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Cuando un artista debuta en la industria de la música, sabe de antemano que es imposible gustar a todo el mundo. Partiendo de esa premisa, Pitbull hace oídos sordos a todos sus detractores y se centra en disfrutar del éxito que está viviendo, un éxito descomunal y que se explica principalmente por la energía y el optimismo que emanan sus canciones. ‘I Know You Want Me’ o ‘International Love’ son solo un par de ejemplos que explican la popularidad de este productor musical de origen cubano.

A sus 31 años, todas las grandes estrellas se pegan entre ellas para poder colaborar con él ya que cualquier aparición a su lado es sinónimo de triunfo internacional y millones de visitas en Youtube. Entre los afortunados, están por ahora Enrique Iglesias, Jennifer López, Marc Anthony, Chris Brown o la mismísima Shakira, una lista que irá creciendo con los años y dejando claro que hoy por hoy, todo lo que toca Pitbull se convierte en oro.

Es cierto que su estilo, su vestimenta y sus letras también han sido motivos de burla desde el sector más pretencioso, pero cuando estás montado en el dólar y dominas el planeta mainstream, te importa bien poco todo lo que puedan pensar los demás.

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Hacía tiempo que el mundo de la música no paría un elemento de estas dimensiones. Pitbull reúne todo lo peor imaginable: mal gusto, chulería de chiringuito, vestimenta macarra y, sobre todo, canciones espantosas, chirriantes… En definitiva, estamos probablemente ante el artista más sobrevalorado y desagradable de las últimas décadas.

Pitbull es un charlatán pero al fin y al cabo la culpa la tiene su público, esas personas capaces de caer rendidas ante un repertorio tan infame como el que nos bombardea desde hace unos años. ¿Es que la gente ha perdido la cabeza? ¿La gente ha perdido el mínimo de criterio que les quedaba?

Que una letra que repite hasta la saciedad “I Know You Want Me, You Know I Want CHU” pueda haber sido una de las canciones más populares de los últimos años dice mucho (y en malos términos) de la audiencia del nuevo siglo.

Pitbull no es más que la confirmación de la decadencia de la cultura, de la carencia de sensibilidad en una sociedad que ve la música como un mero pasatiempos a través del que ligar y emborracharse.

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Siglo XXI rima con comida basura, cultura basura, contratos basura. La música, al igual que la literatura o el cine se consume como uno se come una hamburguesa en el Mc Donald. A toda velocidad, sin tiempo para disfrutar de ella y con la mente ya puesta en el próximo producto que será devorado de forma mecánica. Afortunadamente, aún existen artistas capaces de darle algo de pausa a esta sociedad. Entre ellos, Rufus Wainwright, una excepción necesaria en medio de un tifón de estrellas efímeras que desfilan y desaparecen tras ser exprimidas por el mecanismo de la actual industria de la música. 

Rufus es calma, es elegancia, es poesía hecha música, es una sensibilidad a flor de piel que ha dado vida a canciones como ‘Out Of The Game’ o ‘Cigarettes And Chocolate Milk’. Su voz de terciopelo no se parece a ninguna otra y es un regalo caído del cielo para que los mortales que aún deseen disfrutar de la música más pura  tengan a alguien en quien depositar sus pequeñas esperanzas. Su nuevo disco ‘Out Of The Game’ (2012) publicado hace tan solo unos días demuestra que Rufus es pasado, presente y futuro. 

Gracias a personas como él y a oyentes como sus seguidores aún no está todo perdido. Rufus simboliza la resistencia de la elegancia ante el ataque masivo de los productos prefabricados y congelados de una industria cada día más artificial. 

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Al moderno de turno le debe gustar aburrirse. En vez de escuchar música divertida, música con la que bailar y olvidar los problemas como la subida del IVA, el paro o demás desgracias, el moderno prefiere fustigarse, sufrir y ahogarse en su pena. Y para castigarse, acude a pedirle ayuda a Rufus Wainwright y a sus canciones lineales, repetitivas y monótonas. ¿Quieres hundirte? ¿No quieres ser feliz? Entonces escucha a este cantautor, carne de gafapastas y carne de adictos a los antidepresivos. 

En mi opinión, la música tiene que ser un bálsamo, un antídoto a los malos tiempos y no un motivo más para cortarse las venas. Porque si darle al play es un paso más hacia la tristeza, hacia el “adiós mundo cruel”, entonces prefiero darle la espalda a la música y pasarme a la bebida. 

De hecho, tendría que estar prohibido que con la que está cayendo, artistas vengan a aburrirnos y a intentar desvalijar nuestras últimas esperanzas. Yo seguiré escuchando canciones alegres, positivas y divertidas. El día que quiera castigar a un enemigo, le regalaré la discografía completa de Rufus Wainwright. 

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Ya era hora de que España se decantara por una artista de verdad para representarnos en el Festival de Eurovisión, un festival en el que, en líneas generales, nuestro país queda muy mal retratado. Afortunadamente, Pastora Soler no es ninguna triunfita como Soraya o Beth, ni un turista salido de la nada como Daniel Diges ni un producto de marketing efímero como lo fueron Las Ketchup.

