que Depp no tendría problemas en ser elegido para cualquier papel imaginable.

Christian Bale. La carrera del nuevo Batman está plagada de sonados rechazos. En primer lugar, se postuló para el papel protagonista de Titanic y no tuvo nada que hacer contra Leo DiCaprio. Años más tarde probó suerte con el Will Turner de Piratas del Caribe, pero la productora del filme se terminó decantando por Orlando Bloom. En todo caso, lo más curioso fue el fallido intento de Bale por hacerse con el papel de Robin en Batman Forver. Seguramente abatido por aquel fracaso, poco podía imaginar Bale que terminaría convertido en el mismísimo hombre murciélago.

Edward Norton. Cuenta la historia que a Norton se le puso entre ceja y ceja que quería protagonizar Hackers (Piratas informáticos). Sin embargo, por aquel entonces, Norton sólo había aparecido en una película titulada Only in America que fue distribuida directamente en video. Obviamente, no logró el papel, pero al año siguiente, en 1996, daría el salto al estrellato de la mano del thriller judicial Las dos caras de la verdad.

Matt Damon. Se hace difícil imaginar a un director de casting rechazando a Matt Damon, pero eso fue justamente lo que ocurrió durante la pre-producción de Las dos caras de la verdad. Lo curioso del caso es que la productora no se terminó decantando por una joven estrella sino que decidió apostar por un desconocido que apuntaba maneras y que se llamaba Edward Norton. El resto es historia.

A la hora de acercarse al universo de Stephen King, el más prolífico y afamado de los escritores del género de terror, los cinéfilos suelen mostrarse escépticos. Y es que si juntásemos las incontables adaptaciones fílmicas de relatos de King, el nivel medio no estaría muy por encima del aprobado. Demasiadas películas para la televisión condenadas a las sobremesas de verano o las madrugadas de entre semana. Sin embargo, se suele olvidar que en el profundo saco de las película made in King hay auténticas joyas a reivindicar. Por ello, de la mano de la web Joblo, hemos decidido presentar un Top 10 con las pesadillas fílmicas más terroríficas del universo de Stephen King. Y ojo, que aquí nos referimos únicamente a sus relatos de terror, así que no entran en “competencia” películas como Cadena perpetua o Cuenta conmigo. Vamos allá.

10. La rebelión de las máquinas (1986). Con este objeto de culto del cine más ochenteno, King realizó su primera y única incursión en el campo de la dirección cinematográfica. Y lo cierto es que los resultados fueron notablemente satisfactorios. Aclaremos que la película no es una obra maestra, ni mucho menos, pero nadie puede negarle unas importantes dosis de entretenimiento. Recordemos la (delirante) premisa: un cometa penetra en la atmósfera terrestre y provoca el “despertar” de las máquinas, que se convierten en homicidas sedientos de sangre humana. Cómo olvidar los riffs guitarreros de AC/DC, la claustrofobia creciente que contaminaba al relato y, como no, a un sufridor Emilio Estevez enfundado en un vestuario 100% 80s. Memorable.

9. Cementerio viviente (1989). Un comentario colateral: para la generación de los que llevan poco tiempo en la treintena muchas de las películas de esta lista son hitos de la infancia, películas con las que aprendimos el abecedario del terror en la pantalla grande y pequeña (descubrimos muchas de ellas en pases televisivos). Cementerio viviente es un ejemplo perfecto de esto. De la película, nos queda el recuerdo borroso de los terrores infantiles, luego pulidos con los verdaderos clásicos del cine de zombis, sobre todo la gran saga de George A. Romero, que por cierto, estuvo a punto de dirigir esta adaptación de King.

8. Miedo azul (1985). ¿Un Gary Busey locamente enamorado? ¿Un Corey Haim subido en una silla de ruedas motorizada? ¿Todo ello en una historia de licántropos situada en un pueblucho idílico de la América profunda? ¿Se puede pedir más? La película da todo lo que ofrece su premisa. Cuando en el pueblo de Tarker’s Mill empiezan a sucederse unos asesinatos que coinciden con la luna llena, sólo hace falta que Haim divise a una extraña criatura entre la arboleda para desatar el pánico entre los habitantes. De nuevo, estamos ante un filme puramente ochenteno, en el que los efectos especiales y de maquillaje de la vieja escuela insuflan al film un aire nostálgico inconfundible. 100% cine de culto.

7.Creepshow (1982). Casi treinta años después, Creepshow permanence como la antología más incisiva y cachonda del cine de terror. Para la ocasión, King tuvo la brillante idea de conceder al gran George A Romero la dirección de este filme formado por cinco historias cortas en las que se invoca a las más diversas variantes del horror: los zombis, los insectos asesinos, la brutalidad de un hombre obsesionado por vengarse de su mujer adúltera… Además, a película contiene una historia central, que muestra a un niño (interpretado por el hijo de Stephen King, Joe King) que es castigado por su padre por leer cómics de terror. De hecho, el conjunto del filme puede entenderse como un homenaje a los cómics de los años 50 de EC Comics.

6. Phantasma (1979). Basada en el relato El misterio de Salem’s Lot, esta película para televisión (o miniserie) dirigida por Tobe Hooper es seguramente la joya de la corona de las adaptaciones televisivas del universo King, quizás sólo comparable a la también memorable It. En este caso, el factor extra debe buscarse en la ágil y original dirección de Tobe Hooper, que acababa de dirigir Trampa mortal y estaba a punto de regalarnos Poltergeist. El filme nos sitúa en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, un escenario típico de las ficciones de King, donde un grupo de vampiros hace campar el horror entre las calles azotadas por la lluvia y una espesísima niebla, otra de las figuras recurrentes del maestro del terror.

5. La zona muerta (1983). Para algunos, este hito del terror de autor (no olvidemos que la película está dirigida por el gran realizador canadiense David Cronenberg) alberga la última gran interpretación como protagonista del excéntrico e inclasificable Christopher Walken. Sea así o no, no se le puede negar al filme unas grandes dosis de inquietud y terror psicológico. La película se centra en el personaje de Johnny Smith, un profesor de escuela que, al despertar de un coma, se da cuenta de que ha desarrollado unos inquietantes poderes paranormales, nuevas cualidades que le permiten convertirse en un eficaz investigador, además de un misterioso profeta.