Por fin estamos ante una vocalista con experiencia, con tablas, una vocalista consagrada que lleva exhibiendo desde mediados de los 90 esas armas de seducción que intentarán enamorar a los telespectadores que el próximo 26 de mayo seguirán el transcurso de Eurovisión.

Esa balada de 3:04 minutos y compuesta por los suecos Thomas G:son, Tony Sánchez-Ohlsson y Erik Bernholm quizá no sea el estilo de canción que nos permita lograr el puesto número 1, pero que nadie dude de Pastora Soler, una vocalista que, al menos, no nos dejará en ridículo. Y eso, después de fracasos como el de Soraya, ya es una grandísima noticia.

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Rosa López, Beth, Ramón, Son de Sol, Las Ketchup, D’Nash, Rodolfo Chikilicuatre, Soraya, Daniel Diges y Lucía Pérez. Estos son los 10 últimos nombres que representaron a España en el Festival de Eurovisión, 10 nombres de los que hoy, en su inmensa mayoría, ya no se oye hablar. Desaparecidos. Casi de un día para otro. Tuvieron su momento de gloria ante los ojos de Europa pero no fue más que un mero espejismo. ¿A dónde quiero llegar con esto? A Eurovisión solo van artistas mediocres, artistas de pacotilla que, sin saberlo, hacen el ridículo durante unos minutos para finalmente despedirse de la industria de la música.

Hoy, Pastora Soler se sentirá feliz por poder cantar el próximo mes de mayo ‘Quédate Conmigo’ en nombre de España. Pero detrás de ese orgullo personal se oculta una realidad mucho más oscura: Pastora Soler está sentenciada, su participación en Eurovisión es el primer paso hacia el declive. Y con esa balada insulsa, Pastora Soler tiene altas probabilidades de fracasar en un concurso que España tan solo ganó en dos ocasiones, en 1968 y 1969, hace de ello más de cuatro décadas… Y queda claro que no será la presencia de Pastora Soler lo que nos devolverá el optimismo.

España volverá a fracasar y Pastora Soler pagará cara su presencia en Eurovisión. Tiempo al tiempo.

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La trayectoria artística de Antonio Manuel Álvarez Vélez, más conocido como Pitingo, nada tiene que ver con la de muchas celebridades de la industria de la música, celebridades prefabricadas y diseñadas desde los despachos de las grandes discográficas. La evolución de este cantaor originario de Huelva fue lenta, progresiva, humilde e incluso incierta por momentos cuando se ganaba la vida trabajando en el aeropuerto de Barajas cargando maletas mientras interpretaba algunas canciones de Manolo Caracol.

Pero gracias a su talento y a su tía adoptiva Salomé Pavón que fue quien le llevó a un bar de Madrid donde cada miércoles se reúnen payos y gitanos, un bar que ha recibido la visita de nombres de la talla de Enrique Morente, Carmen Linares o Diego Carrasco entre otros, Pitingo se adentró en el mundo de la música, un mundo del que ya no saldría y en el que triunfaría.

El gran mérito de este vocalista llegó con su espectáculo ‘Soulería’ donde osó interpretar himnos del rock internacional y llevarlos al territorio del flamenco. Porque hay que tener mucha valentía para experimentar con canciones de la talla de ‘No Woman No Cry’, ‘Yesterday’, ‘Killing Me Softly’, ‘Smells Like Teen Spirit’ o ‘Let It Be’ sin miedo a las “represalias” de la audiencia más purista.

Desde entonces Pitingo se ha ganado unos cuantos enemigos pero también muchísimos seguidores y defensores, una realidad a la que se tienen que enfrentar todos los grandes artistas que, para bien o para mal, nunca dejan indiferente a nadie.

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Fustigar a un artista nunca ha sido tan sencillo como con Pitingo. Para empezar; ¿a qué viene ese nombre? ¿De verdad que no se podía encontrar uno más patético y lamentable que sonara peor?  Pero más allá de ese detalle que nos describe al personaje al que nos enfrentamos, el objetivo de este cantaor parece claro: apoderarse de  algunos de los grandes himnos de la música para destrozarlos y mostrar al mundo entero que en España si sufrimos esta tremenda crisis económica quizá sea porque nos la merecemos.

¿En dónde se ha visto que una propuesta como la de Pitingo triunfe y llene salas de teatro? ¿En qué parte del mundo se aplaude a un vocalista que empeora las versiones originales? Pitingo es un insulto al buen gusto, un insulto a artistas de la talla de los Beatles, de Nirvana o de Bob Marley. ¿Qué pensará Paul McCartney de la versión de ‘Let It Be’? ¿Y los componentes de Nirvana de la de ‘Smells Like Teen Spirit?

Se puede decir que Pitingo tuvo valor para atreverse con canciones que marcaron la historia de la música, pero también se puede decir que Pitingo ha fracasado en el intento y que si este vocalista vende discos y llena salas es simplemente porque vivimos en un país donde reina el mal gusto y donde nombres como Bustamante, Pablo Alborán o El Canto Del Loco se han convertido en fenómenos de masas.

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¿A quién le importa que Lana Del Rey haya aparecido como por arte de magia colocándose de un día para otro en lo más alto del panorama mainstream? Además, recordemos en honor a la verdad que ‘Born To Die’ no es el primer disco de la artista sino que en el 2010 ya se estrenó con una ópera prima homónima que pasó de puntillas por la industria.

En cualquier caso, nos es indiferente que Lana Del Rey no haya ido haciéndose un nombre poco a poco mientras sus canciones estén a la altura de las que nos ofrece su flamante y sobresaliente  trabajo en estudio. ‘Video Games’, ‘Blue Jeans’ o ‘Born To Die’ son sin lugar a dudas algunas de las mejores canciones que se han podido escuchar estos últimos meses. Y así lo entiende el público que se ha precipitado a las tiendas para comprarse el disco, un disco número 1 en UK, en Irlanda y en Alemania.

En cuanto a la polémica que rodea sus actuaciones en directo, ¿qué podemos esperar de una artista que está dando sus primeros pasos ante las imponentes cámaras de televisión? Su naturaleza aparentemente frágil le causará algunos problemas en esta fase de iniciación, pero que nadie duda de su evolución. De aquí a unos meses, Lana Del Rey será una de las artistas más codiciadas por los festivales veraniegos.

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Cuando me refiero a Lana Del Rey como una “artista de plástico”, no se trata de ninguna metáfora. Su artificialidad no solo se percibe en sus labios retocados en quirófano sino también en su voz, en sus canciones, en todo lo que rodea a este producto destinado al fracaso, destinado a desaparecer de aquí a un año o dos como mucho.

Si naces grande, mueres joven. Porque es antinatural que, de un día para otro, por mucho que haya gustado su éxito de ‘Video Games’, una total desconocida se convierta en un nuevo fenómeno de masas, en la nueva gran revelación del mercado. Detrás de Lana Del Rey se oculta un enorme engranaje de marketing dispuesto a todo para hacer de ella la nueva diva del pop más comercial. Pero el dinero no lo compra todo, y a lo que uno no accede a pesar de las grandes cantidades de dólares que se mueven en la sombra de esta joven vocalista, es al talento, al poder de convocatoria, al carisma.

Prueba de sus limitaciones como artista son sus lamentables directos, unos directos en los que su voz parece directamente sacada de una versión karaoke interpretada por una joven borracha o atacada por el pánico de ser el centro de todas las miradas. Y si no, ¿por qué hace unos días decidió cancelar su gira por Estados Unidos? Porque ella misma lo sabe, todos saben, que lo suyo no es el mundo de la música. Pero su pelo Pantene y sus labios pomposos parecen haber llamado la atención de cierto sector.

Pero me apuesto a que todos los que hoy veneran a Lana Del Rey se habrán olvidado de ella de aquí a un par de años.

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Cuando se habla de “un genio en la sombra” se habla de Jessie J, una joven británica de tan solo 23 años que a pesar de su corta edad ya se ha convertido en una de las compositoras más importantes de la industria norteamericana. Solo con decir que ha escrito canciones para Rihanna, Alicia Keys, Miley Cyrus, Christina Aguilera, Britney Spears o Justin Timberlake, sobran los demás argumentos a la hora de defender a esta chica y de considerarla como la gran revelación para el futuro del pop comercial. De hecho, Justin Timberlake no se mordió la lengua a la hora de decir que Jessie J “es hoy en día la mejor cantante del mundo.”

Fue ella quien escribió ‘Party In The U.S.A.’ interpretada por Miley Cyrus y como anécdota, una tarde mientras Jessie J paseaba por IKEA, sonó la canción. Entonces ella se volvió loca y se puso a gritar a la gente que se encontraba a su alrededor: “¿A que es genial? ¡La escribí yo!”

Sin embargo, lo más destacable de esta polifacética artista es su humildad, una humildad posiblemente debida a la fragilidad de su salud que le provocó un pequeño derrame cerebral en consecuencia de un ritmo anormal que le diagnosticaron en su corazón a los 11 años. Desde entonces, no fuma, ni bebe ni consume drogas.

Y en febrero del 2011, además de trabajar para los demás, Jessie J emprendió una aventura en solitario con su álbum ‘Who You Are’, un álbum que incluye canciones como ‘Price Tag’ cuyo videoclip en youtube ya cuenta con más de ¡¡182 millones de visitas!!

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A esta chica la tendrían que meter en la cárcel. ¿No os dais cuenta de que es la gran culpable de toda la contaminación sonora que tenemos que aguantar casi a diario en supermercados, gasolineras, bares, tiendas, radios o anuncios? Por su culpa, gente como Miley Cyrus, Britney Spears o Rihanna sigue estando presente en nuestras vidas por mucho que nosotros no lo queramos. A pesar de sus millones de visitas en youtube, a pesar de ser una luchadora en una vida que nunca se lo puso fácil, lo que está haciendo Jessie J componiendo para todas esas vocalistas es estar yendo en contra de la estética, de lo hermosa que puede llegar a ser la música cuando es tratada con cierto cariño.

Pero ella compone como cuando un cocinero hace churros aceitosos. Canciones industriales, himnos para una generación empanada, un insulto al arte y a sí misma. Posiblemente ella sea capaz de dar una vuelta más de tuerca y dar vida a canciones mucho más interesantes pero parece que lo único que le importa es el dinero, la fama y el reconocimiento mediático. Aún es joven y aún hay esperanzas de que evoluciones hacia nuevos caminos, pero por ahora, esta chica no se merece mi respeto, ni mucho menos. De hecho, se merece que la internen y le cierren el grifo a divas de plástico como son Miley o Britney.