4. La niebla (2007). Después de dirigir dos adaptaciones del Stephen King más alejado del cine de terror (Cadena perpetua y La milla verde), Darabont regresó a un género en el que ya había demostrado un talento notable (escribiendo los guiones de La mosca II y Pesadilla en Elm Street 3). Así surgió La niebla, la más moderna de las adaptaciones de King de la lista y una de las más aterradoras. La acción tiene como protagonistas a un grupo de humanos que, escapando de una amenaza monstruosa, se encierran en un supermercado dispuestos a parapetarse y combatir al enemigo. El final de la película, apartada de los cánones de Hollywood, desconcertó a más de uno, aunque a nosotros nos parece uno de los golpes maestros del filme.

3. Misery (1990). Siguiendo el mismo esquema que llevaría a Darabont hasta La niebla, Rob Reiner decidió empezar adaptando un relato no terrorífico de King, Cuenta conmigo, para después regalarnos una de las obras cumbre del terror psicológico de principios de los noventa. La pieza maestra que otorga a Misery su fuerza es la perturbadora dicotomía del personaje interpretado por Kathy Bates (que se llevó el Oscar a la mejor actriz por el papel). Al principio, ella se nos presenta como una mujer dulce e inocente, alguien de quién te puedes confiar. Sin embargo, en cuanto te has decidido a ponerte del lado de ella, el personaje estalla con una furia impensable, convirtiendo el resto de la película en un torbellino de tortura física y psicológica sin igual.

2. Carrie (1976). Estamos ante la primera novela escrita por King y una de las primeras en adaptarse a la gran pantalla. Han pasado treinta y cinco años del estreno de este clásico moderno del terror y todavía sigue conservando su fuerza perturbadora. La clave de este efecto tan duradero se encuentra seguramente en el hecho de que, más que en sus efectos o giros sorprendentes, la película dedica la mayor parte del metraje a situarnos en la piel de Carrie, una chica azotada por las burlas de sus compañeras y, sobre todo, por el fanatismo religioso de su despótica madre (una Piper Laurie absolutamente terrorífica). Al final, cuando Carrie (una estupenda Sissy Spacek) decide emprender la venganza, nos tiene totalmente de su lado y la violencia desatada adquiere la forma de un climax tan liberador como asfixiante.

1. El resplandor (1980). Stephen King y Stanley Kubrick, una dupla que forma parte del infierno del terror. Con el tiempo, El resplandor ha sido reconocida de forma casi unánime en una de las joyas del género, una película que demostró al mundo entero que el terror no era una sólo una cuestión de monstruos y de aparatosos maquillajes, sino que había un torbellino de psicología con la que jugar y atormentar al espectador. Además, tenemos toda la historia secreta del filme: el duro enfrentamiento entre Shelley Dubal y Kubrick, el perfeccionismo enfermizo del director de 2001: Una odisea del espacio (que llegó a rodar más de 100 tomas de algunos de los planos), el choque entre King y Kubrick por la elección del protagonista (King quería a Jon Voight, mientras Kubrick se terminó saliendo con la suya y contratando a Jack Nicholson). Historia en mayúsculas del séptimo arte, cumbre definitiva de las adaptaciones a la gran pantalla del universo de Stephen King.

En este mismo blog, hemos podido comprobar en más de una ocasión que Hollywood funciona como una gran familia, una amplia y tupida red de contactos y relaciones que dan lugar a la fábrica de sueños que es la meca del cine. En este gran clan, abundan las alianzas artísticas y los equipos de negocios; sin embargo, como en todas partes, los lazos de sangre son los más intensos e inquebrantables. No descubrimos nada nuevo si afirmamos que el mundillo de Hollywood está plagado de sagas familiares que continúan perpetuando su reinada de generación en generación. Una demostración de este poder acontece cada cierto tiempo en el mayor escaparate de la industria: los Oscar. Como demostración, os presentamos las nueve familias más oscarizadas de Hollywood.

9. La familia Fonda. Empezamos fuerte con uno de los clanes con más peso, carisma y leyenda de Hollywood. Papa Henry, una de las caras más reconocibles de la época dorada del cine norteamericano, recibió una nominación por su emblemático papel de Tom Joad en Las uvas de la ira (1940), la adaptación de John Ford de la novela de John Steinbeck, y más tarde se alzó con el ansiado galardón gracias al filme En el estanque dorado (1981), un premio con sabor a Oscar honorífico. Más tarde, la hijísima de Henry, Jane Fonda, heredó la buena estrella de cara al Oscar y se lo llevó a casa en dos ocasiones: en 1971, por Klute, y en 1978, por El regreso. Y finalmente, aunque nunca lo ha ganado, Peter Fonda, hermano de Jane, ha estado nominado en dos ocasiones, por su papel en El oro de Ulises (1997) y por el guión de Easy Rider. Buscando mi destino (1969).

8. Los Houston. En este caso, el idilio de la familia Houston con el Oscar se extiende a lo largo de tres generaciones. Primero se lo llevó el abuelo Walter por su papel como secundario en El tesoro de Sierra Madre (1948); aunque ese mismo año sería su hijo, John, el que acapararía toda la atención gracias a los 2 Oscars (al mejor guión y director) que lograría justamente por la misma película. Treinta y ocho años más tarde, sería la hija de John, Angelica Houston la que se llevaría el gato al agua por su trabajo en El honor de los Prizzi, dirigida justamente por su padre. Negocios de familia.

7. Los Minnelli. Aquí, la senda de victorias va más allá de los lazos sanguíneos y se extiende a lo político. Y es que los dos miembros del matrimonio formado por Vincente Minelly y Judy Garland saborearon las mieles del Oscar. Vincente por la dirección de Gigi (1958) y Judy por su papel en El mago de Oz (1939), que le valió un premio especial a la mejor interpretación juvenil del año. Años más tarde, la hija del matrimonio, la ilustre Liza Minelli ganaría el premio de la Academia en 1973 por su papel protagonista en la memorable Cabaret.