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A sus 23 años, Adele se ha convertido con tan solo dos álbumes en el mercado en un fenómeno de la música soul actual. Aunque Salvador Dalí decía “No temáis a la perfección, nunca la alcanzaréis”, la excepcional voz de esta joven parece ser una excepción en la filosofía del pintor español. Por ese motivo, el hecho de que Adele haya tenido que pasar recientemente por el quirófano sin saber en qué estado y cuándo podrá volver a los escenarios se traduce como una verdadera tragedia para los millones de seguidores de la artista, una artista que hasta el día de hoy ha vendido más de 15 millones de álbumes.

Otro mérito de la intérprete de ‘Rolling In The Deep’ es haber triunfado en una industria superficial con un físico alejado del de la mayoría de esas estrellas del pop artificiales cuya imagen está por encima de la calidad musical de sus canciones. Adele no es ningún sex symbol pero tampoco es un producto. Adele es una verdadera artista con una voz descomunal, con grandes canciones y, por ese motivo, se sitúa más allá de las tendencias, más allá del tiempo y de las apariencias.

Ahora solo queda ser pacientes y desearle la mejor recuperación posible. El mundo de la música la necesita, necesita volver a poder presenciar ese milagro que, desde el año 2008, ha marcado un antes y un después en la vida de numerosos oyentes.

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Basta ya de Adele, por favor. Basta ya. No quiero volver a escuchar su nombre. Es un sin vivir. Hasta en la sopa tenemos a esta mujer con su voz empalagosa y pretenciosa. Por muy técnica que sea, por muchas notas agudas que logre alcanzar, no sirve de nada si a ello no se le suma algo de emoción y de sentimientos. Porque ver cantar a Adele es como ver a una piedra o a un guitarrista virtuoso haciendo una demostración de sus aptitudes a través de solos aburridos, largos y sin imaginación.  

Pero es lo que tiene esta industria. Mientras los pijos se creen muy modernos porque escuchan a Coldplay, muchos declaran su amor a Adele porque da un cierto toque intelectual al asunto. Es una cuestión de imagen y de mucho marketing, nada más. El mundo de la música ha creado un monstruo, a otro de esos productos seudo-elegantes y lo ha triturado. Lo ha triturado tanto, con el único fin de ganar el máximo dinero en el mínimo tiempo posible, que la artista ha tenido que pasar por quirófano.

La verdad es que, aunque le desee salud a Adele, el hecho de tenerla unos cuantos años apartada de la industria es una gran noticia para la coherencia de este mundo que, de un día para otro, glorifica a seres humanos hasta convertirlos en mitos. Quizá todos esos fans se den cuenta que sin esa voz irritante también se vive bien… incluso mejor.

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New Kids On The Block es muchísimo más que un mero grupo de música integrando por chicos de buen ver y de voz bonita conocidos por haber provocado numerosos desmayos entre su público mayoritariamente femenino. El proyecto que nació a mediados de los años 80, además de haber vendido casi 90 millones de discos por el mundo entero y de haber acompañado a toda una generación,  ha marcado un antes y un después en la industria del espectáculo instaurando la filosofía ‘boy band’ de la que años después se nutrirían formaciones de la talla de Take That, Backstreet Boys, *NSYNC o Westlife.

Nadie duda que el factor visual en un grupo de esta índole está al mismo nivel o incluso por encima de lo puramente musical, y que los peinados o los cuerpos de gimnasio le ganan la partida a los pentagramas pero estamos hablando de productos creados para seducir y hacer soñar a las adolescentes quienes exhibieron con cierto histerismo su atracción hacia los integrantes imprimiendo sus fotos, pegándolas en sus carpetas o empapelando sus cuartos llenándolos de pósters.

New Kids Of The Block fue un fenómeno social, un terremoto en las escuelas y casi 20 años después, sus componentes se reunieron (incluso salieron de gira junto a los Backstreet Boys) para dar rienda suelta a la melancolía, al recuerdo de aquellos tiempos pasados, un tren al que hoy se suben las mujeres de 30 años, deseosas de volver dos décadas atrás y rememorar así la ingenuidad y ternura de su adolescencia. 

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Supongo que cuando Maurice Starr decidió crear una imitación blanca de una banda de R&B/Pop negra que él mismo creó, le pareció una buena idea. Y la cantidad ingente de dinero que le hizo ganar esta decisión seguro que le convirtió en un hombre más feliz. Pero esa decisión tomada en los ochenta se convirtió en la predecesora de lo que hoy concebimos como “boy band”, es decir, bandas de tontipop diseñadas para niñas adolescentes con ganas de rasgarse las vestiduras y comprarse todo el merchandising del planeta.

Lo maravilloso del tiempo es que pone las cosas en su sitio. A mediados de los 90, la banda de adolescentes se convirtió en una banda de jovenzuelos pasados de moda. Y cualquiera diría que ese fue su final…. Pero tras varios intentos patético-lamentables de resurgir durante finales de los noventa y dosmiles, Donnie Wahlberg se divorció en 2008 y decidió que la manera más fácil de “olvidar” a su mujer era crear un muerto viviente con NKOTB a ver si aquello de la música seguía sirviendo para mojar.