6. Los Newman. Nos vamos ahora con la familia de músicos más laureada de Hollywood. Todo empezó con Alfred, el patriarca de la familia, que se llevó a casa hasta 9 estatuillas (por filmes como El rey y yo, La colina del adiós, Siempre en tus brazos o Camelot). Le seguiría en la senda del triunfo su hermano Lionel, que triunfó con la partitura de Hello, Dolly (1969). Los aires de victoria serían heredados por el sobrino Randy, ganador en dos ocasiones por sus canciones para Monstruos S. A. (2001) y Toy Story 3 (2010), aunque nominado en en ¡20 ocasiones! La faena casi la ha rematado el último genio de la familia, Thomas Newman, que ha estado nominado en 8 ocasiones. Ese Oscar no tardará en llegar.

5. Los Coen. Aquí la cosa va de hermanos. Y es que Ethan y Joel han sido nominados al Oscar la friolera de ¡trece veces! (si contamos las dos que lo hicieron bajo el pseudónimo de Roderick James). De estas trece, han salido victoriosos en cuatro ocasiones: dos veces por sus guiones (el original de Fargo y el adaptado de No es país para viejos), una vez como directores y otra como productores (en ambos casos por No es país para viejos). Pero la cosa no termina ahí. Como en el caso del clan Minelly, la buena suerte con el Oscar se extiende con el matrionio: la mujer de Joel, Frances McDormant, se llevó el Oscar a la mejor actriz por su papel protagonista en Fargo.

4. Los Voight. Puede que en este caso los números no sean tan abultados, pero estamos hablando de victorias sonadísimas. Primero la de John Voight por su papel en El regreso (1978), aunque en realidad todo el mundo recuerda su extraordinario trabajo en Cowboy de ciudad (1969), por la que sólo fue nominado. Veintidós años más tarde, la hijísima de Voight, Angelina Jolie, heredaría la suerte de su padre por su papel como secundaria en Inocencia interrumpida (1999). Un dúo explosivo.

3. Los Coppola. Una familia que no requiere de presentaciones, con tres premiados en categorías diversas. Primero, el abuelo Carmine, que consiguió su Oscar como compositor de la banda sonora de El padrino 2 (1974). Después, el pez gordo del clan, Francis Ford, que se llevó tres galardones como guionista, por Patton (1970), El padrino (1972) y El padrino 2 (1974), y las estatuillas de mejor director y película por El padrino 2 (1974). La cosa se remató en 2003, cuando Sophia, la hija de Francis, se llevó el premio al mejor guión original por Lost in Translation. Una jugada redonda.

2. Los Douglas. El legendario Kirk Douglas consiguió tres nominaciones a la mejor interpretación por sus trabajos en El ídolo de barro (1949), Cautivos del mal (1952) y El loco del pelo rojo (1956). Lamentablemente, Kirk no consiguió ningún Oscar competitivo, aunque sí se le entregó un Oscar especial en 1996 por sus “50 años como una fuerza moral y creativa en el seno de la comunidad cinematográfica”. El hijo de Kirk, Michael Douglas, es un doble ganador del Oscar, primero como productor, por Alguien voló sobre el nido del cuco, en 1975, y más tarde, en 1987, como actor protagonista por Wall Street.

1. Los Shearer. Volvemos a los números sonados. Douglas Shearer fue nominado en 21 ocasiones por su trabajo en el área de efectos visuales y de sonido. Se alzó con el premio en siete ocasiones. Por su parte, la hermana de Douglas, la actriz Norma Shearer fue nominada seis veces (por películas como Maria Antonieta o Romeo y Julieta), aunque su único Oscar lo logró por su papel en La divorciada (1930).

Siguiendo esa ley universal que apunta que “menos es más”, a algún modisto iluminado se le ocurrió en su día recortar unos cuantos centímetros la falda que tenía en mente. Lo que empezó como un pequeño detalle irreverente se convirtió en una tendencia imparable y de esta manera surgió la minifalda, esa pieza que vuelve locos a los hombres de todo el mundo, sean adolescentes, jóvenes o adultos. La minifalda, y sus efectos sobre el universo hormonal masculino, son algo universal, un alimento esencial de los instintos básicos del personal. Para homenajear esta pieza ineludible del vestuario femenino, presentamos seis grandes ejemplos de su uso en la gran pantalla. ¿Cuál es vuestra favorita?

6. Las chicas del Roller Derbi. Aunque en nuestro país este deporte no se practica, en Estados Unidos existe una larga tradición de grupos de chicas que se reúnen en ligas amateurs y se dedican a darse trompazos mientras intentan ganar una carrera sobre patines. Todo ello, dentro de un circuito ovalado en el que las chicas aparecen ligeritas de ropa, normalmente enfundadas en unas espectaculares minifaldas, acompañadas de las protecciones de rigor en codos, rodillas y cabeza. Este deporte tuvo su ejemplar escaparate en la magnífica Whip It (distribuida en nuestro país en DVD bajo el título de Roller Girls), dirigida por Drew Barrymore y protagonizada por la joven Ellen Paige y las atractivas Kristen Wiig y Juliette Lewis.

5. La asesina. Japón es el centro mundial de la adulación por las “schoolgirls”. Nos referimos al arquetipo de la colegiala ingenua y super-sexy inmortalizado en infinidad de cómics Manga. Este icono femenino ha traspasado fronteras y tuvo su momento de gloria definitivo de manos de un orientalista de pro: el bueno de Quentin Tarantino. En su obra magna, Kill Bill, Tarantino decidió que uno de los miembros del escuadrón asesino de Bill fuera la cruel e insaciable Gogo Yubari (Chiaki Kuriyama), protagonista de una de las peleas más memorables del filme. Vestida con el clásico traje de colegiala japonesa, Yubari hacía frente a La Novia con un arma temible: una cadena de acero con una temible bola en su extremo.