Así que lanzaron un nuevo álbum con títulos tan originales como Summertime o Dirty Dancing y se rodearon de nuevas estrellas como Lady Gaga para no “sentirse solos” durante esa primera gira después de tanto tiempo. El final de esa gira lo “remataron” con una serie de conciertos en un crucero, donde seguro que el pequeño de los Wahlberg pudo ponerse las botas con octogenarias. Después de esa gira anunciaron una terrible alianza llamada NKOTBSB, es decir, New Kids on the Block + Backstreet Boys. Solo pensarlo me produce malestar estomacal. Una de esas giras perfectas para un accidente en el escenario.

Como podréis leer ni me he molestado en hablar de su música, pero es que ni hace falta.

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Es tan agradable comprobar que en la industria del espectáculo aún existen personas amables y accesibles como David Civera. Porque mientras la mayoría deambula con gafas de sol y poses forzadas creyéndose los Dioses de turno, el vocalista ha sabido mantener la humildad; y eso que él, a diferencia de muchos, tiene innumerables motivos para adoptar una actitud pretenciosa. Recordemos que a lo largo de su extensa carrera musical, además de haber logrado un meritorio sexto puesto en la edición 2001 de Eurovisión, David  ha sacado a la luz canciones que acabaron número 1 en Los 40 Principales: ‘Bye Bye’ y ‘Rosa Y Espinas’.

De hecho, uno de los grandes atractivos de David Civera es su simpatía, su cercanía y su salero. Porque obviamente de él no se espera que jubile a poetas de la talla de Bob Dylan o Leonard Cohen sino que desarrolle otras funciones mucho más populares. Queremos que nos haga bailar, que consiga hacernos olvidar a nuestro jefe y nos anime cuando llegue el fin de semana. Y eso es lo que él se ha propuesto y conseguido. No le pedimos más y nos sobra.

Además, dentro de unos días saldrá a la venta su nuevo álbum ‘A Ritmo De Clásicos’, el décimo ya en su discografía. ¿Cuántos artistas pueden decir lo mismo? ¿Cuántos han conseguido publicar una decena de trabajos en una industria tan exigente que se renueva con mucha facilidad?

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Ahora me explico porque Teruel se sigue manteniendo inexistente, no quieren asumir que de aquellas tierras surgió la abominación de la que hoy me toca hablar.
Sinceramente, cuando surgió el nombre de David Civera pensé dejar la página en blanco porque me parecía que no merecía la pena desperdiciar el tiempo con este wannabe de latin lover. Pero entonces clickeé el primer enlace de youtube que apareció en google y me entró tanta mala leche que las palabras salieron solas.

David Civera es otro de los muchos “chulopiscinas” que han salido de la telebasura de nuestro país. Trabajando en “Canciones de nuestra vida”,  Alejandro Abad, uno de esos nombres que me cuesta pronunciar sin sentir arcadas, lo descubrió y le produjo su segundo disco. Desde ese momento su ventas se dispararon.

El turolense es uno de esos productos nacionales que no solo sobreactúa en sus horrorosos videoclips sino que consigue empalagar cada vez que abre la boca. Con su ceja izquierda en constante tensión, unos morritos que claman al cielo que alguien los golpee y movimientos dignos de un politoxicómano en el carnaval de Rio, Civera ha conseguido numerosos “hits” a lo largo de su carrera. Y es algo que debería darnos vergüenza nacional.

Todos pensamos que después de fracasar en Telemadrid como “presentador” David Civera se iba a dejar morir en alguna playa de Benidorm rodeado de octogenarias que lo adulasen, pero podemos leer en su web que saca nuevo disco y cito: David quiere rememorar sus comienzos en el mundo de la música.

No ha tenido la decencia dejarse olvidar y vuelve a la carga intentando tirar de su pasado. Le pega, solo espero que esta vez tenga lo que se merece, el desprecio nacional.

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Posiblemente se pueda ser mucho más moderno y transgresor que David DeMaría, tanto en el contenido como en la forma. Porque hoy en día parece que si no llevas gafas de sol fluorescentes, si no escribes melodías abstractas e insufribles, entonces quedas relegado al plano más caducado de la actualidad musical. Sin embargo, ya ha quedado demostrado que la inmensa mayoría de los seudo vanguardistas acaban desapareciendo para siempre en cuanto se desinfla su momento de gloria. Y al final, quedan los de siempre, los clásicos, los que optan por dar vida a canciones bonitas y llenas de sensibilidad.

A eso mismo se lleva dedicando David DeMaría desde que publicó su primer disco en 1997. En estos casi 15 años de carrera, además de recibir varios premios, el artista originario de Cádiz ya ha vendido más de 1 millón de copias. ¿Cuántos grupos de ahora, tan aplaudidos por la prensa británica y dichos indies consiguen mantenerse vivos durante tanto tiempo? Ya sabemos que en sus casos, después de un par de discos desaparecen para siempre…

Esto demuestra una cosa. Demuestra que David DeMaría está por encima del tiempo, por encima de las modas y de las tendencias musicales. Con esa filosofía, el vocalista de 35 años se ha convertido poco a poco en uno de los artistas más importantes de la escena nacional… Y lo que le queda.