4. La guerrera. Una de las gracias del que observa una mini-falda es intentar cazar un momento de despiste en el que ver más allá, entrar en territorio prohibido. Las posibilidades de este juego seudo-erótico se vuelven infinitas si nos plantamos ante una película como Sucker Punch, en la que Zack Snyder lleva el concepto de la colegiala a nuevos niveles de minimalismo. Todo ello se materializa en el personaje de Baby Doll (al que da vida Emily Browning) una chica de armas tomar capaz de manejar con maestría cualquier tipo de arma, se una espada, un revolver o un látigo. Peligrosa como pocas y más sexy que ninguna otra. Así es Baby Doll.

3. La punki. Rachael Leigh Cook se ganó nuestro corazón en series como El club de las niñeras o Dawson crece. De hecho, al principio de su carrera, Rachael apostó por dar una imagen de chica mona y recatada que parecía venirle como anillo al dedo. Sin embargo, a medida que la chica se convertía en mujer, la cosa fue cambiando hasta la llegada de la memorable 11:14. Y decimos memorable no porque la película fuese un bombazo del cine de terror, sino por las espectaculares apariciones de Leigh Cook en pantalla, enfundada en una soberbia y cortísima mini-falda. En la película, Rachael interpreta a la indefensa Cheri, protagonista de lagunas de las escenas más sensuales del cine reciente, incluso cuando no se la ve desnuda en ningún momento.

2. La stripper. En este caso, no estamos estrictamente ante una minifalda, pero la ocasión merece que seamos flexibles. Y es que estamos hablando de una de las mujeres más sensuales del cine moderno: Mia Kirshner. Una actriz que nos llevó al paraíso del erotismo más sugerente en Exótica, la estupenda película que rodó Atom Egoyan en 1994. Allí, Kirshner interpretaba a una enigmática stripper de apariencia frágil pero de un atractivo infinito. Enfundada en una falda de ancho vuelo, la actriz se dedicaba a mover las caderas y a levantar impudorosamente la falda, dejándonos echar una mirada al séptimo cielo antes de dar por terminado el show y devolvernos a la tierra.

1. La profesora sexy. He aquí otra figura icónica que se ha adueñado del imaginario erótico masculino. La profesora sexy, enfundada en una cortísima minifalda y un escote de vértigo, se ha convertido en una imagen habitual en la cultura popular. Por ejemplo, la podemos contemplar, en todo su esplendor, en esa discreta, pero disfrutable, comedia titulada Al diablo con el diablo, en la que una super-hot Elizabeth Hurley se paseaba por la pantalla metida en un amplio repertorio de modelitos sexys. Estaba la cheerleader, la chacha francesita, el ángel sexy y, como no, el diablo. Aunque nuestro vestuario favorito es el de la maestra sexy, un traje que nos permite hacer volar nuestra imaginación hacia muy variados escenarios eróticos.

Llega a las pantallas de todo el mundo Piratas del Caribe: En mareas misteriosas, la cuarta entrega de la saga que ha vuelto a poner de moda la figura del pirata. Pero, ¿qué tendrán estos forajidos de la alta mar que nos fascinan tanto? ¿Será su rebeldía inquebrantable, su valor inconmensurable, o quizás su palpable romanticismo? Y es que el pirata no suele tener patria ni bandera. Su tierra es el mar y su razón de ser, la aventura sin fin. Por todo esto, queremos honorar su figura dedicándole este ranking en el que rastreamos en la historia del cine para encontrar a los diez piratas más memorables y carismáticos de la gran pantalla. ¿Cuál es vuestro favorito?

10. Mi amigo el fantasma (1968). Aunque ya han pasado más de cuatro décadas desde su estreno, esta película para toda la familia sigue despertando una sonrisa en multitud de jóvenes y adultos. En el filme, el gran Peter Ustinov interpreta al fantasma de Barbanegra, que intenta ayudar a Dean Jones y a un buen grupo de abuelitas a salvar un Restaurante/Hotel temático de las garras de unos malvados especuladores. Como ya os imaginaréis la temática del garito está orientada hacia el universo pirata.

9. Cuestión de pelotas (2004). Sí, lo sabemos, hacemos trampa, ya que el Steve de esta comedia protagonizada por Vince Vaughn y Ben Stiller no es un verdadero pirata, sino un pirado empecinado en creerse un valiente corsario. En cualquier caso, la película es una de las obras mayores de la Nueva Comedia Americana y merece estar en la lista, aunque sólo sea por el gran empeño que pone el actor Alan Tudyk (el Wash de la serie Firefly) en dar credibilidad al loco de Steve.

8. Abbott and Costello Meet Captain Kidd (1952). En el año 1945, Charles Laughton dio vida a uno de los primeros grandes piratas de la gran pantalla en el clásico de aventuras El capitán Kidd. Siete años más tarde, los cachondos Abbot y Costello, dos mitos del humor americano, decidieron mofarse con mucha gracia del mítico capitán, e incluso invitaron a Laughton a sumarse a la bromita. Sorprendentemente, Laughton aceptó y retomó su papel en esta parodia del cine de piratas. 

7. Peter Pan (1953). Sería imposible navegar por el universo de los piratas sin cruzarse con la sombra alargada del más temible, y al mismo tiempo entrañable, de los bucaneros. Hablamos, claro está, del Capitán Garfio de la fábula de Peter Pan, al que la factoría Disney dio forma animada en el clásico de 1953. La nariz prominente, la larga melena negra, sus hábiles movimientos y su odio visceral hacia la figura de Peter forman parte del panteón de mitos del cine infantil.

6. El planeta del tesoro (2002). Los expertos en el cine de animación suelen referirse a esta película como la que marcó el final definitivo de la animación tradicional en el contexto de la factoría Disney. Este hecho provocó un cierto aire de animadversión hacia el filme en el momento de su estreno. Sin embargo, nosotros lo reivindicamos como una de las versiones más fieles que se han realizado del clásico La isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson… teniendo en cuenta que la acción transcurre en el espacio. Cosas de Disney.

5. La princesa prometida (1987). Vamos ahora con una opción de consenso. ¿Quién no se lo ha pasado pipa con esta romántica aproximación ochentera al género de aventuras? Además, Cary Elwes nunca estuvo mejor que como el intrépido y encantador Westley, seguramente el pirata más cool en habitar la gran pantalla… hasta la llegada del Capitán Sparrow. 

4. The Phantom: El héroe enmascarado (1996). Otro caso controvertido, sobre todo si tenemos en cuenta que algunos amantes del cine de aventuras consideran esta película como la peor de todos los tiempos. Nada de eso. Esta adaptación del mítico personaje del cómic tiene las mismas dosis de acción, suspense y aventura que cualquiera de las películas de Indiana Jones, excepto En busca del arca perdida. ¡Ah, y los piratas son los miembros de la hermandad Singh!

3. La isla del tesoro (1950). Por algo llamamos clásicos a los clásicos. Esta cinta de aventuras protagonizada por Robert Newton forjó a fuego la figura del pirata carismático, aguerrido, experimentado y valeroso hasta decir basta. Un referente ineludible para todos los piratas que vinieron después.

2. El capitán Blood (1935). Si hay un actor que nació para dar vida a un intrépido pirata, es fue, seguramente, Errol Flynn. Puede que, hoy en día, muchos le recuerden como el primer Robin Hood o como el General Custer de Murieron con las botas puestas; sin embargo, para nosotros, Flynn siempre será el apuesto, descarado y atlético Peter Blood. En plena juventud, con su encanto natural intacto y un físico pletórico, Flynn dio la estocada definitiva para llevar a esta película de Michael Curtiz al altar de los clásicos de aventuras.

1. La saga de Piratas del Caribe. Y del más grande de los clásicos al más moderno de los piratas: el Capitán Sparrow creado por Johnny Depp. La verdad es que todavía cuesta creer que un antihéroe amanerado y excéntrico como Sparrow haya calado tan hondo en el público. Gran parte de este logro hay que asignárselo a Depp, que con su desparpajo y su controlado histrionismo ha conseguido dar vida y sentimiento a una criatura que, en manos de otro, se podría haber quedado en la más ridícula de las caricaturas. ¡Larga vida a Sparrow, larga vida a Depp!

La gente de la página web UGO nos plantea una simple pregunta: “¿existe algo más erótico que la imagen de una mujer sexy al volante de un poderoso bólido de cuatro ruedas?”. Y la respuesta es igual de sencilla: “Sí, la figura de una mujer super-sexy supervisando la mecánica de ese mismo bólido”. ¿Cómo lo veis? ¿Estáis de acuerdo? ¿Es la figura de la “mecánica” la cumbre definitiva de la sensualidad? Para comprobar la eficacia de dicha teoría, os presentamos a continuación, de la mano de los chicos de UGO, una lista con las mecánicas más sexys que han paseado sus curvas por la gran pantalla. ¿Cuál es vuestra favorita?

8. Jet Girl (Naomi Watts en la película Tank Girl). A mitad de las década de los noventa, cuando las adaptaciones del cómic todavía no abarrotaban las carteleras de todo el mundo, la directora Rachel Talalay decidió llevar a la gran pantalla el universo de Tank Girl, un himno a las chicas duras ambientado en una Australia post-apocalíptica. La protagonista de la tira cómica, y del film, era Tank Girl (a la que dio vida la huesuda Lori Petty). Lo que muchos cinéfilos no recuerdan es que en dicha película aparecía una jovencísima Naomi Watts, en el papel de la guerrera y sexy Jet Girl, una chica capaz de arreglar cualquier máquina motorizada en un abrir y cerrar de ojos.

7. Tammy (Fergie en Planet Terror). La aparición de Fergie, la cantante de Black Eyed Pies, en el episodio que dirigió Robert Rodríguez para el díptico Grindhouse fue tan breve como intensa. Este mito erótico de nuestro tiempo apareció en el filme como Tammy, una amante de las cuatro ruedas con conocimientos de mecánica que se lanza a la carretera en busca de su compañera Dakota (a la que da vida la también muy sexy Marley Shelton). La aparición de Fergie nos dejó para el recuerdo varias instantáneas de su inolvidable escote, justo antes de ser abatida por unos inclementes zombies.

6. Cally Henderson (Nicki Clyne en Battlestar Galactica). De partida, cabe advertir que el personaje de Cally Henderson es conocido por su aparición en la serie de TV de Battlestar Galactica. Sin embargo, la versión fílmica que se proyectó en cines en 2009 nos permite incluir a la encantadora y modosita Cally en nuestra lista de mecánicas de vértigo. En este caso, Cally se ocupa de las tareas de mantenimiento de la flota aérea de Galáctica. La chica está casada con su jefe, Tyrol, envidiado a muerte por todos los seguidores de la serie. 

5. Nancy Callahan (Jessica Alba en Sin City). Sí, ya sabemos. Muchos nos acusaréis de utilizar cualquier excusa para meter en nuestros posts la imagen mega-sensual de Jessica Alba, más aún si se trata de su personaje de stripper de Sin City. Sin embargo, en este caso, debemos defendernos de tal acusación ciñéndonos a la realidad. Nancy no sólo es una auténtica reina de la barra americana, sino que encima sabe cómo domar un bólido de cuatro ruedas. Lo defiende ella misma cuando se refiere a su coche de la siguiente manera: “nadie puede hacer correr este cacharro como yo lo hago”.

4. Kaylee Frye (Jewel Staite en Serenity). De nuevo volvemos a situarnos en el límite entre el cine y la TV. En este caso nos remitimos a Serenity, la versión cinematográfica de la serie de culto Firefly, creada por el mítico Joss Whedon (creador de Buffy, la cazavampiros). Para comprender el talento y la belleza de Kaylee (además de atender al testimonio fotográfico), nada mejor que escuchar las palabras inmortales del Dr. Simon Tam: “Sólo he dicho que eres guapa. Incluso cuando estas cubierta de… grasa del motor… Bueno, en realidad, diría que cuando estás cubierta de la grasa de motor te ves más guapa que nunca”. Amen.

3. Michelle Rodriguez. Ni nombre de personaje, ni película, aquí debemos quedarnos con la actriz y punto. Y es que ninguna otra fémina de Hollywood ha sabido capturar la sensual dureza que acompaña al mito de “la mecánica”.  Sea en alguna de sus apariciones en la saga de Fast and the Furious, en Avatar o en la reciente Invasión a la Tierra, los agentes de casting de la meca del cine parecen encantados con la ya clásica imagen de Rodríguez con cara de pocos amigos y cubierta por una delicada y magnética capa de grasa de motor. La chica parece haber nacido para esto.