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¿Cuándo llegará el bendito día en el que los músicos sepan hacer la diferencia entre “poesía” y “cursilada”? Es muy irritante tener que estar escuchando una y otra vez textos pretenciosos que buscan emocionar mediante palabras huecas cuando lo único que consiguen es provocar arcadas. Que si el cielo, que si el sol, que si el mar, que si el corazón, que si las lágrimas, bla bla bla. ¿Acaso el castellano es un idioma tan pobre como para verse obligado a recurrir una y otra vez a esos términos tan empalagosos? Que se lo pregunten a Cervantes…

Entre los grandes abusones de ese léxico azucarado está David DeMaría con sus relojes de arena, sus barcos de papel, sus caminos de ida y vuelta o sus colores del destino. Un bombardeo de rimas baratas, de insultos a la creatividad que, sin embargo, logra derrumbar las fachadas de sus oyentes cuyos gustos dejan mucho que desear. Porque en cuanto te dejas engañar por textos como ‘Niña Piensa En Ti’ o ‘La Magia Del Corazón’, ambas incluidas en su último (y prescindible) álbum Posdata (2011), entonces queda claro que lo tuyo es ir a los parques de atracciones, hacer botellón y ver los programas estrella de Tele 5.

Al fin y al cabo David DeMaría es libre de hacer la música que le plazca, para eso vivimos en una supuesta democracia. Sin embargo, lo único que le pido es que deje de poner poses de poeta cuando lo único que hace es escupir sobre la lírica.

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Adolescente, sentía rabia y continuos ataques de celos cuando veía a los Red Hot Chili Peppers en revistas o en televisión. Lo tienen todo. Tienen el talento, tienen el carisma, tienen grandes canciones, tienen sex appeal y son incluso considerados los inventores de un nuevo género musical: el punk funk. Se trata, en definitiva, de un grupo total que reúne todas las condiciones necesarias para provocar la envidia de un chaval de instituto enfrentado a las inseguridades de esa etapa de la vida. Sin embargo, con el tiempo fui dejando la frustración a un lado y fui aprendiendo a disfrutar de la grandeza de esa formación que, además, me perseguía en cada momento. Sonaba constantemente, en las fiestas que organizaban los compañeros de clase, en la radio, en los discman de mis compañeros de autobús y, poco a poco, en mi propia habitación.

Todas las chicas se derretían hablando del torso de Anthony Kiedis, de lo guapo que era y el poster en el que el grupo posaba desnudo con calcetines como taparrabos quedó grabado en mi mente para siempre. Los Red Hot Chili Peppers son el sueño americano de cualquier teenager, de cualquier joven ambicioso con afán de grandeza y de éxito en el mundo del espectáculo. Casi tres décadas después de sus inicios, el cuarteto sigue en pie, sigue en forma. Prueba de ello, las entradas para su concierto de Madrid del próximo mes de diciembre volaron en cuestión de días.

Y tienen cuerda para rato…

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Se supone que en la fundación de un grupo existe un interés deliberado por producir música. Y que la música es una ordenación alternativa de los sonidos en busca de una determinada belleza, la que sea. Para ser buena, la canción moderna -según dijo uno y varios repitieron- debe partir de una buena idea musical y contener una buena letra, una buena melodía y ‘algo más’. Precisamente, en ese ‘algo más’ desconocido es donde reside la magia. Pues bien, Red Hot Chili Peppers, en la actualidad, no cumple ni esta característica última… ni las anteriores.
A medida que el grupo vaciaba el frasquito de su inspiración, las canciones han ido virando hacia una instrumentación potencial y químicamente pura. Pero no estamos hablando de un grupo de versiones ni sus miembros son exclusivamente instrumentistas. Se supone que, antes que nada, deberían ser compositores. Y ahí es donde se produce el fallo, como evidencia su último disco. Está bien… pero no hay canciones. Gracias a este modo de subversión musical, posiblemente Red Hot Chili Peppers sea el único grupo en que el miembro más reconocible es un bajista, Flea.

Con los discos Blood sugar… y Californication sí justificaron estatus y anécdotas primitivas, como cuando, sin haber salido todavía de la escena angelina, una fan accedió al camerino después de un concierto, escurrió el sudor de una toalla en un vaso y se lo bebió.
Malo es confundir género con canción, pero, peor, supuesto virtuosismo con música. Yo recomendaría a Anthony Kiedis y compañía que encaminaran sus pasos hacia la música africana, donde, ahí sí, el ritmo es tan importante. Hace tiempo que sus toallas merecen una lavandería en vez de una garganta.

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Más de 7 millones de álbumes vendidos siendo DJ es una auténtica barbaridad. Pero para David Guetta ya es costumbre revolucionar la actualidad sonora y romper los esquemas de la industria.

De hecho, su papel ha sido fundamental a la hora de acercar el mundo de los platillos y de la electrónica al público menos exigente, a la audiencia mainstream. Prueba de su implicación en esa escena de grandes estrellas, están sus colaboraciones con artistas de la talla de Rihanna, Akon, Chris Willis, 50 Cent, Kelly Rowland, Lil' Wayne, Kylie Minogue, Madonna, Estelle, Fergie, will.i.am, LMFAO, Soraya Arnelas, Dane Bowers o Flo Rida.

Sin embargo, más allá de su privilegiado estatus, más allá de haber quedado segundo mejor DJ 2010 según la encuesta de DJmag, el gran mérito de este disc jockey francés es conseguir organizar unas fiestas desmesuradas sobre las pistas de baile. Sus canciones emanan optimismo, sexo, alcohol, vacaciones, en definitiva, una sensación de libertad inusual. David Guetta ha pasado de ser un artista a convertirse en un gurú que mueve masas y que cuenta con millones de fieles repartidos por el mundo entero.

Su nombre se cotiza al alza y todo lo que últimamente toca se convierte en oro. 

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Siempre he creído que toda música tiene su función, y evidentemente el "house" cubre un hueco existente dentro de la condición humana. Es la banda sonora perfecta para los diferentes "combos politoxicomanos" existentes en una buena noche de discoteca. Por eso me intrigó tanto la declaración de un conocido amante de la electrónica en general y del house en particular: "Yo a Ghetta no lo escucho ni drogado."

Y es que el Dj de origen francés ha intentado lanzar esta música tan necesitada de un contexto, al público masivo. Consiguiendo que cualquier mente sana, subrayo lo de sana, no solamente no entienda a donde quiere llegar el parisino sino que aborrezca ese sonido diseñado para estados quimicamente alterados. Pero algo de lo que no estamos sobrados es de mentes sanas...

Evidentemente el abrumador éxito de Ghetta no tiene antecedentes en el mundo Dj, y es cierto que no ha parado de trabajar para perpetuar su estatus, pero siento que sigue siendo una música totalmente descontextualizada. En una sociedad desnutrida de cultura. Tiene su lógica...

Siempre he admirado a la gente que consigue hacer brillar las nuevas ideas, las nuevas tendencias, los nuevos sonidos, pero también creo que hay ciertas cosas que deberían seguir en la oscuridad nocturna a la que pertenecen. Como dijo el gran Groucho, la justicia militar es a la justicia lo que la música de David Ghetta es a la música. No era exáctamente así pero queda claro...

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Con los dedos de la mano. Vamos a contar. ¿Cuántos grupos nacidos a principios de la década de los 80 se conservan tan bien musicalmente hablando? Mientras la inmensa mayoría de las formaciones han perdido fuerza, glamour y poder de seducción por la senda del tiempo, Metallica son de las raras excepciones que, a pesar de las modas, siguen reuniendo a miles y miles de seguidores fieles por todos los costados del mundo.

Cuando superas la barrera de los 100 millones de álbumes vendidos, entonces puedes creerte lo que eres: un Dios de la industria, un salvador del rock, un ejemplo para los jovencitos que acaban de comprarse su primera guitarra eléctrica y sueñan con convertirse en sus ídolos: Metallica. Además, la legendaria formación norteamericana autora de himnos de la talla de ‘Nothing Else Matters’ exhibe en su vitrina premios tan prestigiosos como nueve Grammys, dos premios de la Academia de Música Americana, un galardón concedido por la revista Billboard y un largo etcétera.

Son energía, son electricidad, son historia. Y, me apuesta lo que queráis, que de aquí al fin de los tiempos ningún grupo de rock logrará repetir lo conseguido por Metallica. ¡Sería un milagro!

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Es evidente que Metallica es una de las bandas más grandes del Metal, pero después del álbum con el nombre de la banda que sacaron en el 91, se precipitaron en una espiral de mediocridad que consiguieron detener (aunque no del todo) hace 3 años con la salida del Death Magnetic.

Metallica comenzó como una apisonadora, aplastaba todo lo anterior con cada nuevo disco. Pero esa precisión a la hora de reventar el panorama musical con cada una de sus obras, se les subió a la cabeza, y creó a los ególatras cortos de mente que todos pudimos apreciar en el documental (cómicolamentable) “Some Kind of Monster”. Ya hace un año que Lars Ulrich aceptaba que rodarlo “fue una idea estúpida. Soy consciente de que muchos músicos han pasado por lo mismo, pero ellos no fueron tan estúpidos como para filmarlo como hicimos nosotros y compartirlo con el resto del mundo.”

Y aunque Ulrich tiene toda la razón del mundo, para todos los fans de Metallica, fue un gran alivio el entender finalmente porqué la banda hizo todas esas chapuzas entre el 91 y el 2008. La razón es evidente, la fama, el dinero (en tal cantidad que empalaga), las drogas y la muerte sucesiva de sus neuronas los convirtió en la parodia que apreciamos durante varias partes del metraje.

Y es verdad que la incorporación de Robert Trujillo (con un sonido que recuerda al del fallecido Cliff Burton) ha aportado juventud a la banda, pero todo suena a ya escuchado, no percibes la llama de la creatividad de los primeros trabajos de la banda. Y es que en el metal tendría que pasar como en los deportes, que a partir de una edad te retiras sin hacer el patético. 