2. Natalie Cook (Cameron Diaz en Los ángeles de Charlie). En la desbocada y sublime segunda parte de una de las sagas más surrealistas del Hollywood reciente, las nuevas ángeles de Charlie se suben a unas motos de cross y se dedican a dar unos tumbos imposibles por un circuito de tierra. Poco antes, o después (me resulta imposible poner en orden los recuerdos de esta marcianaza pop), Cameron Diaz, en la piel de Natalie, se enfrenta al villano de la película montada a los mandos de un coche de Fórmula 1, o Fórmula Cart, como la llaman los americanos. Sea como sea, para conducir de esa manera, damos por descontado que Diaz/Natalie tiene que tener unas buenas nociones de mecánica. Sí señor.

1. Mikaela Banes (Megan Fox en Transformers). Con una foto como la que tenéis al lado, tenemos serias dudas de que estéis leyendo este texto. Y es que la verdad es que las palabras sobran cuando se está ante un monumento de esta envergadura. Con el casting de Megan Fox para las dos primeras entregas de la saga Transformers, Michael Bay parió uno de los grandes mitos sexuales de nuestro tiempo, aquel que llegó para apoderarse, al menos durante un tiempo, del legado de Angelina Jolie. Todos a una: ¡Megan, Megan, Megan!

Todo buen fan del cine de Woody Allen conoce a la perfección las obsesiones del cineasta de Nueva York: el sexo, la religión, los dilemas morales, la isla de Manhattan... y las mujeres. Esta fascinación por el universo femenino ha desembocado en una serie de intensas y duraderas colaboraciones con actrices que, en algunas ocasiones, han terminado convertidas en auténticas musas del director. La última actriz en sumarse a la larga lista de “chicas-Allen” es la mismísima primera dama francesa, la cantante y actriz Carla Bruni, esposa del presidente Nicolas Sarkozy. En el último filme de Allen, titulado Midnight in Paris, Bruni interpreta a una guía de museo. Poco más se sabe de esta colaboración que se ha visto rodeada de múltiples rumores. Se llegó a comentar que Allen había decidido sustituir a Bruni por la actriz Léa Seydoux, después de problemas con algunas escenas; sin embargo, tanto Allen como Seydoux desmintieron tal supuesto. Inspirados por esta colaboración, hemos decidido hacer un repaso a las actrices más memorables del universo Allen. ¿Cuál es vuestra favorita?

Diane Keaton. Para muchos, Keaton representa la quintaesencia del ideal femenino de Allen. De hecho, la propia Diane llegó a declarar que Annie Hall era “una versión idealizada de mí misma”. Y cabe apuntar que Hall es el apellido real de Keaton, un detalle nada menor. Director y actriz, que fueron pareja durante un largo periodo de tiempo, colaboraron en películas como El dormilón, Manhattan o Sueños de un seductor, aunque Annie Hall ha quedado como la joya de la corona del tándem. Con su inteligencia, sofisticación y neurosis, Annie se convirtió en un icono inmortal. Años más tarde, tras la escandalosa ruptura de Allen con Mia Farrow, Keaton socorrió a su viejo amigo y aceptó aparecer en Misterioso asesinato en Manhattan. Fue la primera vez que interpretaron a un matrimonio.

Louise Lasser. Famosa por su aparición en el culebrón paródico Mary Hartman, Mary Hartman, Lasser estuvo casada con Allen en los años sesenta y trabajó con él en sus primeras comedias: Toma el dinero y corre, Bananas o Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo. Cuando Alvy Singer, el personaje de Woody Allen en Annie Hall, se encuentra con su primera esposa, le espeta: “Tú, tú, tú eres como Nueva Yok: judía, de izquierdas, liberal, intelectual...”. Muchos interpretan este comentario como una referencia a Lasser.  

Mia Farrow. Lamentablemente, la relación entre Allen y Farrow ha quedado marcada a fuego por el escándalo público que acompañó a su divorcio y a la batalla por la custodia de sus hijos. Un triste borrón en una larga colaboración que tuvo puntos álgidos como las magistrales Hannah y sus hermanas, en la que Farrow dio vida a la frágil esposa de Michael Caine, o Delitos y faltas. También cabe recordar películas como La rosa púrpura del Cairo, Septiembre, Alice o Maridos y mujeres, donde se hacía referencia al personaje de Farrow con el calificativo de mujer “pasiva-agresiva”, una buena definición del tipo de fémina que Farrow encarnó en las películas de Allen.

Naomi Watts. Allen y Watts nunca han coincidido en la pantalla, pero su breve colaboración en la reciente Encontrarás al hombre de tus sueños fue destacada por muchos como lo mejor del filme. En la película, Watts interpreta a una esposa insatisfecha que debe lidiar con la inseguridad y neurosis de su marido, encarnado por Josh Brolin, un verdadero alter ego del director.

Scarlett Johansson. Llegamos ahora a la última gran musa de Allen. En los últimos años, el director de Zelig se ha visto exiliado artísticamente de su país, aunque en sus viajes al viejo continente ha mantenido un contacto directo con América gracias a la figura de Johansson. Primero, Scarlett fue para Woody la joven y ambiciosa americana perdida entre el férreo entramado social británico en Match Point. Más tarde, en Scoop, la colaboración entre ambos, confirmada en pantalla, adquirió un aire más alocado y cómico. Y finalmente, Johansson repitió como americana perdida por Europa en Vicky Cristina Barcelona. Director y actriz no se han cansado de expresar su admiración mutua y no se puede descartar que vuelvan a colaborar en el futuro.

Dianne Wiest. Y para terminar, la más grande de las secundarias que han dado color al mundo de Allen. En este sentido, no es de extrañar que Wiest se llevara dos Oscars como Mejor Actriz Secundaria por sendas colaboraciones con Woody, en Balas sobre Broadway, donde encarnó a una vieja diva de los escenarios teatrales de Nueva York, y en Hannah y sus hermanas, donde dio vida a la inestable y caótica Holly. También la pudimos ver en La rosa púrpura del Cairo, Septiembre y Días de radio. Su dulce y expansiva sonrisa es una de las joyas más resplandecientes del cine de Allen.

Tracey Ullman. Aunque uno de los fuertes de Allen es su talento para la comedia, cabe advertir que sus musas rara vez han sido conocidas por su potencial cómico. La más sonada de las excepciones la encontramos en la figura de la humorista Tracy Ullman. No es de extrañar que Ullman haya aparecido en dos de las comedias más exaltadas de Allen. Primero, en la elegante y memorable Balas sobre Broadway y luego en la delirante aunque menos conseguida Granujas de medio pelo.

El estreno en nuestras pantallas del thriller Sin identidad, protagonizado por un Liam Neeson perdido en el laberinto de su maltrecha memoria, nos ofrece la excusa perfecta para hablar de un tema que nos apasiona: la amnesia en el cine. Echando la vista atrás, es fácil darse cuenta de que los problemas de memoria han cautivado la imaginación de un sinfín de guionistas y directores. Todos recordamos películas en las que el héroe, en un momento de crisis, se pregunta “¿quién soy?”. Un dilema existencial que ha dado lugar a un amplio abanico de variaciones narrativas, que van de la ciencia ficción a la comedia, del drama familiar al cine negro más inquietante. Como muestra de ello, os presentamos, de la mano del website Stars and Popcorn, un ranking con diez grandes películas protagonizadas por amnésicos de cine.

10. Resacón en las Vegas (2009). Cuando escuchamos hablar de la palabra amnesia, solemos poner el grito en el cielo: nos imaginamos a una persona que ha perdido toda noción de su propia identidad. Sin embargo, la amnesia, en un grado menor, puede manifestarse en todo aquel que se le ocurra pasarse con la bebida durante una noche de fiesta loca. De hecho, eso es lo que les sucede a los protagonistas de esta descacharrante comedia dirigida por Todd Phillips. Como en toda buena comedia, aquí la realidad se deforma dando lugar al esperpento. ¿Cómo ha llegado ese tigre a nuestro lavabo? ¿Por qué debo lidiar con el loco de Mike Tyson? Preguntas que alarmarían a cualquiera.

9. Buscando a Susan desesperadamente (1985). En el momento del estreno de esta mítica película de Susan Seidelman, muchas amas de casa americanas, sumergidas en el más absoluto aburrimiento, soñaron con sufrir amnesia, escapar de la monotonía de su vida cotidiana y ser confundidas con Madonna (justamente lo que le ocurría a Rossana Arquette en el filme). No tenemos claro si, hoy en día, lo de ser confundida con Madonna es el dueño de alguien. En cualquier caso, hoy como ayer, dicha confusión conllevaría más de un problemilla.

8. A propósito de Henry (1991). En un momento en el que muchos pensaban que el bueno de Harrison Ford sólo servía para encarnar a héroes descarados como Indiana Jones o Han Solo, llegó este drama y puso las cosas en su sitio. La película tiene como protagonista al Henry del título, un hombre que ha perdido toda su memoria y debe empezar de cero. El problema es que, a medida que se va reencontrando consigo mismo, Henry se da cuenta de que detesta a su antiguo yo. La peli cae en algún exceso lacrimógeno, pero el trabajo actoral de Ford bien merece su visionado.

7. El rey pescador (1991). Robin Williams y Jeff Bridges protagonizan este extraño filme cargado de dramatismo, fantasía y una curiosa épica intimista. Williams interpreta a un hombre que ha perdido la cabeza: arrastrado por el trauma del asesinato de su mujer, ha bloqueado todos los recuerdos de su vida anterior al trágico acontecimiento. Por su parte, Bridges se siente responsable de la fatídica muerte e intenta recomponer la vida de Williams, que vive como un vagabundo amenazado por perturbadoras alucinaciones. Un toque fantástico muy del gusto de Terry Gilliam (Brazil, Doce monos), el director de la cinta.

6. Desafío total (1990). Basada en una novela de Phillip K. Dick, esta película dirigida por el gran Paul Verhoeven (Robocop, Starship Troopers) nos sitúa en un escenario futurista realmente perturbador. Imaginad que contratáis unas vacaciones virtuales al planeta Marte. Sin embargo, el viaje alucinógeno falla y despierta en vuestra mente los recuerdos de una vida anterior, en la que erais un agente secreto. Entonces, es hora de volver al planeta rojo y poner las cosas en su sitio, como hace Arnold Schwarzenegger en la que es probablemente la mejor película de su carrera.

5. El corazón del ángel (1987). En la época en la que Mickey Rourke todavía era considerado un sex symbol, el prometedor actor decidió protagonizar, junto a Robert de Niro, una extrañísima película en la que una trama criminal se perdía entre fuerzas sobrenaturales: mucha magia negra y vudú, ingredientes habituales en las películas ambientadas en Nueva Orleans. Al final, mientras se suceden las muertes, la pérdida de memoria jugará un papel fundamental a la hora de resolver los misterios del filme.

4. Un mar de líos (1987). Goldie Hawn y Kurt Russell protagonizaron esta película que puso una sonrisa en el rostro de toda una generación y que, además, demostró que en algunas ocasiones no hay nada mejor que un involuntario golpe en la cabeza para solucionar las cosas. En este caso concreto, Hawn aprendió que el dinero no lo era todo, mientras Russell aprendió que el secuestro tampoco lo era todo. La película tiene un planteamiento y desarrollo absolutamente inverosímil, pero la química cómica de Hawn y Russell no tiene desperdicio.

3. Dark City (1998). Un hombre despierta en un baño y descubre que no recuerda nada y que se haya perseguido por un grupo de hombres con poderes psicoquinéticos. Un película realmente extraña, pero también absolutamente fascinante. Una demostración de que el clásico patrón narrativo del hombre perdido en el laberinto de su memoria puede dar mucho de sí.