PIN... UNA DE CAL

Después de una banda omnipotente como los Beatles, era realmente complicado colocarse el sobrenombre de banda inglesa que marcó la historia, y evidentemente el proyecto iniciado por Syd Barrett, David Gilmour, Richard Wright, Roger Waters y Nick Mason revolucionaron el panorama global musical. ¡Y de qué manera!

Pink Floyd se construyeron a si mismos desde el ambiente mas underground de Londres y lo mejor es que jamás se desviaron del camino marcado en esos primeros días. Desde la psicodelia consiguieron que millones de personas se adentrasen en los desarrollos progresivos y sinfónicos que les caracterizo.
Y no fue solo gracias a la música, Pink Floyd supieron utilizar el audiovisual a su favor, construyendo un imaginario que hoy en día forma parte de la historia del rock.

No siempre ocurre, pero hay ocasiones en que una banda consigue impulsar la evolución de la música con sonidos nuevos y revolucionarios y además consigue conquistar al gran público de su época. Pink Floyd ha sido una de ellas.

PON... UNA DE ARENA

Posiblemente me haga unos cuantos enemigos escribiendo estas líneas, pero necesitaba desahogar mi rabia sacando a la luz una verdad que lleva demasiado tiempo enquistada en la historia de la música. Ser fan de Pink Floyd mola, permite darte un aire interesante e incluso multiplicar tus posibilidades de ligar en algún bar modernillo de la Metrópolis. Lo mejor de todo es que no necesitas ni siquiera tener conocimientos acerca de esta legendaria formación para exhibir tu ficticia admiración y pretender ser lo que no eres. Porque, seamos sinceros, ¿cuánta gente realmente les ha escuchado con la atención que se merecen? ¿Cuántos son los que han ido más allá de las canciones ‘Another Brick In The Wall’ o ‘Wish You Were Here’?

Lo mismo ocurre con el Che Guevara, con los Ramones (cuyo merchandising hasta puede comprarse en El Corte Inglés) o con iconos con pretensiones minoritarias que, por algún motivo desconocido, se han convertido con el tiempo en ídolos de masas. Todos queremos ser diferentes, todos queremos ser especiales y muchos piensan que la forma de conseguirlo es mostrar en público su fascinación hacia personajes históricos, películas coreanas, grupos de culto o pintores como Andy Warhol.

PIN... UNA DE CAL

Vamos a empezar por lo obvio: 120 millones de álbumes vendidos. Una vez dicho esto, no necesitaría decir nada más. Pero sigamos; de todos modos sobran argumentos para defender a KISS. Recordemos a nuestros recelosos lectores que lograron algo que ningún otro grupo consiguió: ser recibidos en la Casa Blanca de Estados Unidos por cinco mandatarios: ni más ni menos que por Gerald Ford, Jimmy Carter, Ronald Reagan, Bill Clinton y George Bush.

¿Qué demuestra eso? Demuestra que estamos ante muchísimo más que un simple grupo de rock, que una mera propuesta musical. KISS traspasan los límites del sonido y han calado muy hondo en la sociedad. Son una forma de ver la vida, una filosofía, algo totalmente distinto, original, vanguardista y atemporal. Mientras muchos les ven como payasos, sería bueno recordar que detrás de todo ese maquillaje circense se ocultan grandiosos artistas que no sólo marcaron un antes y un después en la historia del hard rock gracias a álbumes de la talla de ‘Destroyer’ o ‘Hotter Than Hell’ sino que tras cuatro décadas en activo, siguen enamorando a las nuevas generaciones. Porque la pasión hacia KISS no se estancó en los años 70. No. Hoy en día se sigue contagiando de padre a hijo, motivo que explica la edad media de su público que suele oscilar tan solo entre los 30 y 35 años.

Son fuego, espectáculo, grandes conciertos, himnos generacionales. Son el grupo total, completo, casi perfecto y, obviamente, será muy difícil que volvamos a poder disfrutar de un grupo de esta índole que reúna todas las cualidades en un único proyecto.

PON... UNA DE ARENA

Vietnam fue algo realmente devastador para la sociedad americana. Después de algo así, se necesita una banda esperpéntica, maquillada y exuberante como Kiss para superar la depresión. Y es algo que hay que agradecer a los neoyorkinos, consiguieron poner una sonrisa en la cara de la América de los 70. Pero llegaron los 80 y ultracaraterizados Kiss se desmaquillaron para sobrevivir. 

En la historia de la música ha ocurrido muchísimas veces, una banda se agota creativamente y tira del pasado para seguir adelante. El problema es que puede salirte bien como a los Rolling Stones o conseguir descontextualizar y humillar todo un concepto como en el caso de Kiss, que gracias a la década revival chunga que supuso en muchos casos los 90, volvieron a los polvos maquillantes y sus primeros hits. Error.
Visto desde los opulentos 90, Kiss solo era un grupo de payasos tocando rock pasado de moda seguidos por una serie de nostálgicos pseudorockeros. Vamos, una imagen realmente lamentable.

Aun así, vista la cantidad de parodias a las que se prestan (Los Simpsons, Padre de Familia…), parece que ellos están de acuerdo con su estatus de icono comicolamentable. Pero como dijo Cole Porter, ''todo el mundo ama a un payaso''.  Y tendremos que quererles, pero como cómicos, no como músicos.