2. La trilogía de Bourne. ¿Hay algo más difícil, en el contexto del cine contemporáneo, que tener que elegir entre una de las películas de la saga de Bourne? Este agente secreto de armas tomar es nuestro favorito en muchas facetas y la falta de memoria no es una excepción. Debe ser acojonante no tener ni idea de quién eres, pero la cosa debe ser menos complicada cuando se demuestra que eres un jefazo con madera de héroe. Puede ser que en materia existencial y sentimental, Bourne sea un hombre atormentado, pero cuando se trata de repartir estopa, él es el número uno.

1. Memento (2000). No podía se otra. Este indiscutible clásico moderno dirigido por Christopher Nolan (El caballero oscuro, Origen) se corona como la más retorcida y apasionante investigación sobre los problemas de memoria. El protagonista (Guy Pierce) es un hombre incapaz de generar nuevos recuerdos y, en un golpe narrativo maestro, la película está contada al revés, de atrás para adelante. Así que arrancamos en la resolución y debemos ir poco a poco averiguando las causas de las consecuencias. A todo esto, el personaje de Pierce intenta resolver el asesinato de su esposa. Una película sobre la amnesia que resulta imposible de olvidar.

Una de las promesas del nuevo Hollywood, Alex Pettyfer, conocido en nuestro país por protagonizar Soy el número 4, estrena en Estados Unidos su nuevo trabajo, Beastley, la historia de una adolescente de 17 años que, repentinamente, cambia su actitud infantil al vivir su primer romance. La historia está basada en la novela fantástica de Alex Flinn, una versión moderna de "La Bella y la Bestia", que transcurre en Nueva York.  La chica lanza una maldición sobre un egocéntrico y apuesto joven, al que encarna Pettyfer, transformándolo físicamente en todo lo que desprecia.

El personaje de Pettyfer, a pesar de todo, vive un romance con la atractiva Vanessa Hudgens, y esto nos hace recordar que el cine ha emparejado en pantalla a parejas realmente curiosas, por no decir directamente raras, inverosímiles y muy frikis. Gracias a la web Totalfilm os ofrecemos una lista de los romances más raritos del celuloide.

1. Lars y una chica de verdad (2007). Relaciones raras donde las haya. Lars es un chico tímido y solitario al que le falta su alma gemela, hasta que conoce a Bianca, de la que se enamora locamente. Hasta aquí todo normal. Ah, quizá deberíamos mencionar que Bianca es una muñeca hinchable. Ahora, la cosa cambia, ¿no? Afortunadamente para él, Lars decide pasar más tiempo con una chica de verdad, con el cuerpo de Kelli Garner.

2. Pretty Woman (1990). La vieja historia de amor de 'hombre encuentra a prostituta' donde los personajes de Richard Gere y Julia Roberts descubren un amor que trasciende el status social t, eventualmente, la transacción financiera. ¿Qué es lo raro de todo esto? Él no es sólo un hombre que paga por sexo, sino que además su idea de romance es aprovecharse de alguien menos favorecido que él, y transformarla hasta que encaja a la perfección en su ideal de mujer.

3. Crepúsculo (2008). Más que un romance, la película parece que es una competición para ver quién se queda con la chica. De todos modos, la relación entre Edward y Bella es el motor que mueve toda la saga. Lo raro aquí: ella tiene 17 años; él, 108 y es un vampiro. Lo peor es que la otra opción es un hombre lobo.

4. Avatar (2009). El humano Jake y la Na'avi Neytiri se enamoran cuando el ejército de la Tierra invade el planeta Na'avi para aprovecharse de sus recursos naturales. No es el más prometedor de los inicios para una relación, ¿no? Jake acepta hasta cambiar de especie con tal de que las cosas funcionen. La mayoría no cambiaría ni su corte de pelo, pero a pesar de ese esfuerzo, sigue siendo na relación bastante extraña e inverosímil.

5. Ghost (1990). Sam y Molly son separados por la muerte, pero eso no impide que su historia de amor continúe. ¿No crees es fantasmas? Ellos sí. Por si esto no fuera poco, resulta que Sam todavía siente atractivo sexual por su esposa, y siendo un fantasma choca un poco, la verdad. Además, parece más un fantasma acosador que protector. Se ha acabado, Sam. Deja que viva su vida.

6. Más allá del tiempo (2009). A la preciosa Claire se le complica la vida cuando se enamora de Henry, porque resulta que Henry es un viajero en el tiempo. El caso es que él la conoce cuando es una niña, y tiene una relación entre paternal y romántica. Más adelante incluso tienen realciones sexuales cuando ella es una adolescente. Creo que con todo esto la rareza es evidente.

7. Superman (1978). Lois y Clark son compañeros de trabajo. Después de pasar horas y horas juntos, se enamoran. Sucede todos los días... Lo curioso: Clark es en realidad un extraterrestre todopoderoso, que se decide luchar contra la delincuencia a espaldas de Lois. Incluso cuando finalmente le dice la verdad, reduce al mínimo el daño ¡borrándole la memoria!

8. King Kong (2005). Ann Darrow se 'enamora' de un mono gigante, y este de ella. ¿Necesitamos aladir algo más? Además, la relación está condenada desde el principio porque sería complicado, mmm, hacer cosas. Tienen algunos momentos románticos en la isla, pero la cosa no pasó de ahí.

9. Big (1988). El niño grande que es Tom Hanks se enamora de la hermosa Elizabeth Perkins, que responde a su inocencia infantil y al amor por la vida. Cuando decimos que el personaje de Hanks es como niño grande, lo decimosliteralmente. Es un chico de 13 años de edad en un cuerpo de un hombre adulto, que comparte una relación sexual con una mujer de 27 años de edad. Definitivamente, hay algo enfermizo en eso.

10. Eduardo Manostijeras (1990). El pobre Eduardo por fin encuentra a alguien que le ame en la figura de la dulce Kim. Pero un detalle importante para llevar bien la relación es que Eduardo tiene... ¡tijeras en lugar de manos! Si no tienen cuidado, la noche de bodas es un potencial baño de sangre. No creemos que funcione, sinceramente.

Por supuesto, esto es solamente una lista en la que seguro que faltan muchas películas en las que las relaciones son igualmente extrañas ¿Cuál incluirías tú? ¿Qué cinta hemos olvidado que consideres que tendría que estar? ¡Danos tu opinión!